Drama de época

FRONTALIDAD (Francisca)

Posición de estar situado de frente con respecto a alguien o algo. (universojus.com)
Se denomina Ley de frontalidad a un principio fundamental de la escultura arcaica (en Eurasia y la cuenca del Mediterráneo) que se observa casi invariablemente desde el Paleolítico hasta fines del Neolítico. Impide la flexión lateral de las representaciones de los cuerpos si están figurados en esculturas aisladas, lo que hace que tales esculturas sean altamente simétricas según su eje vertical (…) En el teatro también se aplica un criterio similar al frontalismo, pues los actores no deben dar la espalda a los espectadores. En el cine se aplicó en sus inicios, pero gracias a la movilidad de la cámara, que permite el uso de los más diversos ángulos de visión, se abandonó rápidamente el frontalismo. (Wikipedia)

«El arte de representar la figura humana en el mundo antiguo comienza y termina con la frontalidad»
Arnold Hauser (1892-1978) Historiador del arte húngaro

FRANCISCA (Francisca) – 1981

Director Manoel de Oliveira
Guion Manoel de Oliveira
Fotografía Elso Roque
Música João Paes
Producción V.O. Filmes
Nacionalidad Portugal
Duración 160m. Color
Reparto Teresa Menezes, Diogo Dória, Mário Barroso, Manuela de Freitas, Rui Mendes, Isabel de Castro, Duarte de Almeida.

«Poco sabe de tristeza quien le dice al triste que se alegre. Los dolores profundos crecen con la consolación. Aliviarlos parece una afrenta»

Excepcional adaptación de un turbio episodio real ocurrido en la vida del literato romántico Camilo Castelo Branco, resucitado por Agustina Besa Luis para componer la que sería su última novela Fanny Owen, que constituye una obra esencial y definitoria del tan particular como identificable estilo a contracorriente de Manoel de Oliveira. La obsesiva y funesta historia de honor, decadencia y pasión a tres bandas que aconteció a caballo entre Oporto y Santa Cruz de Douro, a mediados del siglo XIX, entre el impulsivo escritor lisboeta, su taciturno amigo y rival José Augusto y una delicada joven de origen inglés progresa con evanescente dramatismo a través de una sombría puesta en escena de inspiración teatral y sensibilidad pictórica, estructurada en una sucesión de capítulos introducidos con breves y elípticos rótulos explicativos. Frontalidad del encuadre, interpelaciones a cámara o repetición inmediata de textos, entre otros singulares recursos estilísticos, determinan esta apuesta erudita, densa y chocante, donde el entonces ya septuagenario cineasta luso afianzaba su profunda y arraigada ilación con la literatura.

Otras películas donde destaca la FRONTALIDAD y el estatismo del plano

La palabra – Carl Th. Dreyer (1955)
El Gran Hotel Budapest – Wes Anderson (2014)
El reverendo – Paul Schrader (2017)

REFINAMIENTO (Atormentada)

Actitud de la persona que se caracteriza por su exquisitez y delicadeza. (Larousse Editorial)

«El vampiro está propenso a ser víctima de vehementes pasiones, parecidas a las del amor, ante determinadas personas. Para obtener su sangre, pone en juego una paciencia infinita y recurre a toda clase de estratagemas a fin de superar los obstáculos que le separan del objeto deseado. No desiste de su empresa hasta que su pasión ha sido colmada y ha podido sorber la vida de la codiciada víctima. Llegan incluso a contraer matrimonio con ella, prorrogando su placer criminal con el refinamiento de un epicúreo» (novela Carmilla)
Sheridan Le Fanu (1814-1873) Escritor irlandés

ATORMENTADA (Under capricorn) – 1949

Director Alfred Hitchcock
Guion James Bridie
Fotografía Jack Cardiff
Música Richard Addinsell
Producción Warner Bros.
Nacionalidad Reino Unido
Duración 117m. Color
Reparto Ingrid Bergman, Joseph Cotten, Michael Wilding, Margaret Leighton, Cecil Parker, Denis O’Dea, Jack Watling, Harcourt Williams.

«A una mujer refinada aquí se le hace el tiempo muy largo (…) El refinamiento es algo importante, y, sin embargo, es una carga»

En su circunstancial regreso a Inglaterra, Hitchcock cosechó un severo fracaso crítico-comercial al trasladar al cine la homónima obra teatral de John Colton y Margaret Linden, a su vez, basada en una novela original de Helen Simpson, por medio de una estructura explícitamente melodramática que desatendía el tratamiento del suspense en beneficio de un estudio de caracteres de sutil enjundia psicológica, con evidentes ecos de REBECA y la cukoriana LUZ QUE AGONIZA. Con la perspectiva del tiempo transcurrido, este envolvente y obsesivo relato ubicado en el prejuicioso Sydney colonial de 1835 emerge hoy como un drama gótico de refinada ambientación, desaforado romanticismo e inusitado vigor expresivo, donde la siempre estelar Ingrid Bergman deslumbra en la piel de una dócil y perturbada aristócrata irlandesa de oscuro pasado, refugiada en el alcohol. Persistiendo en un método similar al empleado en LA SOGA, el realizador inglés supeditó la puesta en escena a la elaborada complejidad de sus planos secuencia y a la trascendencia de unos diálogos tan ingeniosos como innecesariamente dilatados.

