Mes: diciembre 2015

QUINTETO (El quinteto de la muerte)

1. Grupo de cinco personas, empresas, entidades, etc.
2. Conjunto musical formado por cinco voces o instrumentos. (oxforddictionaries.com)

«Les Luthiers ya no es un quinteto, ahora somos cuarteto y deberemos aprender a seguir jugando sin él»
Carlos Núñez Cortés (1942-) Humorista, pianista, compositor y químico

EL QUINTETO DE LA MUERTE (The ladykillers) – 1955

Director Alexander Mackendrick
Guion William Rose
Fotografía Otto Heller
Música Tristam Cary
Producción Ealing
Nacionalidad Reino Unido
Duración 97m. Color
Reparto Alec Guinness, Cecil Parker, Herbert Lom, Peter Sellers, Danny Green, Katie Johnson, Jack Warner, Philip Stainton, Frankie Howard.
* Luigi Boccherini – Minueto

«Hubiéramos necesitado a treinta, quizás a cuarenta. Nosotros nunca podremos matarla. Siempre estará con nosotros, por siempre jamás. Y no podremos impedirlo…»

El colofón a la insigne trayectoria de la Ealing en el campo de la comedia costumbrista lo puso Alexander Mackendrick con esta caricaturesca virada al manido asunto del golpe frustrado, en la que una banda de malhechores camuflados de quinteto musical recalaban como huéspedes en el hogar de una acogedora anciana de presunta candidez con el objetivo de gestar el robo a un furgón blindado. La arrítmica y pueril autocomplacencia denotada por los hermanos Coen en THE LADYKILLERS (2004), un remake de sustrato acomodaticio adherido a la vertiente más sacrílega del ‘mainstream’ hollywoodiense, no hizo sino acrecentar los numerosos valores de esta proclama de elíptica y despiadada pulcritud acerca de la sinuosa duplicidad de las apariencias; entre ellos, una progresión narrativa impecable, un sobresaliente diseño de producción de corte eduardiano a cargo de Jim Morahan y unas consumadas caracterizaciones de todo el reparto, especialmente de Katie Johnson (en el papel de su vida) y de un Alec Guinness genial como cerebro de la heterogénea camarilla gangsteril.

Otras películas con protagonismo de un QUINTETO

El último vals – Martin Scorsese (1978)
Por si no te vuelvo a ver – Juan Pablo Villaseñor (1997)
Regreso a Ítaca – Laurent Cantet (2014)

EXABRUPTO (¿Quién teme a Virginia Woolf?)

Término que se utiliza para designar a todas aquellas expresiones o formas del lenguaje que se consideran exageradas, insolentes y maleducadas no sólo en cuanto al contenido (por ejemplo, a través del uso de malas palabras) si no también en el modo en que se comunica el contenido (por ejemplo, a través de gritos, exclamaciones, violencia verbal, etc.). Usualmente el exabrupto es considerado una agresión, aunque puede ser más común e incluso tolerado en ciertos ámbitos mientras que en otros será vistos como un desaire muy importante y serio. (definicionabc.com)

«Necesitamos exabruptos que expresen los ojos reventados de hambre, los dolores infinitos, los aullidos. Que exploten toda la impostura y de esos escombros el lenguaje nuevo. La belleza de los restos, poesía de los escombros. A la hoguera con los lenguajes viejos, olor a trampa, a impudicia, a corrupción por todos los rincones.»
Eduardo Pavlovsky (1933-) Psicoanalista, actor y dramaturgo argentino

¿QUIÉN TEME A VIRGINIA WOOLF? – Who’s afraid of Virginia Woolf? – 1966

Director Mike Nichols
Guión Ernest Lehman
Fotografía Haskell Wexler
Música Alex North
Producción Chenault Productions/Warner Bros.
Nacionalidad Estados Unidos
Duración 131m. B/N
Reparto Elizabeth Taylor, Richard Burton, George Segal, Sandy Dennis, Frank Flanagan.

«Así que aquí estoy, pegada a este desastre. A este pantano del Departamento de Historia, que se casó con la hija del decano… De quién se esperaba que fuera alguien, ¡no un don nadie! Una condenada y complaciente polilla que no es capaz de hacerse alguien. ¡Que le faltan agallas para ser el orgullo de alguien!»

