Jean-Pierre Léaud

MALESTAR (La mamá y la puta)

Sensación de incomodidad experimentada por el que se encuentra mal física o anímicamente. (Larousse Editorial)

“Escribir es también una forma de protesta. Casi todos los escritores comparten el malestar con el mundo”
Ana María Matute (1925-2014) Novelista española

LA MAMÁ Y LA PUTA (La maman et la putain) – 1973

Director Jean Eustache
Guión Jean Eustache
Fotografía Pierre Lhomme, Jacques Renard y Michel Cenet
Música Wolfgang Amadeus Mozart
Producción Elite/Cine QUA/NON/Losange
Nacionalidad Francia
Duración 209m. B/N
Reparto Jean-Pierre Léaud, Bernadette Lafont, Françoise Lebrun, Isabelle Weingarten, Jacques Renard, Jessa Darrieux, Jean-Noël Picq.

“No, no estoy a gusto conmigo mismo. Hay gente que dice: “lo importante es estar en armonía con uno mismo”. Se lo oí decir a un cretino por televisión. Cuando oigas ese comentario fíjate en la cara de los que lo dicen. Siempre tienen un punto en común, un aspecto bovino”

Un título fundamental dentro de la cinematografía francesa de los años setenta e, indiscutiblemente, la gran obra maestra de ese aventajado discípulo de la Nouvelle Vague que fue Jean Eustache, cuya efímera, personalísima y tortuosa carrera se extinguió al suicidarse en noviembre de 1981. A partir de las contradictorias fricciones entre un escéptico triángulo amoroso anclado a orillas del Sena e integrado por un joven escéptico, pretencioso e inestable, la protectora amante que lo cobija en su apartamento y una enfermera polaca tan promiscua como despechada se procuraba un luengo, radical y exasperado retrato de la anarquía, el nihilismo y la efervescencia sexual heredada del mayo del 68. Cimentada por unas desgarradoras interpretaciones y unos diálogos tan provocadores como sumamente trascendentales, servidos en una sucesión de largos planos fijos con preeminencia de monólogos, constituye un poético y agudo manifiesto de desesperanza vital, de malestar y vacío existencial, rodado con absoluta libertad expresiva y una encomiable pureza estética.

Otras películas que plasman distintas situaciones de MALESTAR

El desierto rojo – Michelangelo Antonioni (1964)
El compromiso – Elia Kazan (1969)
El empleo del tiempo – Laurent Cantet (2001)

PERIPECIA (Besos robados)

Hecho o circunstancia que está presente en diversas obras narrativas, dramáticas o en cualquier otra obra que cite los hechos de algún personaje o historia en concreto. Dicha historia se presenta como una situación adversa y repentina que sucede accidentalmente y sin previo aviso, lo cual provoca un cambio en la situación actual que se vive en lo relatado. https://es.wikipedia.org/wiki/Peripecia

“Todos los días perdemos una docena de genios en el anonimato. Y se van. Y nadie sabe de ellos, de su historia, de su peripecia, de lo que han hecho, de sus angustias, de sus alegrías…”
Juan Antonio Cebrián (1965-2007) Periodista, escritor y locutor de radio español

BESOS ROBADOS (Baisers volés) – 1968

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Director François Truffaut
Guión François Truffaut, Bernard Revon y Claude De Givray
Fotografía Denys Clerval
Música Antoine Duhamel
Producción Les Films du Carrosse/Les Productions Artistes Associés
Nacionalidad Francia
Duración 90m. Color
Reparto Jean-Pierre Léaud, Claude Jade, Delphine Seyrig, Harry-Max, Michael Lonsdale, André Falcon, Daniel Ceccaldi, Claire Duhamel.

“En el instituto, un profesor nos explicó la diferencia entre tacto y cortesía. Cuando un caballero empuja la puerta de un baño, y descubre una dama desnuda. Retrocede inmediatamente, y cierra diciendo: ‘Perdón, señora’. Eso es cortesía. El mismo caballero, empuja la puerta. Descubre a la misma dama desnuda, y dice: ‘Perdón, señor’. Eso es tacto”

Una vez mostrados sus primeros escarceos sentimentales en un episodio de EL AMOR A LOS VEINTE AÑOS (1962), Truffaut prosiguió en su relato de las peripecias cotidianas de Antoine Doinel (personaje/alter ego engendrado en LOS CUATROCIENTOS GOLPES (1959) e interpretado siempre por su amigo Léaud) en esta encantadora comedia costumbrista que sorprendía por la deleitosa humanidad e ironía de su narración, la ingeniosa desenvoltura de sus diálogos o la extrema sensibilidad y frescura que desprendían sus imágenes. El sugestivo misterio de los cuotidiano o el amor como fuente inagotable de agonía y desasosiego prevalecieron como temas capitales para transmitir con espontaneidad y cierto desenfado “naif” las sucesivas vacilaciones laborales (como vigilante nocturno de un hotel, detective privado o técnico-reparador de televisores) y devaneos amatorios del entrañable protagonista, que seguiría evolucionando bajo la mirada truffautiana en la emotiva y sobrecogedora DOMICILIO CONYUGAL (1970), y, finalmente, en la ya menos inspirada EL AMOR EN FUGA (1978).

