Drama surrealista

INCOMODIDAD (El topo)

Carencia de comodidad, o sea, estar en una situación que genera displacer y molestias (…) La incomodidad es un sentimiento subjetivo de desagrado ya que no todos se sienten incómodos en las mismas situaciones. (deconceptos.com)

“Parece extraño, pero las cosas que es bueno tener y los días que se pasan de un modo agradable se cuentan muy pronto, y no se les presta demasiada atención; en cambio, las cosas que son incómodas, estremecedoras, y aun horribles, pueden hacer un buen relato, y además lleva tiempo contarlas” (novela El hobbit)
J.R.R. Tolkien (1892-1973) Escritor, poeta, filólogo y profesor universitario británico

EL TOPO (El topo) – 1970

Director Alejandro Jodorowsky
Guión Alejandro Jodorowsky
Fotografía Rafael Corkidi
Música Alejandro Jodorowsky y Nacho Méndez
Producción Producciones Panicas
Nacionalidad México
Duración 125m. Color
Reparto Alejandro Jodorowsky, Brontis Jodorowsky, Mara Lonrenzio, Julien De Meriche, Paula Romo, José Legarreta, Alfonso Arau.

“Sientes náuseas de ti mismo. No quieres traicionar más… Ahora deseas respetar la ley”

Probablemente ninguna otra película haya quebrantado la indiferencia, difundido el desconcierto crítico ni justificado tales cotas de indignación cinefílica como lo ha hecho este lisérgico mejunje de vanguardismo psicodélico y simbología cristianoide que Alejandro Jodorowsky conformó acogiéndose a las patrones expresivos del “spaghetti-western” y a la confusa doctrina de índole surrealista acuñada por el movimiento experimental derivado del grupo artístico “Pánico”. A partir del virulento y descorazonador divagar por los desiertos aztecas en busca del sentido de la vida de un pistolero taciturno, vanidoso y desafiante, el polifacético autor chileno perpetró un caótico enardecimiento del vandalismo y el fervor místico-esotérico, fragmentado en cuatro capítulos de ilaciones bíblicas (“Génesis”, “Profetas”, “Salmos” y “Apocalipsis”), que aún hoy deviene fascinante por momentos, repulsivo y pretencioso con frecuencia, y, a todas luces incómodo, cismático e incendiario. Resulta más que llamativa su profusa y gratuita utilización de enanos y seres lisiados o con extremidades cercenadas.

Otras películas que suscitan una sensación de INCOMODIDAD

Saló o los 120 días de Sodoma – Pier Paolo Pasolini (1975)
Ladybird, ladybird – Ken Loach (1994)
Canino – Yorgos Lanthimos (2009)

LEVITACIÓN (El espejo)

Efecto por el que un cuerpo u objeto se halla en suspensión estable en el espacio, sin mediación de otro objeto físico en contacto con el primero que sustente al que levita o “flota”, todo ello bajo efectos de la gravedad; o también el fenómeno no ordinario que consiste en que un cuerpo se levante sobre la tierra, manteniéndose en el aire sin apoyo natural. es decir la persona se queda suspendida en el aire sin ninguna ayuda de un tercero. (Wikipedia)

“El arte es un método de levitación, separa a uno de la esclavitud de la tierra”
Anaïs Nin (1903-1977) Escritora estadounidense

EL ESPEJO (Zerkalo) – 1975

espejo

Director Andrei Tarkovsky
Guión Andrei Tarkovsky y Aleksandr Misharin
Fotografía Georgi Rerberg
Música Eduard Artemiev
Producción Mosfilm
Nacionalidad Unión Soviética
Duración 108m. Color y B/N
Reparto Margarita Terekhova, Innokenti Smoktunovski, Larissa Tarkovskaia, Alla Demidova, Philip Yankovski, Ignat Danitsev, Yuri Nazarov.
* Henry Purcell – They tell us that your mighty powers

“Decimos cosas banales porque no creemos en la naturaleza que llevamos dentro. Todo es desconfianza, prisas… Falta tiempo para pensar”

Sin abandonar el estilo metafísico-existencial que siempre caracterizó su cine, Tarkovsky decidió explorar la subjetividad de la memoria para desempolvar episodios acontecidos en el seno de su familia y, con ellos, prescribirse una especie de ejercicio espiritual y purificador con el que poder autoanalizarse y exhumar sus obsesivos sentimientos personales. Utilizando el espejo del título como metáfora de un críptico y desmenuzado repaso a la vida de su madre, el flemático e intelectual cineasta ruso brindaba una película de fascinadora e inquietante complejidad, donde intercalaba los poemas escritos por su padre y recitados por él mismo en un alud de imágenes sobrecogedoras (entre ellas material documental de noticiarios sobre distintos conflictos bélicos), acentuadas por un portentoso empleo del plano-secuencia e imponentes movimientos de cámara. Desacreditada en su momento por su irracionalidad estilística y su dificultosa intelección, discurre con firmeza, precisión e intensidad sobre cuestiones tan importantes como la infancia, la maternidad, la ruptura conyugal o el éxtasis amoroso.

