Mes: enero 2014

CAPRICHO (El cochecito)

Idea, acción, o intención que una persona se forma en su mente o lleva a cabo, sin que exista una razón aparente anterior que lo impulse hacia ese pensamiento o acción. (definicionabc.com)

«Es más fácil reprimir el primer capricho que satisfacer a todos los que le siguen»
Abraham Lincoln (1809-1865) Político estadounidense

EL COCHECITO (El cochecito) – 1960

Director Marco Ferreri
Guion Marco Ferreri y Rafael Azcona
Fotografía Juan Julio Baena
Música Miguel Asins Arbó
Producción Films 59
Nacionalidad España
Duración 88m. B/N
Reparto José Isbert, Pedro Porcel, María Luisa Ponte, Ángel Alvarez, Antonio Riquelme, José Luis López Vázquez, Chus Lampreave.

«Después de bregar tanto en la vida a uno le apetece descansar y, sin cuartos, créame don Anselmo, sin cuartos no hay quien descanse»

La trilogía española realizada por Marco Ferreri a principios de su carrera, iniciada con EL PISITO (1958) y LOS CHICOS (1959), se coronó con esta obra maestra del humor negro y esperpéntico, basada en un relato de Rafael Azcona titulado El paralítico. La caprichosa e iracunda ofuscación de un incauto septuagenario viudo por conseguir un cochecito de inválido motorizado que le permita codearse con sus imposibilitados colegas (metáfora del permanente apremio del ser humano por alcanzar un estatus) sirvió al realizador italiano para consumar su testimonio ácido y grotesco sobre la sociedad española de finales de los cincuenta, y, de paso, ofrecer una cruel, sarcástica y emotiva reflexión sobre el triste drama de la vejez y el desarraigo familiar. Los cambios impuestos por la censura del momento no fueron óbice para que esta extraña amalgama de ternura y aspereza gozara de un unánime reconocimiento crítico a nivel internacional; circunstancia en la que influyó de forma decisiva la antológica interpretación de Pepe Isbert y la gran labor de una solvente camarilla de secundarios.

Otras películas donde al protagonista se le antoja algún que otro CAPRICHO

Capricho imperial – Josef Von Sternberg (1934)
Lo que el viento se llevó – Victor Fleming (1939)
Capricho de mujer – Mitchell Leisen (1942)

ARTISTA (El loco del pelo rojo)

Persona que practica alguna de las bellas artes (música, pintura, escultura, arquitectura, danza, poesía), en especial si se dedica a ello profesionalmente. (google.es)

«El artista es un niño que se niega a crecer y quiere seguir jugando.»
Luis Eduardo Aute (1943-) Músico, cantautor, director de cine, actor, escultor, escritor, pintor y poeta español

EL LOCO DEL PELO ROJO (Lust for life) – 1956

Director Vincente Minelli
Guion Norman Corwin
Fotografía Frederick A. Young y Russell Harlan
Música Miklos Rozsa
Producción Metro Goldwyn Mayer
Nacionalidad Estados Unidos
Duración 122m. Color
Reparto Kirk Douglas, Anthony Quinn, James Donald, Pamela Brown, Everett Sloane, Henry Daniell, Lionel Jeffreys.

«Oh, Vincent. Lamento posponer tu visita, pero los artistas tenemos que ser egoístas, ¿sabes? Tenemos que salvarnos a nosotros mismos. Después de todo, con cada pintura, morimos un poco.»

Valiosa aproximación a la atormentada figura de Vincent Van Gogh, basada en una homónima novela biográfica de Irving Stone, que incidía en los aspectos más legendarios de la turbulenta vida y obra en desarraigo del incomprendido pintor holandés para ponderar con cautelosa y temperada profundidad en la soledad del artista, en su permanente estado de frustración y desasosiego, en su colérico furor creativo o en su fatídica inestabilidad psicológica. Pero más allá de su esforzada voluntad introspectiva, la película resplandece por la maravillosa lucidez de su puesta en escena, identificada por el fascinador y decisivo sentido cromático de Minnelli, en esta ocasión acrecentado por la impagable labor de la pareja de operadores Young/Harlan y la entera libertad que le proporcionaba el productor John Houseman, así como por el excelso trabajo de decoración de Cedric Gibbons, quien dispuso inclusive de los cuadros originales del genio impresionista. Antológica caracterización de Kirk Douglas y soberbia creación del arrogante Paul Gaughin a cargo de Anthony Quinn.