Otras películas que plasman el REFINAMIENTO de la nobleza

El gatopardo – Luchino Visconti (1963)
My fair lady – George Cukor (1964)
Sentido y sensibilidad – Ang Lee (1995)

MOSQUETERO (La máscara de hierro)

Soldado de infantería armado con mosquete, que apareció en el siglo XVI y combatió en los ejércitos europeos por dos siglos, siendo sustituidos en el siglo XVIII por soldados armados con fusiles de avancarga.
Los mosqueteros de la Guardia fueron una compañía de combate de la rama militar de la Maison du Roi, la casa real de la monarquía francesa. Su nombre fue popularizado posteriormente por las novelas de Alejandro Dumas. (Wikipedia)

«Me alegro de haber seguido fiel a Los tres mosqueteros, Moby Dick y a otros libros»
Arturo Pérez-Reverte (1951-) Escritor y periodista español

LA MÁSCARA DE HIERRO (The iron mask) – 1929

Director Allan Dwan
Guion Elton Thomas (Douglas Fairbanks)
Fotografía Henry Sharp
Música Hugo Riesenfeld
Producción United Artists
Nacionalidad Estados Unidos
Duración 95m. B/N
Reparto Douglas Fairbanks, Marguerite de la Motte, Belle Bennett, Nigel de Brulier, Leon Barry, Dorothy Revier, Gordon Thorpe.

«Cuatro mosqueteros cuya amistad se ha convertido en leyenda para conmover los corazones de los hombres»

En las difíciles postrimerías del cine mudo, Douglas Fairbanks interpretó, produjo y adaptó bajo pseudónimo la novela Le vicompte de Bragelonne ou Dix ans plus tard de Alejandro Dumas, posteriormente versionada entre otros por James Whale (1939), Henri Decoin (1962) o Randall Wallace (1998), que retomaba las andanzas de D’Artagnan y sus inseparables amigos Arthos, Porthos y Aramis para proteger la corona francesa de las maquiavélicas astucias del cardenal Richelieu. Metiéndose en la piel del envejecido espadachín, personaje que ya había interpretado con éxito en LOS TRES MOSQUETEROS (1921), también con el prolífico Allan Dwan como director, el héroe aventurero por antonomasia del cine silente aseveraba a regañadientes que sus grandes días de gloria en el género habían llegado a su fin, sustituyendo aquellas risueñas acrobacias que dejaban sin trabajo a los especialistas por un registro nostálgico y crepuscular, bañado por una acrisolada concepción de la ironía. El traumático tránsito del mudo al hablado hizo que se sonorizaran algunos fragmentos de la película, situación que serviría de base paródica para estructurar una de las grandes obras maestras de todos los tiempos, CANTANDO BAJO LA LLUVIA (1952).

Otras películas inspiradas en los MOSQUETEROS de Dumas

Los tres mosqueteros – George Sydney (1948)
Los hijos de los mosqueteros – Lewis Allen (1952)
La hija de D’Artagnan – Bertrand Tavernier (1994)

GESTO (Retrato de una mujer en llamas)

Movimiento de una parte del cuerpo, especialmente de la cara o de las manos, con el que se expresa algo. (google.com)

«Eres toda de espumas delgadas y ligeras y te cruzan los besos y te riegan los días. Mi gesto, mi ansiedad cuelgan de tu mirada. Vaso de resonancias y de estrellas cautivas» (poema Eres toda de espumas delgadas y ligeras…)
Pablo Neruda (1904-1973) Poeta y político chileno.

RETRATO DE UNA MUJER EN LLAMAS (Portrait de la jeune fille en feu) – 2019

Director Céline Sciamma
Guion Céline Sciamma
Fotografía Claire Mathon
Música Para One y Arthur Simonini
Producción Arte France Cinéma/Hold Up Films/Lilies Films
Nacionalidad Francia/ Italia
Duración 120m. Color
Reparto Noémie Merlant, Adèle Haenel, Luàna Bajrami, Valeria Golino, Christel Baras, Cécile Morel, Michèle Clément.

