Drama social

ELECTROCHOQUE (Corredor sin retorno)

Tratamiento psiquiátrico en el cual se inducen convulsiones utilizando la electricidad. La TEC se utiliza más frecuentemente para tratar cuadros de depresión mayor que no han respondido a otros tratamientos, pero también para tratar la manía (estado de ánimo muy eufórico, expansivo y/o irritable que puede ir acompañado de síntomas psicóticos), catatonia, esquizofrenia y otros trastornos mentales. (Wikipedia)

“Los pacientes, cada uno a su manera, pierden su sentido de la realidad, y para recuperarlo resulta imprescindible el apoyo de una realidad viva y desnuda, una realidad que funcione como electroshock”
Yukio Mishima (1925-1970) Escritor y dramaturgo japonés

CORREDOR SIN RETORNO (Shock corridor) – 1963

corredor

Director Samuel Fuller
Guion Samuel Fuller
Fotografía Stanley Cortez
Música Paul Dunlap
Producción Allied Artists/F&F
Nacionalidad Estados Unidos
Duración 101m. B/N
Reparto Peter Breck, Constance Towers, Gene Evans, James Best, Hari Rhodes, Larry Tucker, William Zuckert, Philip Ahn, Paul Dubov.

“El papel que vas a representar supera tu enorme imaginación. No flaquees nunca. Será un duelo a muerte entre el mundo de los locos y tu mente sana”

Inclemente reprobación contra la institución psiquiátrica y sus dudosos métodos regeneradores, entre ellos, la cruel y abusiva terapia del electrochoque, que ostentaba sin disimulo el enardecido, febril e intrínseco temperamento fulleriano para describir el viaje por los meandros de la locura que emprende un ambicioso periodista del Daily Globe neoyorquino al consentir su ingreso en un manicomio, simulando un desequilibrio mental de índole incestuosa, para resolver un crimen que lo propulse al codiciado Premio Pulitzer. Un largometraje de convulso dramatismo y un exarcebado rigor visual, aderezado con llamativas imágenes superpuestas y algunos fragmentos documentales en color, que, más allá de su crítica al sistema sanitario, reflexionaba en torno a los difusos límites del periodismo de investigación e, incluso, asestaba una dura y subversiva crítica a unos estamentos del poder ofuscados en fomentar el patriotismo anticomunista, la segregación racial o el miedo a la Guerra Fría. Una obra maestra de la serie B, rodada en apenas diez días e íntegramente en plató con un presupuesto irrisorio.

Otras películas donde se utiliza la terapia del ELECTROCHOQUE

Alguien voló sobre el nido del cuco – Milos Forman (1975)
Frances – Graeme Clifford (1982)
Zelig – Woody Allen (1983)

HUMANISMO (Lazzaro feliz)

Doctrina que se basa en la integración de los valores humanos. A su vez, puede hacer referencia a un movimiento renacentista, a través del cual se propuso retornar a la cultura grecolatina para restaurar los valores humanos. El humanismo, en general, es un comportamiento o una actitud que exalta al género humano. Bajo esta concepción, el arte, la cultura, el deporte y las actividades humanas generales, se vuelven trascendentes. Dicha trascendencia podía conseguirse mediante la enarbolación y la experimentación de las propias facultades. (definicion.de)

“Un humanismo bien ordenado no comienza por sí mismo, sino que coloca el mundo delante de la vida, la vida delante del hombre, el respeto por los demás delante del amor propio”
Claude Lévi-Strauss (1908-2009) Antropólogo francés

LAZZARO FELIZ (Lazzaro felice) – 2018

lazzaro

Director Alice Rohrwacher
Guion Alice Rohrwacher
Fotografía Hélène Louvart
Música Varios
Producción Tempesta/Amka Films Productions/Ad Vitam Production
Nacionalidad Italia/ Suiza/ Francia/ Alemania
Duración 125m. B/N
Reparto Adriano Tardiolo, Alba Rohrwacher, Agnese Graziani, Luca Chikovani, Sergi López, Natalino Balasso, Nicoletta Braschi.
* Johann Sebastian Bach – The Well-Tempered Clavier, Book I: Prelude No 8 in E Flat Minor BWV 853

“El santo caminó por un largo tiempo. Caminó y caminó, y llegó el invierno. Estaba exhausto, tenía frío y hambre, pero ni rastro del lobo. No sabía que el lobo también tenía hambre y llevaba mucho tiempo siguiéndole el rastro. Un día el santo no pudo más y cayó desplomado en la nieve. Y así lo encontró el lobo. Se acercó, se afiló las uñas y los dientes dispuesto a devorarlo, pero olfateó algo que lo detuvo, algo que no había olido nunca. ¿A qué olía? Olía a un hombre bueno”