Otras películas que contienen alguna LEVITACIÓN

El exorcista – William Friedkin (1973)
El lado oscuro del corazón – Eliseo Subiela (1992)
Birdman o (La Inesperada Virtud de la Ignorancia) – Alejandro González Iñárritu (2014)

HUÉSPED (Teorema)

Persona alojada en casa ajena. (RAE)

“El amor es como los huéspedes. Lo que importa no es creer en ellos, sino saberlos recibir cuando se presentan, aprovecharlos mientras están, y despedirlos con cortesía cuando se marchan”
Noel Clarasó (1899-1985) Escritor español

TEOREMA (Teorema) – 1968

Director Pier Paolo Pasolini
Guion Pier Paolo Pasolini
Fotografía Giuseppe Ruzzolini
Música Ennio Morricone y W.A. Mozart
Producción Aetos Produzioni Cinematografiche
Nacionalidad Italia
Duración 98m. Color y B/N
Reparto Terence Stamp, Silvana Mangano, Laura Betti, Massimo Girotti, Anne Wiazemsky, Ninetto Davoli, Andrés José Cruz, Susanna Pasolini.
* Ennio Morricone – Beat nº 3

“Si tenía algo era el instintivo amor por una vida estéril, como un jardín por el que nadie pasea. Este vacío estaba lleno de valores falsos y mezquinos, y de un horrendo cúmulo de ideas falsas. Ahora lo comprendo. Llenaste mi vida de un total y real interés. Tu partida no destruye nada de lo que ya estaba en mí, excepto una reputación de impoluta y casta mujer burguesa. ¿Qué me has dado? Un amor secreto en el vacío de mi vida. Dejándome, lo destruyes todo”

Polémico apólogo de trazo liberal, basado en una novela homónima del propio Pasolini, que encauzaba su temperamento psicológico hacia el vacío existencial y la descomposición ética de la burguesía neocapitalista, valiéndose de la aciaga tenencia lasciva y espiritual con la que un misterioso huésped de angelical apostura e irreprimible carisma trastocaba a todos los miembros de la pudiente familia milanesa que lo acogía, reconfigurando para siempre su confortable, anodina y desorientada cotidianeidad. Nos hallamos ante una inescrutable elegía social de cometido metafórico y disposición surrealista, expuesta con cierta parsimonia descriptiva pero henchida de matices y viveza cromática, que sería prohibida en Italia tras su exitosa presentación en el Festival de Venecia y condenada de inmoral por la iglesia católica debido a su acepción místico-religiosa y alto contenido sexual. Cabe destacar la inquietante presencia de Terence Stamp y una más que apreciable banda sonora, que alternaba fragmentos del Réquiem de Mozart con la ecléctica música disonante de Ennio Morricone.

Otras películas protagonizadas por un HUÉSPED

El hombre que vino a cenar – William Keighley (1942)
El silencio del mar – Jean-Pierre Melville (1949)
El pisito – Marco Ferreri (1959)

AGOBIO (El proceso)

1. Sensación de ansiedad o inquietud intensa provocada por una situación o dificultad que cuesta mucho de superar.
2. Preocupación, problema o dificultad, especialmente el que provoca que una persona tenga esta sensación de ansiedad.
(google.es)

“Hijos del agobio y del dolor, cien fuerzas que inundan el corazón te separan de ti. Quiero sentir algo que me huela a vida, que mi sangre corra loca de pasión, descubrir la música que hay en la risa, la luz profunda y el amor” (canción Hijos del agobio de Triana)
Jesús de la Rosa Luque (1948-1983) Músico, cantante y compositor español

