Mes: abril 2015

SUBJETIVIDAD (La senda tenebrosa)

Propiedad de las percepciones, argumentos y lenguaje basados en el punto de vista del sujeto, y por tanto influidos por los intereses y deseos particulares del mismo. Su contrapunto es la objetividad, que los basa en un punto de vista intersubjetivo, no prejuiciado, verificable por diferentes sujetos. (Wikipedia)
El plano subjetivo es la toma que nos muestra directamente el punto de vista de un personaje, o sea que vemos la acción y los acontecimientos como si fuésemos el personaje mismo dentro de la película. (Wikipedia)

“La subjetividad es la auto-estafa más grande que puede uno hacerse a sí mismo”
Leandro Kabakian (1985-) Abogado comunitario, político y escritor argentino

LA SENDA TENEBROSA (Dark passage) – 1947

senda

Director Delmer Daves
Guion Delmer Daves
Fotografía Sidney Hickox
Música Franz Waxman
Producción Warner Bros./First National
Nacionalidad Estados Unidos
Duración 106m. B/N
Reparto Humphrey Bogart, Lauren Bacall, Bruce Bennett, Clifton Young, Tom D’Andrea, Agnes Moorehead, Douglas Kennedy, Rory Mallinson.

«Así es la vida, una batalla campal desde el principio. A nadie le importa nadie, a nadie le importa un bledo lo que le pase a los demás. Hubo un tiempo en que los hombres se echaban mutuamente una mano»

Irreprochable clásico del cine negro, recamado con aliento romántico y pinceladas de un tenebroso y psicológico dramatismo, que adecuaba al cine la novela homónima del especialista David Goodis sobre la fuga de un convicto injustamente encarcelado por homicidio y su venturoso contacto con una atractiva mujer que le asistirá hasta el punto de procurarle una operación de cirugía estética. Habitualmente invocado por una eficaz aplicación del plano subjetivo durante la primera media hora para así no tener que revelar el semblante original del protagonista (de hecho, su rostro no se vislumbra hasta pasada una hora del metraje), brindaba un íntegro muestrario de la dinámica precisión narrativa y el abrumador carácter poético de su infravalorado realizador a pesar de la inverosimilitud del planteamiento argumental y su enrevesado desarrollo. Ejemplarmente ambientada en la inconfundible San Francisco, ofrecía el penúltimo recital de esa impresionante química irradiada por la carismática pareja Bogart/Bacall y, además, hacía gala de un magnífico trabajo de fotografía a cargo de Sidney Hickox.

Otras películas con una profusa utilización del PLANO SUBJETIVO

El hombre y el monstruo – Rouben Mamoulian (1931)
La dama del lago – Robert Montgomery (1947)
El resplandor – Stanley Kubrick (1980)

ACCIDENTE (Las cosas de la vida)

Cualquier suceso que es provocado por una acción violenta y repentina ocasionada por un agente externo involuntario, y que da lugar a una lesión corporal. La amplitud de los términos de esta definición obliga a tener presente que los diferentes tipos de accidentes se hallan condicionados por múltiples fenómenos de carácter imprevisible e incontrolable. El grupo que genera mayor mortalidad es el de los accidentes producidos con ocasión del transporte de personas o mercancías por tierra o transporte marítimo. (Wikipedia)

“No hay accidente, por desgraciado que sea, del que los hombres hábiles no obtengan provecho”
François de La Rochefoucauld (1613-1680) Escritor, aristócrata y militar francés

LAS COSAS DE LA VIDA (Les choses de la vie) – 1970

cosas2

Director Claude Sautet
Guion Claude Sautet, Paul Guimard y Jean-Loup Dabadie
Fotografía Jean Boffety
Música Philippe Sarde
Producción Lira Films/SONOCAM
Nacionalidad Francia
Duración 102m. Color
Reparto Michel Piccoli, Romy Schneider, Lea Massari, Dominique Zardi, Boby Lapointe, Gérard Lartigau, Jean Bouise, Jacques Richard.

