ABORIGEN (Walkabout)

Habitante de un lugar que pertenece a una cultura que ya no es la predominante en un lugar y que ha cedido lugar a una nueva, ya sea por violencia, asimilación o cualquier otro proceso o combinación de procesos. (Wikipedia)

«De los escombros de una cultura aborigen destruida y los brotes raquíticos de una cultura exótica mal aclimatada, nace la cultura todavía informe del Ecuador de hoy.»
Agustín Cueva (1937-1992), sociólogo y crítico literario ecuatoriano

WALKABOUT (Walkabout) – 1971

Director Nicolas Roeg
Guion Edward Bond
Fotografía Nicolas Roeg
Música John Barry
Producción 20th Century Fox
Nacionalidad Australia/ Reino Unido/ Estados Unidos
Duración 100m. Color
Reparto Jenny Agutter, Lucien John, David Gulpilil, John Meillon, Robert McDarra, Barry Donnelly.

«En mi corazón sopla un aire mortífero de tierras lejanas. ¿Qué son esas colinas azules tan recordadas? ¿Y esos capiteles, qué granjas son esas? Es la tierra de la satisfacción perdida, la veo brillar con claridad. Los felices caminos que recorrí y que no volverán jamás.»

A consecuencia del traumático e imprevisible suicidio de su padre, dos hermanos ingleses de familia acomodada son abandonados a su suerte en el inhóspito desierto australiano, donde compartirán una errante travesía iniciática con un adolescente nativo en pleno proceso de ‘walkabout’, ritual de supervivencia al que debe someterse todo aborigen varón antes de cumplir los dieciséis años. Tras debutar junto al pintor Donald Cammell con un hermético thriller concebido a mayor gloria de Mike Jagger, PERFORMANCE (1970), Nicolas Roeg culminó su definitiva transición de director de fotografía a realizador con este cautivador y experimental drama de aventuras, basado en la novela homónima de James Vance Marshall. Explotando el semiárido paisaje del ‘outback’ y su diversificada fauna autóctona como simbólicos factores narrativos, proponía una hipnótica experiencia sensorial de poderosos tintes ecologistas con miras a reflexionar en torno al choque entre la armoniosa naturaleza de la vida primitiva y el progreso alienador de la civilización occidental moderna.

Otras películas sobre cultura ABORÍGEN

La última ola – Peter Weir (1977)
Whale rider – Niki Caro (2002)
La quimera de los héroes – Daniel Rosenfeld (2003)

PUERTO (Chicas japonesas en el puerto)

Lugar en la costa o en las orillas de un río que por sus características, naturales o artificiales, sirve para que las embarcaciones realicen operaciones de carga y descarga, embarque y desembarco, etc. (RAE)

“Un puerto es un lugar encantador para el alma fatigada de luchar por la vida.”
Charles Baudelaire (1821-1867) Poeta, crítico de arte y traductor francés

CHICAS JAPONESAS EN EL PUERTO (Minato no nihon musume) – 1933

Director Hiroshi Shimizu
Guion Mitsu Suyama
Fotografía Taro Sasaki
Producción Shochiku
Nacionalidad Japón
Duración 72m. B/N
Reparto Yumeko Aizome, Ureo Egawa, Yukiko Inoue, Tatsuo Saito, Yasuo Nanjo, Michiko Oikawa.

«Me pone triste mirar los barcos. Quizás pertenezco a este lugar.»

Tres muchachas de Yokohama -dos de ellas, amigas y compañeras en un colegio religioso- son arrastradas a un flujo de decadencia, pesadumbre e insatisfacción desde el instante en el que se sienten simultáneamente atraídas por un joven galán, tan inmaduro como irresponsable. Primorosa adaptación de la novela homónima de Toma Kitabayashi, comparece hoy en día como la primera película conservada de la prolífica etapa muda de Hiroshi Shimizu, aun cuando su filmografía contaba ya con casi noventa títulos desde que debutara tras la cámara en 1924. El sofisticado temperamento visual del influyente realizador japonés, ejemplar en su acentuado uso de la elipsis y en la fluidez e intensidad de sus movimientos de cámara, adquiere matices de poética melancolía en este áspero melodrama de ámbito portuario, comprometido a evaluar la interactividad entre la tradición nipona y la influencia occidental. Una elocuente y conmovedora historia de redención moral, pletórica de instantes tan poderosos como el emocionante clímax de la iglesia o la simbólica escena del ovillo de lana.