Otras películas que describen las PERIPECIAS laborales y amorosas de su protagonista

El apartamento – Billy Wilder (1960)
Trenes rigurosamente vigilados – Jirí Menzel (1966)
Tootsie – Sydney Pollack (1982)

MANTEQUILLA (El último tango en París)

Emulsión de grasa, agua y sólidos lácteos, obtenida como resultado del batido, amasado y lavado de los conglomerados de glóbulos grasos, que se forman por el batido de la crema de leche o nata y es apta para el consumo humano, con o sin maduración biológica producida por bacterias lácticas específicas. https://es.wikipedia.org/wiki/Mantequilla

“No tenemos mantequilla… pero os pregunto, ¿preferiríais tener mantequilla o armas? La preparación nos hace poderosos. La mantequilla simplemente nos hace gordos”
Hermann Göring (1893-1946) Político y militar alemán

EL ÚLTIMO TANGO EN PARÍS (Ultimo tango a Parigi) – 1972

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Director Bernardo Bertolucci
Guión Bernardo Betolucci y Franco Arcalli
Fotografía Vittorio Storaro
Música Gato Barbieri
Producción Les Productions Artistes Associés/PEA
Nacionalidad Italia/ Francia
Duración 129m. Color
Reparto Marlon Brando, Maria Schneider, Jean- Pierre Léaud, Massimo Girotti, Maria Michi, Gritt Magrini, Darling Légitimus, Luce Marquand.

“Quieres que tu amado te proteja y te cuide. Quieres que este guerrero áureo, radiante y poderoso construya una fortaleza donde puedas esconderte para que nunca vuelvas a tener miedo, ni a sentirte sola, ni a sentirte vacía. ¿Eso es lo que quieres? (…) Pues, nunca lo encontrarás”

Bertolucci exploró los rincones más ocultos y furtivos del alma humana con esta tormentosa y anónima historia de amor, que sirvió para catapultarlo al mercado internacional y acabó convirtiéndose en una obra cardinal de la década de los setenta, tanto por sus indubitables valores fílmicos como por su tremenda repercusión sociológica. Las turbulentas y efervescentes relaciones sexuales que una muchacha inestable e inexperta mantiene en un piso en alquiler con un maduro norteamericano afincado en París, sin que ninguno de los dos sepa nada acerca del otro, daban lugar a un implacable retrato de complexión psicoanalítica sobre la aflicción, la soledad y el vacío existencial del individuo en la sociedad moderna, iluminado con exquisita solvencia por Storaro, dotado de una suntuosa partitura jazzística de Barbieri e interpretado por una pareja especialmente inspirada. La elevada carga erótica de sus imágenes, traslucida en secuencias ya míticas como la del empleo de la mantequilla con fines lubricativos (al parecer ideada por Brando), provocaría un escándalo de inesperadas dimensiones, siendo prohibida en numerosos países e incluso perseguida por el poder eclesiástico; situación, que, naturalmente, facilitaría su espectacular éxito comercial.

Otras películas donde su consume MANTEQUILLA

La fórmula mágica – Michael Rubbo (1985)
Kate & Leopold – James Mangold (2001)
Butter – Jim Field Smith (2011)

FLECHAZO (Contraté un asesino a sueldo)

Existen distintas formas de enamoramiento, una de ellas es el flechazo, lo que se conoce coloquialmente como amor a primera vista. Una imagen muy propia de las películas románticas es la de dos personas que se ven por primera vez de un modo casual, se atraen y a partir de ese momento que marca el inicio del amor, no pueden dejar de pensar el uno en el otro. El flechazo muestra de un modo evidente que la atracción física también es un componente importante del enamoramiento en su etapa inicial. http://www.definicionabc.com/comunicacion/flechazo.php

“El amor nace de un flechazo; la amistad del intercambio frecuente y prolongado”
Octavio Paz (1914-1998) Poeta, escritor, ensayista y diplomático mexicano