Otras películas que recrean la vida de un ARTISTA y su quehacer como tal

El manantial – King Vidor (1949) / Howard Roark
Los amantes de Montpartnasse – Jacques Becker (1958) / Amadeo Modigliani
El tormento y el éxtasis – Carol Reed (1965) / Miguel Ángel

XENOFOBIA (Todos nos llamamos Alí)

Miedo, hostilidad, rechazo u odio al extranjero, con manifestaciones que van desde el rechazo más o menos manifiesto, el desprecio y las amenazas, hasta las agresiones y asesinatos. Una de las formas más comunes de xenofobia es la que se ejerce en función de la raza, esto es el racismo. (Wikipedia)

«El respeto a la diversidad es un pilar fundamental en la erradicación del racismo, la xenofobia y la intolerancia»
Rigoberta Menchú (1959-) Líder indígena guatemalteca

TODOS NOS LLAMAMOS ALÍ (Angst essen seele auf) – 1974

Director Rainer W. Fassbinder
Guion Rainer W. Fassbinder
Fotografía Jürgen Jürges
Música Rainer W. Fassbinder
Producción Filmverlag der Autoren/Tango Film
Nacionalidad Alemania Federal
Duración 93m. Color
Reparto Brigitte Mira, El Hedi Ben Salem, Barbara Valentin, Katharina Herberg, Irm Herrmann, Doris Mattes, Gusti Kreissl, Margit Symo.

«El miedo se come el alma»

La desarraigada e hiriente relación afectiva entre una humilde viuda sesentona poco agraciada y un inmigrante marroquí veinte años menor que ella en el seno de la aprensiva e intolerante sociedad germana dio lugar a un melodrama lacónico, directo y perturbador que sintetizaba como pocos la idiosincrasia fílmica e ideológica del prolífico cineasta muniqués. Sin la necesidad de incurrir en sentimentalismos superfluos ni maniqueístas, Fassbinder insistió en penetrar en los flancos más desapacibles de la marginalidad para exhumar un relato sobre la dificultad en conllevar la carencia de estima y la inmanente revelación de envidia e hipocresía que el ajeno bienestar amoroso genera a su alrededor, aquí incrementada por una intransigencia xenófoba de claro sedimento nazi. Los limitados recursos técnicos del rodaje fueron compensados con una poderosa exhibición de facultades estilísticas, entre las que sobresalen los encuadres alegóricos y el hábil estatismo teatral de sus eximias interpretaciones, en una cinta que consagró con todos los honores la figura de su autor a nivel internacional.

Otras películas sobre XENOFOBIA
Conspiración de silencio – John Sturges (1955)
American history X – Tony Kaye (1998)
Gran Torino – Clint Eastwood (2008)

ESTIRPE (Los cuatro jinetes del apocalipsis)

Conjunto de ascendientes de una persona, linaje. En una sucesión hereditaria, conjunto formado por la descendencia de un sujeto a quien ella representa y a cuyo lugar toma. (Espasa-Calpe)

«Las democracias suelen ser más tranquilas y están menos expuestas a la sedición que el régimen gobernado por una estirpe de nobles»
Sir Francis Bacon (1561-1626) Filósofo, político, abogado y escritor inglés

LOS CUATRO JINETES DEL APOCALIPSIS (The four horsemen of the apocalypse) – 1921

Director Rex Ingram
Guion June Mathis
Fotografía John F. Seitz
Producción Metro Pictures Corporation
Nacionalidad Estados Unidos
Duración 150m. B/N
Reparto Rodolfo Valentino, Alice Terry, Alan Hale, Nigel De Brulier, Pomeroy Cannon, John Sainpolis, Josef Swickard, Wallace Beery.