Hasta entonces juzgada como cinematograficamente inaccesible por la escabrosidad de su temática y la áspera franqueza de sus diálogos, la homónima obra teatral de Edward Albee sirvió para oficializar el efervescente debut como realizador del paulatinamente disipado Mike Nichols. En lugar de encubrir el origen escénico del argumento, el director de origen berlinés acrecentó la aparatosidad dramática del mismo subordinando su labor al exuberante vedetismo de la pareja protagonista, que dejaba entrever la turbulenta situación marital por la que atravesaban en la vida real dando vida a unos amargados consortes burgueses (un alcoholizado profesor de Historia y la dominante hija del director de la Universidad de Nueva Inglaterra donde ejerce) que aprovechan la visita de otro joven matrimonio para evacuar sus frustrantes y rencorosas miserias a través de una oleada de insultos, desaires, amenazas, humillaciones y furibundos exabruptos etílicos. Un largometraje colérico, asfixiante y claustrofóbico, estupendamente fotografiado en blanco y negro, que formulaba un desabrido y penetrante análisis sobre las difíciles relaciones conyugales.

Otras películas con predisposición al EXABRUPTO

El desencanto – Jaime Chávarri (1976)
Éxito a cualquier precio – James Foley (1992)
Malditos bastardos – Quentin Tarantino (2009)

SUICIDIO (El sabor de las cerezas)

Acto por el que una persona, deliberadamente, se provoca la muerte. Por lo general es consecuencia de desesperación, derivada o atribuible a una enfermedad mental, como la depresión, el trastorno bipolar, la esquizofrenia, el trastorno límite de la personalidad, el alcoholismo o abuso de sustancias. A menudo influyen en él diversos factores estresantes como dificultades financieras o problemas en las relaciones interpersonales. Entre las medidas empleadas para prevenirlo se encuentran: limitar el acceso a los métodos, como armas de fuego y venenos, el tratamiento de la enfermedad mental subyacente o del abuso de sustancias y la mejora de las condiciones financieras. (Wikipedia)

“El suicidio, lejos de negar la voluntad, la afirma enérgicamente. Pues la negación no consiste en aborrecer el dolor, sino los goces de la vida. El suicida ama la vida; lo único que pasa es que no acepta las condiciones en que se le ofrece.”
Arthur Schopenhauer (1788-1860) Filósofo alemán

EL SABOR DE LAS CEREZAS (Ta’m e guilass) – 1997

Director Abbas Kiarostami
Guion Abbas Kiarostami
Fotografía Hamayon Payvar
Producción Abbas Kiarostami Productions/CiBy 2000
Nacionalidad Irán
Duración 98m. Color
Reparto Homayon Ershadi, Abdolrahman Bagheri, Safar Ali Moradi, Mir Hossein Noori, Afshin Korshid Bakhtiari.

«La vida es como un tren que se mueve siempre hacia adelante hasta que alcanza el final de su recorrido, el fin. Por supuesto, la muerte es una solución, pero no la primera…»

Consumando un proyecto de más de ocho años de antigüedad, a los que se sumaron otros dos empleados en su gestación, Kiarostami volvía a destapar el tarro de su fascinante y sutil esencia fílmica para tutear con gran sensibilidad y sin ningún amaneramiento un tema considerado tabú en su país natal: el suicidio. A través del misterioso itinerario por las polvorientas colinas de Teherán que un hombre flemático y desesperado recorre con la obsesiva esperanza de que alguien le ayude a culminar su insensata determinación, el reputado cineasta trazaba un humilde y perspicaz retrato de la sociedad coetánea iraní, exhibiendo su talentosa capacidad para extraer hermosas imágenes de un entorno tan hostil como desolador y poniendo en práctica métodos revolucionarios tan particulares como el hecho de que ninguno de los intérpretes, por supuesto actores no profesionales, coincidiera durante el rodaje. La cinta, rematada con un epílogo arriesgado, distanciador e incierto, burlaría las autoridades nacionales para ser presentada en Cannes, donde triunfó con todo merecimiento.

Otras películas sobre distintas formas de encarar un SUICIDIO

Fuego fatuo – Louis Malle (1963)
La gran comilona – Marco Ferreri (1973)
Leaving Las Vegas – Mike Figgis (1995)

DIFERENCIA (La encajera)

1. Cualidad, característica o circunstancia que hace que dos personas o cosas no sean iguales entre sí.
2. Falta de acuerdo, oposición de ideas o disputa entre personas o grupos. (Larousse Editorial)

«La única diferencia que existe entre un capricho y una pasión eterna es que el capricho es más duradero»
Oscar Wilde (1854-1900) Escritor, poeta y dramaturgo irlandés

LA ENCAJERA (La dentellière) – 1977

Director Claude Goretta
Guion Claude Goretta, Pascal Lainé y Joachim Kunzendorf
Fotografía Jean Boffety
Música Pierre Jansen
Producción Citel/Action/FR3/Janus
Nacionalidad Francia/ Suiza/ Alemania
Duración 102m. Color
Reparto Isabelle Huppert, Yves Beneyton, Florence Giorgetti, Anne-Marie Düringer, Michel de Ré, Renata Schroeter, Monique Chaumette.