EL PROCESO (Le procès) – 1962

Director Orson Welles
Guión Orson Welles
Fotografía Edmond Richard
Música Jean Ledrut
Producción Paris-Europa Productions/Hisa Film/FICIT
Nacionalidad Francia/ Italia/ Alemania
Duración 118m. B/N
Reparto Anthony Perkins, Jeanne Moreau, Orson Welles, Max Haufler, Romy Schneider, Suzanne Flon, Akim Tamiroff, Elsa Martinelli.
* Tomaso Albinoni – Adagio

“Estar encadenado es a veces más seguro que estar libre”

Personal e indescriptible versión de la célebre novela homónima de Franz Kafka, que, pese al rechazo comercial y la controversia crítica que suscitó en el momento de su estreno, perdura hoy en día como uno de los más apasionantes legados fílmicos del genial cineasta. Desde el hipnotizador prólogo, elaborado por Alexandre Alexeieff en su célebre tapiz de alfileres, Orson Welles dejaba claro su intención de transmitir una fuerte sensación de agobio y desbordar la capacidad de asombro del espectador con la abstracción y exuberancia de su propósito estético (fundamentalmente singular en la utilización creativa de los decorados y en la estremecedora e ingente expresividad de sus planos-secuencia) sin deteriorar en absoluto el desalentador discurso sobre las propiedades represivas y manipuladoras del poder establecido que deparaba el inexplicable procesamiento del protagonista, alegórico representante del conjunto de la humanidad. Una dantesca pesadilla conceptual, hábil además en su ostentación erótica y en la desfachatez de sus interpretaciones, que sería considerada por el mismísimo Charles Chaplin como la cumbre del arte cinematográfico.

Otras películas que transmiten una fuerte sensación de AGOBIO

La semilla del diablo – Roman Polanski (1968)
Barton Fink – Joel Coen (1991)
Pi, fe en el caos – Darren Aronofsky (1998)

SIMETRÍA (El año pasado en Marienbad)

Correspondencia exacta en tamaño, forma y posición de las partes de un todo. (definicion.de)

“Tigre, tigre, fuego deslumbrante en las selvas de la noche ¿qué mano inmortal, qué ojo pudo trazar tu terrible simetría?” (poema El tigre)
William Blake (1757-1827) Poeta, pintor, grabador y místico inglés

EL AÑO PASADO EN MARIENBAD (L’anné dernière a Marienbad) – 1961

Director Alain Resnais
Guión Alain Robbe-Grillet
Fotografía Sacha Vierny
Música Francis Seyrig
Producción Argos/Cineriz/Cinétel/Cormoran/Como/Precite/Tamara/Terra Film/Societé Nouvelle/Silver Films
Nacionalidad Francia/ Italia
Duración 94m. B/N
Reparto Delphine Seyrig, Giorgio Albertazzi, Françoise Bertin, Sacha Pitoëff, Jean Lanier, Luce García-Ville, Hélèna Kornel, François Spira.
* Francis Seyrig – Valse de Marienbad

“Siempre muros, siempre corredores, siempre puertas y al otro lado, aún más muros. Antes de alcanzarte, de volver contigo, no tienes ni idea por lo que tuve que pasar. Y ahora estás aquí, adonde te he traído. Todavía estás indecisa, pero estás aquí, en el jardín sin ver, sin tocar, sin oír”

Onírico, imaginario, surrealista, esotérico… Determinar en un epíteto el sentido intrínseco de tal derroche de ambigüedad y desorientación resulta prácticamente imposible. El movimiento “Nouveau Roman”, y en concreto Alain Robbe-Grillet, hallaron en la idiosincrasia creativa de Resnais el vehículo perfecto para traducir al cine la nimiedad y el obstruso formulismo inclusos en novelas como La jalouise. A través de una narración absolutamente acronológica, un hipnótico ambiente de nostálgica sensibilidad y una poderosa elegancia visual, caracterizada por un composición simétrica del encuadre, el maestro de la tergiversación volvió a insistir en la relatividad del tiempo para recapacitar sobre la vital trascendencia de la memoria, concediendo al espectador el privilegio de interpretar el mínimo argumento (el empeño de un hombre por convencer a una joven que hace un año se amaron en Marienbad) según su perceptividad
o sus conocimientos mundanos. Sin lugar a dudas, uno de los ejercicios experimentales y vanguardistas más importantes alumbrados por la cinematografía francesa de principios de los sesenta

Otras películas determinadas por una esmerada SIMETRÍA compositiva

Esas mujeres – Ingmar Bergman (1964)
Zoo – Peter Greenaway (1985)
La linterna roja – Zhang Yimou (1991)