«La paz ha llegado, pero los cuatro jinetes seguirán asolando a la humanidad, agitando el mundo, hasta que todo odio esté muerto y solo el amor reine en el corazón de la raza humana»

El tupido enfrentamiento de raíz política entre dos estirpes (francesa y alemana) de una misma familia argentina durante el transcurso de la Gran Guerra, según la célebre novela homónima de Vicente Blasco Ibáñez, suscitó la realización de dos grandes melodramas MGM de distinta relevancia, enjundia y trascendencia. Si bien la segunda versión, dirigida por Vincente Minnelli (1961) trasladando la acción del relato al París invadido de la Segunda Guerra Mundial, representa hoy un paradigma de la agonía del glamouroso ‘star system’ hollywoodiense, esta primera adaptación de Rex Ingram conserva toda su esencia artística y prevalece como el incipiente efluvio del magnetismo sexual de su protagonista, por cierto, descubierto por la guionista y admiradora June Mathis. El mítico actor de origen italiano propagó un contagioso furor uterino bailando un tango vestido de gaucho o representando escenas tan sensuales como el célebre número de la cerilla, mientras Rex Ingram se hizo un nombre como realizador en la industria con su vena poética y su concepción plástica de influjo romanticista.

Otras películas sobre ESTIRPES

El gatopardo – Luchino Visconti (1963)
Orgullo de estirpe – John Frankenheimer (1971)
Fanny y Alexander – Ingmar Bergman (1982)

HUIDA (Pierrot el loco)

1. Alejamiento de un lugar o una situación, especialmente con rapidez, para evitar un daño o peligro.
2. Salida de una persona de un lugar donde estaba privada de libertad, mediante el uso de la violencia o de manera oculta o clandestina. (Larousse Editorial)

«Tienes que tener pasión para poner fin a las penas, y la pasión no se adquiere por la huida. Te la encuentras cuando dejas de escapar»
Jiddu Krishnamurti (1895-1986) Filósofo y escritor indio

PIERROT EL LOCO (Pierrot le fou) – 1965

Director Jean-Luc Godard
Guion Jean-Luc Godard
Fotografía Raoul Coutard
Música Antoine Duhamel
Producción Rome Paris Films/Societé Nouvelle Cinémat./Dino De Laurentiis Cinematografica
Nacionalidad Francia/ Italia
Duración 110m. Color
Reparto Jean-Paul Belmondo, Anna Karina, Graziella Galvani, Dirk Sanders, Pascal Aubier, Pierre Hanin, Roger Dutolt, Hans Meyer.

«Una película es como un campo de batalla. Amor, odio, acción, violencia, muerte… En una palabra: emoción»

Godard recapituló lo que había sido el primer período de su obra, distinguido por su inmutable tendencia a desarticular de forma sistemática todo convencionalismo dramático o narrativo, en esta persuasiva adaptación libre de la novela Obssesion de Lionel White, que, además de erigirse en uno de sus títulos más señeros, acabaría proyectando una substancial influencia en la evolución del cine contemporáneo. La romántica huida hacia la costa mediterránea que emprende un melancólico e inadaptado burgués junto a una joven inmersa en turbios negocios de armas aglutinaba las constantes estilísticas del cineasta (súbita alternancia de género y tono, inaudita espontaneidad de la puesta en escena, amasijo de citas y referencias culturales, etc.) con el fin de hacer frente a recurrentes obsesiones como la imposibilidad de la pasión amorosa, el desapego a la sociedad moderna o su particular análisis sobre el propio cine, aquí refrendado por la sentenciosa definición que sobre éste profiere el mismísimo Sam Fuller. Sublime pareja protagonista y brillante fotografía en Scope, con una ofuscadora preponderancia del color rojo.

Otras películas sobre HUIDAS

Bonnie y Clyde – Arthur Penn (1967)
Malas tierras – Terrence Malick (1973)
Thelma y Louise – Ridley Scott (1991)