Heredera directa del neorrealismo en sus distintas formas y métodos de observación, Alice Rohrwacher ha ido fraguando una concisa personalidad poética en la que confluyen el misticismo de Pasolini, la ensoñación felliniana y el afectuoso espíritu documentalista de Olmi, cuyo más preclaro exponente reside en esta reveladora parábola humanista sobre la benevolencia, la honradez sin límites y la abnegación como signo de identidad. A través de una mirada contemplativa, un tono atemporal y un ritmo descriptivo más bien pausado, la cineasta toscana estructuró esta fábula social en dos segmentos dispares, separados por un breve intermedio de rotunda impronta bíblica: una primera mitad de preciso acento naturalista, ambientada en una ficticia aldea llamada La Inviolata, que planteaba una imaginería campestre con resonancias feudales en torno a la sobreexplotación laboral de una ignorante comunidad de aparceros, y, un segundo tramo de imprevisto cariz sobrenatural, presto a conformar una alegoría de halo redentor contra la banalidad y el egoísmo del sistema capitalista.

Otras películas con evidentes trazos de HUMANISMO

Barbarroja – Akira Kurosawa (1965)
Milagro en Milán – Vittorio De Sica (1951)
La noche de San Lorenzo – Paolo Taviani y Vittorio Taviani (1982)

MANIQUEÍSMO (El viento que agita la cebada)

Actitud o interpretación de la realidad que tiende a valorar las cosas como buenas o como malas, sin términos medios. (google.com)

“La acción política sólo es maniquea en sus grados bajos, y el maniqueísmo tiene el efecto de camuflar el azar y la incertidumbre de la acción” (libro Mis demonios)
Edgar Morin (1921-) Filósofo y sociólogo francés

EL VIENTO QUE AGITA LA CEBADA (The wind that shakes the barley) – 2006

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Director Ken Loach
Guion Paul Laverty
Fotografía Barry Ackroyd
Música George Fenton
Producción UK Film Council/Sixteen Films/TV3 Network Ireland/BIM Distribuzione/Filmstiftung Nordrhein-Westfalen/ Matador Pictures/Pathé/Regent Capital/Tornasol Films
Nacionalidad Irlanda/ Reino Unido/ Alemania/ Italia/ España/ Francia/ Bélgica/ Suiza
Duración 127m. Color
Reparto Cillian Murphy, Padraic Delaney, Liam Cunningham, William Ruane, Gerard Kearney, Orla Fitzgerald, Mary O’Riordan.

“Su presencia aquí es un crimen, una ocupación extranjera. Dígame qué se supone que debo hacer como demócrata. ¿Poner la otra mejilla durante otros setecientos años? ¡Es así!”

Sin abandonar su marcado carácter social de impronta realista, Ken Loach volvió a adentrarse en su intermitente revisión de acontecimientos históricos para documentar el punto álgido del fratricida conflicto armado que precedió al Tratado Anglo-irlandés (1921) y la consecuente creación del Irish Free State (1922). Tomando prestado el título de una balada escrita por el poeta Robert Dwyer Joyce y vinculada a la rebelión irlandesa de 1798, detallaba con apasionada intensidad narrativa la toma de conciencia de dos hermanos de origen campesino (uno de ellos, médico en ciernes) y los caminos divergentes por los que transitarán como miembros de la guerrilla que combate contra la dominación británica. El radicalismo izquierdista de su autor, enturbiado aquí por una incómoda propensión al maniqueísmo, denunciaba sin concesiones la barbarie de la represión imperalista mientras describía las actividades del IRA y sus contradicciones de clase con matizado idealismo, ciertos visos de complejidad y un sentido poso de amargura. A destacar la meritoria fotografía de Barry Ackroyd y la loable naturalidad de sus interpretaciones.

Otras películas que incurren en el MANIQUEÍSMO

Soy Cuba – Mikhail Kalatozov (1964)
Z – Constantin Costa-Gavras (1969)
J.F.K.: caso abierto – Oliver Stone (1991)

LIMPIABOTAS (El Havre)

Persona que se encarga de limpiar y lustrar el calzado de eventuales clientes utilizando betún para calzado. Tradicionalmente lo ejercen personas del género masculino y muy frecuentemente niños. Aunque el rol es desaprobado en diversas latitudes del mundo, constituye el medio de manutención de familias de condición precaria en diversos países. (Wikipedia)

“El norteamericano blanco relega al negro a la condición de limpiabotas y deduce de ello que sólo sirve para limpiar botas”
George Bernard Shaw (1856-1950) Escritor irlandés