«Él había pasado por su lado sin verla. Porque ella era de esas almas que no hacen ninguna señal, pero que hay que cuestionar pacientemente y sobre las cuales hay que saber posar la mirada. Un pintor la habría tomado como modelo. Habría sido lavandera, aguadora… o encajera»

Aflictiva e intensa reflexión sobre la soledad y la desesperanza afectiva, basada en la exitosa novela homónima de Pascal Lainé, que difundió popularmente las sensibles y radiantes facultades interpretativas de Isabelle Huppert y, además, realzó de forma fugaz el particular talante intimista de un autor cuyas propuestas estilísticas se difuminaron en consonancia con la paulatina lasitud con la que progresó su obra posterior. La desigualdad social, cultural e intelectual que obstaculiza y quebranta la relación amorosa entre un pusilánime estudiante de letras parisino y una reservada y candorosa aprendiz de peluquería era glosada por el cineasta suizo a través de una distinguida puesta en escena, compuesta por fragmentos descriptivos de una metódica tenuidad y silencios tan emotivos como dramáticos. La sobresaliente contextura plástica de sus imágenes acababa de realzar la delicada plenitud de un largometraje apasionante, que versaba sobre la imposibilidad de alcanzar el amor absoluto a través de una crudeza premiosa y contemplativa rematadamente conmovedora.

Otras películas sobre relaciones lastradas por una DIFERENCIA de cultura o clase social

La piel suave – François Truffaut (1964)
Así habla el amor – John Cassavetes (1971)
Amor bajo el espino blanco – Zhang Yimou (2010)

TECHNICOLOR (Cita en San Luis)

Proceso de cine en color inventado en 1916 y después mejorado a lo largo de varias décadas. Se trata del segundo proceso principal de este tipo, tras el británico Kinemacolor, y el más utilizado en Hollywood entre 1922 y 1952. Technicolor fue conocido y reconocido por su nivel saturado de color, y se usó más comúnmente para filmar musicales como El mago de Oz (1939) y Cantando bajo la lluvia (1952), películas de época como The Adventures of Robin Hood (1938) y Lo que el viento se llevó (1939), o de animación como Blancanieves y los siete enanitos (1937) o Fantasía (1940). Sin embargo, también se usó para comedias y dramas menos espectaculares, e incluso a veces en el cine negro, como en Que el cielo la juzgue (1945) o Niágara (1953). (Wikipedia)

*Todos yiran y yiran, todos bajo el sol; se proyecta la vida, mariposa technicolor. Cada vez que me miras, cada sensación; se proyecta la vida, mariposa technicolor» (canción Mariposa Technicolor)
Fito Páez (1963-) Cantautor, compositor y músico argentino

CITA EN SAN LUIS (Meet me in St. Louis) – 1944

Director Vincente Minnelli
Guion Fred Finklehoffe e Irving Brecher
Fotografía George J. Folsey
Música George Stoll
Producción Metro Goldwyn Mayer
Nacionalidad Estados Unidos
Duración 113m. Color
Reparto Judy Garland, Margaret O’Brien, Mary Astor, Lucille Bremer, Leon Ames, Tom Drake, Marjorie Main, Harry Davenport, June Lockhart.

«Mi hija mayor está prácticamente de luna de miel y todos lo saben menos yo. En vista de que esta familia me oculta sus pequeñas intrigas, manejaré el teléfono a mi manera. Desde ahora, contestaré a todas las llamadas»

Con su tercera película y primera en la que utilizaba el sistema Technicolor, Minnelli obtuvo el primer gran éxito de su filmografía y renovó la estructura del género musical al introducir en el mismo el culto a los valores tradicionales norteamericanos, tan característicos en el período bélico, a través del devenir cotidiano de una acomodada familia numerosa de Saint Louis (Missouri), entre 1903 y 1904, según la nostálgica novela homónima de tintes autobiográficos escrita por Sally Benson e inicialmente publicada con viñetas en el The New Yorker bajo el título 5135 Kensington Avenue. A pesar de no estar habitualmente incluida entre las principales obras maestras de su realizador, quien, por cierto, inició durante el rodaje su relación sentimental con Judy Garland, proporcionaba un suntuoso espectáculo colorista plagado de alegría, frivolidad y buenas intenciones, con exquisitos números y canciones de las parejas Hugh Martin/Ralph Blane y Arthur Freed/Narcio Herb Brown, como Under the bamboo tree, la entusiasta The trolley song o la antológica Have yourself a Merry Little Christmas.

Otras películas recordadas por su excelso uso del TECHNICOLOR

Los tres mosqueteros – George Sidney (1948)
Quo Vadis – Mervyn Leroy (1951)
Centauros del desierto – John Ford (1956)