«No consigo que sonría. Tengo la impresión de que sí, pero luego desaparece (…) Cuando está afectada, hace eso con la mano (…) Y cuando está disgustada se muerde los labios. Y cuando está enfadada no parpadea»

Muy pocas veces en el cine contemporáneo se ha plasmado con tanta belleza, sensibilidad y desconsuelo la exaltación del latido amoroso como lo hizo Céline Sciamma al transcribir la remembranza de la pasión clandestina e insoluble que florece entre los acantilados de la costa bretona, en 1770, entre una joven pintora y la enigmática hija exnovicia de una familia burguesa a la que debe retratar ante su inminente matrimonio con un desconocido. Apoyándose en la entregada labor interpretativa de una estupenda pareja protagonista y en la sutil templanza de su subyugante puesta en escena, determinada por el contraste entre la opresiva calidez silente del espacio interior y la sonora luminosidad emancipadora de sus localizaciones exteriores, la película revela el embelesamiento y la efervescencia pasional con precisión, serenidad y hondura dramática, recurriendo a la poderosa y rotunda sensualidad del lenguaje corporal en sus distintas facetas (gestos, miradas, posturas o respiraciones) como sustancial canalizador de una intensidad emocional física, tangible e incluso desgarradora.

Otras películas donde prevalece la importancia del GESTO y la mirada

Sospecha – Alfred Hitchcock (1941)
Doce hombres sin piedad – Sidney Lumet (1957)
Un lugar en el mundo – Adolfo Aristarain (1992)

PALACIO (El arca rusa)

Edificio utilizado como residencia del jefe de Estado u otro magnate. Surgieron en la Edad Antigua, con el inicio de la historia, en todas las civilizaciones; albergando acontecimientos y protagonizando procesos políticos, sociales y económicos de trascendencia histórica. En el Antiguo Régimen europeo los palacios eran las residencias reales, las de la nobleza y del alto clero; aunque también de los burgueses enriquecidos. Se construían, amueblaban y decoraban con los criterios del gusto artístico más exigente y el mayor lujo, contribuyendo a fijar los estilos artísticos de cada época. En la Edad Contemporánea muchos palacios han sido transformados para otros usos, como parlamentos o museos. El término se emplea también habitualmente para denominar nuevas construcciones de edificios públicos, especialmente lujosos. (Wikipedia)

«Aléjese de los palacios el que quiera ser justo. La virtud y el poder no se hermanan bien»
Lucano (39-65) Poeta romano

EL ARCA RUSA (Russkiy kovcheg) – 2002

Director Aleksandr Sokurov
Guion Aleksandr Sokurov, Boris Khaimsky, Anatoli Nikiforov, Svetlana Proskurina
Fotografía Tilman Büttner
Música Sergei Yevtushenko
Producción The Hermitage Bridge Studio/WDR/Arte/NHK/Séville Pictures/Fora Film/Koppmedia/Beauftragter der Bundesregierung für Angelegenheiten der Kultur und der Medien/MDM/Ministry of Culture of the Russian Federation/Radio(DR)/YLE TV1/FBB/Egoli Tossell Film/Mariinsky Theatre/Filmförderung Hamburg
Nacionalidad Rusia/ Alemania
Duración 96m. Color
Reparto Sergei Dreiden, Mariya Kuznetsova, Leonid Mozgovoy, Edisher Giorgobiani, Aleksandr Chaban, Maksim Sergeyev.
* Piotr Ilyich Tchaikovsky – Mélodie antique française Op.39-16

«¿Algo te sigue preocupando? ¿Son las autoridades? Quieren bellotas sin robles. No están interesados en saber cómo nutrir el árbol de la cultura, pero será su destino si el árbol se cae. Entonces no quedará nada. ¿No pueden entender eso?»

La insólita proeza técnica de filmar una historia en una única y larga toma que Hitchcock emuló llevar a cabo en LA SOGA (1948), simulando la continuidad narrativa con ciertas triquiñuelas formales, fue materializada por Sokurov gracias una liviana cámara digital de alta definición que le permitió expresar en un ininterrumpido plano-secuencia de más de noventa minutos, sin efectos especiales añadidos, esta heterodoxa y acronológica parábola del turbulento devenir de Rusia. Con la fantasmagórica participación como cicerone de un diplomático francés del siglo XIX (personificación del marqués de Custine) nos invitaba a recorrer a través del tiempo los más de treinta salones que integran el suntuoso museo del Hermitage de San Petersburgo, haciéndonos testigos de los opulentos acontecimientos vividos en las estancias del antiguo Palacio de Invierno, durante casi dos siglos imponente residencia oficial de los zares. Alrededor de ochocientos cincuenta actores intervinieron en este desafío cinematográfico, minucioso pero contundente, de una subjetividad tan contemplativa como ensoñadora.

Otras películas ambientadas en un PALACIO

El último emperador – Bernardo Bertolucci (1987) / Ciudad prohibida
La reina – Stephen Frears (2006) / Buckingham
María Antonieta – Sofia Coppola (2006) / Versalles