Mes: octubre 2015

ESCRITURA (Estación Central de Brasil)

Sistema de representación gráfica de un idioma, por medio de signos trazados o grabados sobre un soporte. En tal sentido, la escritura es un modo gráfico típicamente humano de transmitir información. Como medio de representación, la escritura es una codificación sistemática mediante signos gráficos que permite registrar con gran precisión el lenguaje hablado por medio de signos visuales regularmente dispuestos; obvia excepción a esta regla es la bastante moderna escritura Braille cuyos signos son táctiles. La escritura se diferencia de los pictogramas en que estos no suelen tener una estructura secuencial lineal evidente. (Wikipedia)

«La lectura hace al hombre completo. La conversación lo hace ágil. La escritura lo hace preciso»
Francis Bacon (1561-1626) Filósofo, político, abogado y escritor inglés

ESTACIÓN CENTRAL DE BRASIL (Central do Brasil) – 1998

Director Walter Salles
Guion Joáo Emanuel Carneiro y Marcos Bernstein
Fotografía Walter Carvalho
Música Antonio Pinto y Jaques Morelembaum
Producción MACT Productions/Riofilmes/Videofilms/Canal+
Nacionalidad Brasil/ Francia
Duración 107m. Color
Reparto Fernanda Montenegro, Vinicius de Oliveira, Marília Pêra, Soia Lira, Othon Bastos, Octavio Augusto, Stela Freitas, Caio Junqueira.

«Te mereces mucho, mucho más de lo que yo podría darte. Cuando quieras acordarte de mí, mira la pequeña foto que nos hicimos juntos. Te lo digo porque tengo miedo de que algún día tú también me olvides»

Entre un niño que acaba de perder a su madre en un accidente de tráfico y una madura profesora que sobrevive escribiendo cartas dictadas en la Estación Central de Río de Janeiro nace un afectuoso y decisivo vínculo, que los llevará a buscar al padre del crío por las vastas extensiones de Sertâo, y, que les ayudará a reencontrarse con ellos mismos y con sus propios orígenes. La amplia formación documentalista de Salles favoreció la gestación de esta tierna y emocionante ‘road-movie’, en la que plasmaba los duros contrastes de la sociedad brasileña contemporánea por medio de una lírica y pintoresca contraposición entre un mundo urbano enfermado de analfabetismo, pobreza y delincuencia y una cotidianeidad rural marcada por la sencillez y el más flagrante desamparo. Pero este film no hubiera alcanzado una trascendencia tan meritoria sin las notables interpretaciones de Fernanda Montenegro, toda una institución en su país, y el joven Vinicius de Oliveira, un verdadero limpiabotas reclutado por el realizador en uno de los aeropuertos de la ciudad carioca.

Otras películas sobre la importancia de la ESCRITURA

The Pillow Book – Peter Greenaway (1996)
Jóvenes prodigiosos – Curtis Hanson (2000)
¿Cómo se escribe amor? – Marc Lawrence (2014)

GÉNERO (Juntos hasta la muerte)

1. Conjunto, grupo con características comunes.
2. Clase a que pertenecen personas o cosas.
3. Cada uno de los grandes grupos en que se pueden dividir las manifestaciones literarias según su objetivo, el asunto que tratan y cómo lo hacen, etc. (Espasa-Calpe)
El género cinematográfico es el tema general de una película que sirve para su clasificación (…) como los géneros de otros campos artísticos, tienen su primer origen en la cultura clásica. Los dos géneros mayores griegos: comedia y tragedia; uno de estilo ligero, tema aparentemente superficial y final feliz, y el otro afectado, profundo y de triste desenlace. Estos géneros se fueron diversificando en el teatro, y los primeros largometrajes los intentaron imitar. Sin embargo, las posibilidades del cine lo desmarcaron completamente de los géneros tradicionales, creando nuevos géneros caracterizados por la escasa complejidad de su regulación (…) Actualmente no existe un consenso en cuanto a géneros cinematográficos se refiere y se da una compleja serie de clasificaciones. (Wikipedia)

“Apenas pude terminar ‘El hobbit’. Curiosamente, a mí el género de la fantasía, nunca me ha llamado. Creo que los cuentos de hadas son en sí mismos un género diferente”
Guillermo Del Toro (1964-) Director y guionista de cine mexicano

JUNTOS HASTA LA MUERTE (Colorado territory) – 1949

Director Raoul Walsh
Guión Edmund H. North y John Twist
Fotografía Sidney Hickox
Música David Buttolph
Producción Warner Bros.
Nacionalidad Estados Unidos
Duración 91m. B/N
Reparto Joel McCrea, Virginia Mayo, Dorothy Malone, Henry Hull, Ian Wolfe, John Archer, James Mitchell, Frank Puglia, Morris Ankrum.