Otros melodramas ambientados en una ciudad con PUERTO

El muelle de las brumas – Marcel Carné (1938)
Ciudad portuaria – Ingmar Bergman (1948)
La mujer del puerto – Arturo Ripstein (1990)

KABUKI (Historia del último crisantemo)

Género teatral japonés que combina actuación, declamación y música, en el que los papeles femeninos son representados por hombres. (RAE)
Forma de teatro japonés tradicional que se caracteriza por su drama estilizado y el uso de maquillajes elaborados en los actores. (Wikipedia)

«El kabuki se distingue sobre todo cuando aborda lo extraño y lo grotesco, y el visitante norteamericano no se sorprenderá en absoluto si, entre las insustanciales creaciones escénicas de los japoneses, se familiariza con el espíritu de un cerezo o con la transformación de una criada en un zorro o un león.»
Zoe Kincaid Penlington (1878-1944) Periodista y crítica teatral canadiense

HISTORIA DEL ÚLTIMO CRISANTEMO (Zangiku monogatari) – 1939

Director Kenji Mizoguchi
Guion Yoshikata Yoda y Matsutaro Kawaguchi
Fotografía Minoru Miki y Yozo Fuji
Música Senji Ito y Shiro Fukai
Producción Shochiku
Nacionalidad Japón
Duración 143m. B/N
Reparto Shotaro Hanayagi, Kakuko Mori, Kôkichi Takada, Yôko Umemura, Tokusaburo Arashi, Kikuko Anaoka.

«No puede vivir en el engaño, ¿sabe usted? Para la gente es más fácil el halago superficial que la crítica constructiva.»

Primera película de una ambiciosa trilogía dirigida por Mizoguchi sobre el mundo del teatro en la época Meiji -las otras dos entregas, hoy desaparecidas, eran LA MUJER DE NANIWA (1940) y LA VIDA DE UN ACTOR (1941)-, que perdura como una de las grandes obras maestras de su realizador y, por ende, de toda la historia del cine japonés. Semejante consideración cabe atribuirla a un virtuoso acoplamiento entre las revolucionarias prestaciones estético-narrativas del maestro nipón y la profunda perspectiva humanista y social de sus primordiales ejes temáticos. Así pues, el paroxismo estilístico alcanzado por una sistemática aplicación del plano secuencia, sincronizado con el preciso movimiento de los actores y un esencial empleo de la profundidad de campo, confería elegancia y fulgor poético a la trágica historia de abnegación, renuncia y sacrificio por amor entre un mediocre ‘onnagata’ (actor de la escena kabuki que interpreta papeles femeninos) y la niñera de su familia. Un firme reproche a la prejuiciosa rigidez de un sistema patriarcal que institucionalizó la sumisión de la mujer, relegándola a un estatus de inferioridad y subordinándola al ámbito doméstico.

Otras películas sobre el teatro KABUKI

La hierba errante – Yasujiro Ozu (1959)
La venganza de un actor – Kon Ichikawa (1963)
Kokuho. El maestro de kabuki – Lee Sang-li (2025)

APOPLEJÍA (Una vida sencilla)

Suspensión más o menos completa, y por lo general súbita, de algunas funciones cerebrales, debida a hemorragia, obstrucción o compresión de una arteria del cerebro. (RAE)

“Cuando en 1986 tuve una apoplejía... hubiera saltado por la ventana. En lugar de eso, seguí adelante. No tenía elección. Aprendí que en la vida hay que perseverar.”
Ava Gardner (1922-1990) Actriz estadounidense

UNA VIDA SENCILLA (Tou ze) – 2011

Director Ann Hui
Guion Susan Chan y Roger Lee
Fotografía Nelson Yu Lik-wai
Música Law Wing-Fai
Producción Bona Intrernational Group/Focus Films/Sil-Metropole Organisation
Nacionalidad Hong Kong/ China
Duración 113m. Color
Reparto Deanie Ip, Andy Lau, Wang Fuli, Amanda Qin, Eman Lam, Anthony Wong, Elena Kong.