EL HAVRE (Le Havre) – 2011

havre

Director Aki Kaurismäki
Guion Aki Kaurismäki
Fotografía Timo Salminen
Música Varios
Producción Janus Films/Pandora Film/Pyramide Productions/Sputnik
Nacionalidad Finlandia/Francia/Alemania
Duración 93m. Color
Reparto André Wilms, Kati Outinen, Jean-Pierre Darroussin, Blondin Miguel, Elina Salo, Jean-Pierre Léaud, Evelyne Didi.
* The Renegades – Matelot

“Aunque te cueste creerlo, tengo un punto tierno en el corazón. Los malhechores me resultan indiferentes, pero no me gusta que los inocentes sufran”

Sin trastocar un ápice de la sutil narrativa elíptica, el hieratismo interpretativo, la parquedad dialéctica o la gran riqueza cromática que definen, entre otras características, su inimitable homogeneidad estilística, Aki Kaurismäki hilvanó esta maravillosa parábola sobre la solidaridad, el pundonor y la obligatoriedad de encarar la vida con entusiasmo y determinación, que bien merece estar encuadrada entre las piezas mayores de su filmografía. Recurriendo al controvertido asunto de la inmigración, en especial, a la dramática situación de los refugiados africanos en Europa, testimoniaba el compromiso de ayuda y protección que un desamparado adolescente sirio suscita en un bohemio escritor exiliado y establecido junto a su enferma esposa en el municipio portuario de Le Havre, donde trabaja como limpiabotas. A través de un talante de responsabilidad social tan perspicaz como optimista, amparado en su distanciada esencia paródica y un placentero instinto poético, el cineasta finlandés insistía en traslucir su destreza para abordar las paradojas de la contemporaneidad sin ningún atisbo de sensiblería ni maniqueísmo.

Otras películas protagonizadas por un LIMPIABOTAS

El limpiabotas – Vittorio De Sica (1946)
La ironía del dinero – Edgar Neville y Guy Lefranc (1957)
Pacha – Héctor Ferreiro Dávila (2012)

DESIGUALDAD (Calle sin salida)

Condición o circunstancia de no tener una misma naturaleza, cantidad, calidad, valor o forma que otro, o de diferenciarse de él en uno o más aspectos. (google.com)
Se entiende por desigualdad social a una situación de disparidad o desventaja de alguna porción de la ciudadanía de un país, o entre países de una región, o entre regiones del mundo, respecto a otras que se ven favorecidas injustamente. (concepto.de)

“No tiene sentido decir que los hombres son iguales ante la ley, cuando es la ley mantenedora de su desigualdad”
Ramiro de Maeztu (1875-1936) Diplomático y escritor español

CALLE SIN SALIDA (Dead end) – 1937

dead

Director William Wyler
Guion Lillian Hellman
Fotografía Gregg Toland
Música Alfred Newman
Producción United Artists
Nacionalidad Estados Unidos
Duración 93m. B/N
Reparto Sylvia Sidney, Joel McCrea, Huphrey Bogart, Marjorie Main, Claire Trevor, Ward Bond, Wendy Barrie, Allen Jenkins, Billy Halop.

“Puede ser que esté equivocado. Todos cometemos errores, jefe. Por eso ponen la goma en los extremos de los lápices”

Una de las obras más insólitas surgidas de la fructífera asociación entre William Wyler y el productor Samuel Goldwyn la encontramos en esta notable combinación de drama social y cine negro, basada en la homónima pieza teatral realista de Sidney Kingsley, que, con el tenue trasfondo de una sensible historia de amor, presentaba la vida cotidiana en un conflictivo suburbio neoyorquino (impecablemente recreado en estudio) para incidir en la desigualdad económica y el paro como principales causas de la delincuencia. Sin poder evitar la procedencia escénica del relato, la película fundamentó su valor artístico en la habitual destreza descriptiva de su infravalorado realizador, así como en sus elevadas dotes en la dirección de actores, comandados por un Humphrey Bogart en plena ascensión al estrellato. Entre el reparto, cabía destacar la incorporación a la gran pantalla de los ‘Dead End Kids’, un grupo juvenil procedente del East Side que ya había protagonizado la versión teatral en Broadway, y, que a partir de entonces, gozaría de cierta fama llegando a intervenir en otros seis largometrajes, entre ellos el insigne clásico ÁNGELES CON CARAS SUCIAS.

Otras películas determinadas por el estigma de la DESIGUALDAD SOCIAL

Cadenas rotas – David Lean (1946)
Macario – Roberto Gavaldón (1960)
Parásitos – Bong Joon-ho (2019)