«Ni aún casándote resolverías nada (…) Se puede escapar de la cárcel, de pocilgas como ésa en la que yo estaba, pero no puedes librarte de lo que eres»

Soberbia transposición a la rocosa y violenta demarcación de Colorado de la novela negra High Sierra de William R. Burnett, que ya había sido adaptada bajo dirección del propio Walsh en 1941 (EL ÚLTIMO REFUGIO), y que podría ser catalogada sin reparos entre los títulos más exasperadamente románticos de la historia del western. El agónico recorrido delictivo y emocional de un renombrado forajido, hastiado tanto de su propia condición como de su frustrante infortunio afectivo, no sólo gozaba de la vigorosa claridad descriptiva que siempre caracterizó a su realizador, sino que, además, aportaba un fascinante tono de etéreo fatalismo; ideal para simbolizar la inquietante conexión entre amor y muerte que proponía su opresivo argumento y, que, tenía su eminente apogeo en un epílogo sencillamente antológico. Espléndida fotografía de Hickox y convincente labor interpretativa, en la que sobresale la impetuosa belleza y sensualidad de una Virginia Mayo que lograba sacar adelante con talento y determinación un papel no demasiado apropiado para su físico.

Otros remakes donde se cambió el GÉNERO del título original

Lanza rota – Edward Dmytryck (1954) (western) / Odio entre hermanos (1949) (cine negro)
Alta sociedad – Charles Walters (1956) (musical) / Historias de Filadelfia (1940) (comedia)
Asalto a la comisaría del distrito 13 – John Carpenter (1976) (acción) / Rio Bravo (1959) (western)

REVUELTA (El acorazado Potemkin)

Movimiento social espontáneo, de carácter agresivo y opuesto a alguna figura de poder, aunque a veces el objetivo contra el que se hace una revuelta puede ser una minoría étnica, religiosa o social (judíos, gitanos, inmigrantes). Como forma de lucha social es expresión de algún tipo de conflicto (conflicto social, político, económico). Se produce cuando una multitud, o al menos un numeroso grupo de personas se juntan para cometer actos de violencia, por lo general como una reacción contra una sensación de injusticia o injuria, o como un acto de disenso. (Wikipedia)

“Me interesa cualquier cosa que tenga que ver con las revueltas, el desorden, el caos. Especialmente las actividades que parecen no tener sentido”
Jim Morrison (1943-1971) Poeta, compositor y cantante estadounidense

EL ACORAZADO POTEMKIN (Bronenosets Potyomkin) – 1925

Director Sergei M. Eisenstein
Guion Sergei M. Eisenstein
Fotografía Eduard Tisse
Música Edmund Meisel y Nikolai Kryukov
Producción Goskino/Mosfilm
Nacionalidad Unión Soviética
Duración 75m. B/N
Reparto Aleksandr Antonov, Grigori Aleksandrov, Vladimir Barsky, Mikhail Gomorov, Ivan Brobov, Beatrice Vitoldi, Julia Eisenstein, A. Levchin.

“El espíritu de la revolución planeó sobre la revolución rusa. Un misterioso proceso estaba ocurriendo en multitud de corazones. La personalidad individual, sin apenas tiempo de tomar conciencia de sí misma, se disuelve en el grupo y éste se disuelve en el movimiento revolucionario”

Uno de los hitos de la cinematografía mundial, con el que se abrió un camino fundamental en su historia y cuyos revolucionarios valores, especialmente en el campo del montaje de choque y la planificación del encuadre, permanecen aún en la actualidad totalmente íntegros. Su prolongadísimo argumento inicial, planteado como vehículo propagandístico para conmemorar el vigésimo aniversario de la malograda Revolución de 1905, quedaría finalmente reducido a cinco actos que rememoraban con un perfecto ritmo «in crescendo» la revuelta de la tripulación del famoso barco de guerra y, desencadenaban, debido a las citadas innovaciones técnicas de su autor, una dinámica, poderosa y estimulante amalgama de verismo documental y simbolismo metafórico. Secuencias como la rebelión en el navío, el paseo a través de la escuadra o, sobre todo, la impactante, despiadada y emuladísima matanza en la escalinata de Odessa (todas ellas ficticias) figuran entre los momentos más culminantes del Séptimo Arte y siguen siendo un punto de referencia obligatorio para numerosos estudiosos y cineastas.

Otras películas sobre REVUELTAS

Queimada – Gillo Pontecorvo (1969)
Salmo rojo – Miklós Jancsó (1972)
Celda 211 – Daniel Monzón (2009)

TELA (El hombre del traje blanco)

Género obtenido en forma de lámina más o menos resistente, elástica y flexible, mediante el cruzamiento y enlace de series de hilos o fibras de manera coherente al entrelazarlos o al unirlos por otros medios (…) Existe gran variedad de géneros fabricados con fibras mixtas —combinación de fibras naturales, artificiales o sintéticas— y cada uno de ellos se comporta de modo diferente. (Wikipedia)

«Me sudan las manos. La curva de su cintura empieza a quedarse grabada en mi piel a través de la tela del vestido. El color de sus ojos parece cambiar frente a los míos, son demasiados perspicaces y la frialdad no les afecta» (novela Vanderbilt Avenue)
Anna Casanovas (1975-) Escritora española de novela romántica

EL HOMBRE DEL TRAJE BLANCO (The man in the White suit) – 1951

Director Alexander Mackendrick
Guion Alexander Mackendrick, Roger MacDougall y John Dighton
Fotografía Douglas Slocombe
Música Benjamin Frankel
Producción Ealing/J.Arthur Rank Productions
Duración 81m. B/N
Reparto Alec Guinness, Joan Greenwood, Cecil Parker, Michael Gough, Ernest Thesiger, Howard Marion Crawford, Harold Goodwin.