CONTRATÉ UN ASESINO A SUELDO (I hired a contract killer) – 1990

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Director Aki Kaurismäki
Guión Aki Kaurismäki
Fotografía Timo Salminen
Música Varios
Producción Channel Four/Esselte/Finnkin Oy/Megamania/Pandora/Filmproduktion/Pyramide/Svensk Filmindustri/Villealfa
Nacionalidad Finlandia/ Gran Bretaña/ Alemania/ Suecia/ Francia
Duración 79m. Color
Reparto Jean Pierre Léaud, Margi Clarke, Kenneth Colley, T.R. Bowen, Angela Walsh, Imogen Claire, Cyril Epstein, Serge Reggiani.

“Usualmente el precio para casos fáciles es mil libras por adelantado. No lo hacemos con políticos u hombres de negocios; demasiado riesgo. Pago en efectivo. Entrega dentro de dos semanas o le devolvemos el dinero. Se espera silencio mutuo. ¿Aún le interesa?”

Al ser abusivamente despachado de su modesto y tedioso empleo como oficinista, un retraído francés afincado en Londres (asombroso Léaud) decide finiquitar su desdichada existencia contratando los servicios de una organización criminal; pero un repentino, azaroso e inoportuno flechazo con una vendedora de flores trastocará todos sus planes. Este sucinto e interesante planteamiento argumental se convirtió en manos de Kaurismäki en una tragicomedia negra ideal para proseguir su particular desnaturalización del lenguaje fílmico. Apelando a sus consabidos recursos gramáticos (aplastante concisión en el encuadre, inflexible manejo del silencio y la elipsis, cromatismo primario e irreal, parquedad dialéctica o un extravagante laconismo intrepretativo) se dosificaban una multitud de géneros, evocaciones y referencias (el entrañable patetismo cómico de la Ealing, un asfixiante suspense a lo Hitchcock, la angustiosa desnudez poética de Bresson o, incluso, Melville y su depuración estética de la fatalidad) hasta componer una amarga e hipnotizante reflexión sobre el azar y su inmutable propensión al capricho.

Otras películas sobre FLECHAZOS o amores a primera vista

Tú y yo – Leo McCarey (1939)
El cartero siempre llama dos veces – Tay Garnett (1946)
Match point – Woody Allen (2005)

RODAJE (La noche americana)

Filmación de una película cinematográfica. http://www.wordreference.com/definicion/rodaje

“El director está obligado a preocuparse de los actores; es el punto fuerte del rodaje”
François Truffaut (1932-1984) Director, crítico y actor francés

LA NOCHE AMERICANA (La nuit américaine) – 1973

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Director François Truffaut
Guión François Truffaut, Jean-Louis Richard y Suzanne Schiffman
Fotografía Pierre-William Glenn
Música Georges Delerue
Producción Les Films du Carrosse/PECF/PIC
Nacionalidad Francia/ Italia
Duración 115m. Color
Reparto François Truffaut, Jacqueline Bisset, Valentina Cortese, Jean-Pierre Aumont, Jean Champion, Nathalie Baye, Jean-Pierre Léaud.

“El rodaje de una película puede compararse con un proyecto en diligencia por el Oeste; al principio todos esperan hacer un viaje estupendo, pero pronto empiezan a preguntarse si llegaran algún día a su destino”

Uno de los largometrajes más logrados y emblemáticos de esa especie de género al que se tiende a denominar “cine dentro del cine”, así como uno de los trabajos más acreditados del prestigioso cineasta galo, que se esmeró en preservar su exposición de todo juicio ideológico para enaltecer y justificar su acentuada cinefilia por medio de un exhaustivo glosario de los contratiempos, premuras e incertidumbres que acostumbraban a invadir su querídisima actividad profesional. La película, de carácter coral y algo desacorde con el cine anterior propuesto por su autor debido a su palpable despreocupación en obtener un aspecto verosímil, descubría los artificios técnicos de un rodaje simuladamente dirigido por el propio Truffaut y, sobre todo, revelaba con destreza e ironía las interioridades laborales y afectivas que caracterizan la convivencia entre un estrafalario pero prototípico equipo cinematográfico, del que emergen personajes tan caricaturescos como reconocibles. Buenas interpretaciones y arrebatadora banda sonora de Georges Delerue para una cinta dedicada a la memoria de las hermanas Dorothy y Lillian Gish.

Otras películas sobre RODAJES

Cantando bajo la lluvia – S.Donen y G.Kelly (1952)
A través de los olivos – Abbas Kiarostami (1994)
State and main – David Mamet (2000)