«Dios debe tener un superordenador para controlar el destino de todo el mundo, ¿no crees?»

Ann Hu, figura esencial de la denominada Nueva Ola hongkonesa, y la reputada actriz/cantante Deanie Ip alcanzaron el mayor éxito de sus respectivas carreras cinematográficas con este hermoso drama intimista, basado en el emotivo vínculo real de gratitud y reciprocidad afectiva que mantuvo el productor Roger Yan-lam Lee con su anciana sirvienta, concretamente a raíz de la apoplejía que delimitó la etapa final de la cuidadora. A través de un estilo narrativo lineal y directo, reflejaba con delicadeza, precisión y una abrumadora sencillez expositiva el gradual declive de esta trabajadora doméstica, entregada en cuerpo y alma a atender las necesidades de la misma familia durante más de sesenta años. El enriquecedor sabor de lo cotidiano y el capcioso negocio de la vejez en la China moderna comparten la prioridad temática de un largometraje henchido de ternura y buenos sentimientos, que emerge como un tributo al espíritu de generosidad, devoción y calidez de la tradicional ‘amah’, empleada del hogar del sudeste asiático que compagina las funciones de niñera y criada.

Otras películas que reflejan el impacto de una APOPLEJÍA

La escafandra y la mariposa – Julian Schnabel (2007)
Amor – Michael Haneke (2012)
My beautiful broken brain – Sophie Robinson (2014)

MESTIZAJE (Macunaíma)

Cruce de razas diferentes. Mezcla de culturas distintas, que da origen a una nueva. (RAE)

«Asumir el mestizaje tiene tanta importancia como reclamar el derecho a la diferencia y reducir la capacidad de acumulación a cambio de estimular el desarrollo de los cada día más condenados de la tierra.»
Manuel Vázquez Montalbán (1939-2003) Escritor español

MACUNAÍMA (Macunaima) – 1969

Director Joaquim Pedro de Andrade
Guion Joaquim Pedro de Andrade y Mário de Andrade
Fotografía Guido Cosulich
Música Jards Macalé
Producción Condor Filmes/Filmes do Serro/Grupo Filmes/INC
Nacionalidad Brasil
Duración 109m. Color
Reparto Grande Otelo, Paulo José, Dina Sfat, Jardel Filho, Maria Lúcia Dahl, Joana Fomm, Milton Gonçalves.
* Sílvio Caldas – Arranha-Céu

«¡Las plagas del Brasil son el bicho del café, la larva rosada, el fútbol, el mosquito pium, chinches, chupasangres, ladillas, vinchucas y toda esa bicharada!»

Tras impactar con un sobrecogedor drama realista en torno al asfixiante conservadurismo lugareño, O PADRE E A MOÇA (1965), Joaquim Pedro de Andrade obtuvo el mayor éxito de su carrera gracias a esta adaptación libre de la multiculturalista novela homónima de Mário de Andrade, obra capital del modernismo brasileño. Respetando la perspectiva cómica y profundamente surrealista del original literario, esgrimía la estrafalaria trayectoria vital del antihéroe protagonista -un indígena perezoso, lascivo, glotón y falto de carácter- para alinear una caricaturesca parábola sobre la antropofagia del incipiente capitalismo y su asonancia con la esencialidad del mestizaje étnico, cultural y religioso. El muiraquitá -amuleto mágico de la suerte-, la macumba o el candomblé, entre otros cultos y leyendas ancestrales cariocas, deambulan con premeditada incoherencia descriptiva por esta exuberante amalgama de folclore, mitología amazónica, fantasía y sátira político-social, considerada como una de las manifestaciones más alegóricas, renovadoras e irreverentes del Cinema Novo.

Otras películas que abordan el tema del MESTIZAJE

La misión – Roland Joffé (1986)
1492: La conquista del paraíso – Ridley Scott (1992)
El abrazo de la serpiente – Ciro Guerra (2015)