«Dejas el colegio, el primer trabajo que sale y luego otro y otro. Cuando llegas a los treinta, ¿qué eres? Uno más en la cadena de producción. Eso es el capitalismo»

La definitiva consolidación de la productora Ealing como creadora de un estilo de comedia sagaz, satírica y elegante llegó con esta ingeniosa parábola social en torno a la dudosa e incomprendida posición del creador dentro del implacable engranaje capitalista, basada en una obra teatral homónima de Roger MacDougall. El talentoso y camaleónico Alec Guinness, actor-insignia de los estudios británicos, acabaría bordando el papel de un químico humilde, excéntrico e idealista que conmocionaba la industria textil anglosajona con su revolucionario descubrimiento: una tela sintética prácticamente inmune a la suciedad y al deterioro. Haciendo gala de su característica distinción expositiva y su tan corrosivo como metafórico sentido del humor, McKendrick eludía cualquier atisbo de inconstancia o presuntuosidad para zambullirse de lleno en los problemas humanos y materiales que comportaba dicha invención. Otro de los grandes aciertos del film radicaba en su espléndido elenco de actores, así como la virtuosa fotografía en blanco y negro de Douglas Slocombe.

Otras películas donde cobra importancia el uso o manipulación de alguna TELA

Los tejedores – Friedrich Zelnik (1927)
Norma Rae – Martin Ritt (1979)
El placer de la seda – Yvon Marciano (1996)

ROCANROL (American graffiti)

El rock and roll (también rock ‘n’ roll), en español, rocanrol, es un género musical de ritmo marcado, derivado de una mezcla de diversos géneros música folclórica estadounidense, (doo wop, rhythm and blues, hillbilly, blues, country y western son los más destacados) y popularizado desde la década de 1950. Su cantante más influyente fue Elvis Presley; su guitarrista más influyente, Chuck Berry; su pianista más influyente, Jerry Lee Lewis y su banda más representativa Bill Haley and The Comets. La expresión rock and roll ya venía utilizándose en las letras del rhythm and blues desde finales de la década de 1930, pero fue el disc jockey estadounidense Alan Freed quien comenzó a utilizarla para describir el estilo. https://es.wikipedia.org/wiki/Rock_and_roll

«Me dí cuenta que primero tocas rock and roll para poder tener sexo y drogarte, y terminas drogándote para poder tocar rock and roll y tener sexo»
Mick Jagger (1943-) Cantante y compositor británico de música rock

AMERICAN GRAFFITI (American graffiti) – 1973

Director George Lucas
Guión George Lucas, William Huyck y Gloria Katz
Fotografía Ron Eveslage y Jan D’Alquen
Música Varios
Producción Lucasfilm/Coppola/Universal
Nacionalidad Estados Unidos
Duración 108m. Color
Reparto Richard Dreyfuss, Ron Howard, Charles Martin Smith, Paul LeMat, Cindy Williams, Candy Clark, Bo Hopkins, Harrison Ford.

«Si no te espabilas no te comes un rosco; cada día es más difícil ligar. Me acuerdo que hace cinco años, con un par de horas y el depósito lleno de gasolina, tenías ligue seguro. Aquello era vida»

Con el inestimable apoyo en la producción de Francis Ford Coppola, Lucas pudo filmar esta emblemática y brillante evocación memorialística de estructura coral y deslumbrante esteticismo sobre uno de los momentos más intensos, añorados e influyentes, no sólo para la adolescencia norteamericana, sino para la cultura juvenil que ha implantado nuestra sociedad occidental: los años dorados del rock ‘n’ roll. Ambientada en la localidad natal de su realizador, Modesto (California), describía las alocadas peripecias de una pandilla propensa al ligoteo durante una noche estival de 1962 con el propósito de atestiguar, a medio camino entre el testimonio crítico y el recuerdo nostálgico, los hábitos sociales de una generación confusa pero encantadoramente optimista y regocijante; en especial, su afición por bailar, lucir sus brillantes automóviles o ingerir más alcohol del aconsejable. A destacar la colaboración del mítico disc-jockey radiofónico Wolfman Jack, cuya imperceptible presencia ejercía como hilo conductor del relato y contrapunto a la sucesión de inolvidables éxitos de la época que proponía su banda sonora, sin duda, una de las más completas y celebradas de la historia del cine.

Otras películas que reflejan el espíritu del ROCANROL

Rock around the clock – Fred F. Sears (1956)
El barrio contra mí – Michael Curtiz (1958)
Grease – Randal Kleiser (1978)