«Me amas porque estoy aquí. Pero si tienes que cruzar la calle para unirte a mí, estás perdido»

En una decisión rotundamente satisfactoria, Sautet decidió apartarse del género policíaco que cultivó en sus inicios para erigirse en un lúcido analista de los automatismos cotidianos que enturbian las relaciones de pareja con una serie de sofisticados dramas psicológicos, entre los cuales destaca esta decorosa adaptación de una novela homónima de Paul Guimard. El trágico accidente automovilístico que sufre un prominente abogado determinaba un epicentro neurálgico a partir del cual iría rebotando una difusa yuxtaposición de flashbacks, consignados a repasar el dilema pasional que el protagonista sostenía con su antigua esposa y una atractiva joven. Esta original estructura narrativa, unida a la meritoria labor del terceto protagonista, conformaron los principales alicientes de este peculiar cuadro de la insatisfacción sentimental que oprime a la sociedad media-burguesa gala; discurso que su realizador persistió en divulgar en sus siguientes trabajos hasta erigirse en el principal rasgo definitorio del grueso de su filmografía. Veinticuatro años después, Mark Rydell dirigió una superflua versión hollywoodiense, ENTRE DOS MUJERES, con Sharon Stone y Richard Gere en los papeles protagonistas.

Otras películas construidas alrededor de un ACCIDENTE

Accidente sin huella – Claude Chabrol (1969)
El dulce porvenir – Atom Egoyan (1997)
Amores perros – Alejandro González Iñárritu (2000)

CONTRAPICADO (Mister Arkadin)

Plano tomado desde un ángulo de toma, del mismo nombre, en el que la cámara se sitúa debajo del objeto filmado, según un eje vertical. (google.es)

«Era el mismo dibujo repetido: la silueta de un hombre pescando junto al río. Lo que cambiaba era la luz y la perspectiva: se veía la silueta, de lejos, inundada por una luz como de mediodía, luego la misma silueta más cerca, como en contrapicado, bajo la lluvia o la bruma. Entonces comprendí que su novela no era una novela sino una pintura» (novela Pequeños cementerios bajo la luna)
Mauricio Electorat (1960-) Escritor chileno

MR. ARKADIN (Confidential report / Dossier secret) – 1955

arkadin

Director Orson Welles
Guion Orson Welles
Fotografía Jean Bourgoin
Música Paul Misraki
Producción Mercury/Cervantes Film/Sevilla Films/Filmorsa/Bavaria Film
Nacionalidad Francia/ España/ Suiza
Duración 99m. B/N
Reparto Orson Welles, Paola Mori, Robert Arden, Akim Tamiroff, Michael Redgrave, Patricia Medina, Mischa Auer, Katina Paxinou, Peter Van Eyck, Amparo Rivelles.
* Franz Gruber – Stille nacht, heilige nacht

«Sabía lo que quería. Esa es la diferencia entre nosotros. En este mundo están los que piden y los que dan. Los que no se atreven a dar y los que no se atreven a pedir. Tú te atreves, pero nunca tuviste claro lo que pedías»

Tal y como hizo en CIUDADANO KANE (1941), Orson Welles exploró los paradójicos mecanismos que arrastran al hombre hacia el poder sin considerar la esclavitud y la soledad que conlleva su apropiamiento. Respaldado en la producción por su camarada Louis Dolivet, desafiaría nuevamente las precarias condiciones de un rodaje de ocho meses por tierras europeas (gran parte de ellos en Segovia, ciudad a la que el autor recurriría en diversas ocasiones) para adaptar una novela propia y convertirla en una amenazadora reflexión sobre las apariencias, cuyo deslavazado argumento versaba en torno a un enigmático, extravagante y todopoderoso millonario, afectado de una extraña amnesia, que contrataba los servicios de un aprovechado periodista para investigar su propio pasado y desenmascarar su auténtica personalidad. La negligencia de los productores al tergiversar descaradamente el montaje ordenado por el cineasta, favoreció su sonado fracaso comercial pero no impidió que germinara un nuevo y genuino paradigma de la grandeza wellesiana, abarrotado de su exuberante poderío técnico y visual, como se observa en sus asombrosos juegos de luces y sombras o en ángulos de cámara prácticamente inverosímiles.

Otras películas donde se hace un uso recurrente del CONTRAPICADO

La pasión de Juana de Arco – Carl Th. Dreyer (1928)
Extraños en un tren – Alfred Hitchcock (1951)
Simón del desierto – Luis Buñuel (1965)

VENGANZA (Oldboy)

Desquite contra una persona o grupo en respuesta a una mala acción percibida, vengarse es «equilibrar la balanza», y ello tiene como consecuencia que muchos aspectos de la venganza se asemejen al concepto de justicia, haciendo que la diferencia entre los conceptos de venganza y justicia sean muy difusos. La venganza en general persigue un objetivo más injurioso que reparador. El deseo de venganza consiste en forzar a quien haya hecho algo malo en sufrir el mismo dolor que él infligió, o asegurarse de que esta persona o grupo no volverá a cometer dichos daños otra vez. Muchos creen que la venganza es un acto que causa placer a quien la efectúa, aunque otros consideran que no es placer lo que se siente, sino que es la sensación del restablecimiento de la salud del que se venga. (Wikipedia)

“La venganza es dulce y no engorda.”
Alfred Hitchcock (1899-1980) Director de cine británico

OLDBOY (Oldeuboi) – 2003

oldboy

Director Park Chan-wook
Guion Park Chan-wook, Hwang Jo-yoon e Im Joon-hyung
Fotografía Chung Chung-hoon
Música Cho Young-wuk
Producción Show East Co. Ltd
Nacionalidad Corea del Sur
Duración 120m. Color
Reparto Choi Min-sik, Yu Ji-tae, Kang Hye-jeong, Ji Dae-han, Oh Dal-su, Kim Byeong-ok, Lee Seung-Shin, Yun Jin-seo.

«Sea un grano de arena o una piedra, en el agua se hunden igual.»

Park Chan-wook contribuyó con su particular eclecticismo a posicionar la cinematografía surcoreana en el panorama fílmico internacional a raíz del impacto adquirido con su ‘Trilogía de la Venganza’, inaugurada con la cruda, espasmódica y rompedora SYMPATHY FOR MR. VENGEANCE (2002) y rematada con la confusa, truculenta y desconcertante SYMPATHY FOR LADY VENGEANCE (2005). En medio de estos dos virtuosos thrillers de esencia psicológica brilla con luz propia esta otra pesadilla de aliento operístico, basada en el manga homónimo de Tsuchiya Garon y Minegishi Nobuaki, que hurgaba en la tiranía del tiempo y la memoria para describir la peripecia catártica emprendida por un hombre en su anhelo por resarcir el suplicio de haber sido confinado a subsistir en la habitación de un hotel sin motivo aparente durante quince años. Una pieza de orfebrería formal enfermiza, feroz y abrumadoramente poética que permutaba dramatismo, suspense y acción (en ocasiones recurriendo al lenguaje del videojuego) con una prodigiosa simetría compositiva, que en nada se asemeja al insípido mimetismo ostentado recientemente por Spike Lee (2013) en su soporífero remake estadounidense.

Otras películas sobre la VENGANZA

Las damas del bosque de Bolonia – Robert Bresson (1945)
El cabo del terror – J. Lee Thompson (1962)
La muerte y la doncella – Roman Polanski (1994)

TERNURA (Del rosa… al amarillo)

1. Cualidad de la persona que muestra fácilmente sus sentimientos, especialmente de afecto, dulzura y simpatía.
2. Muestra de afecto, cariño y dulzura.
(Larousse Editorial)

«La ternura es una de las cualidades que acostumbramos a asociar a la juventud. La vida nos la inculca a fuerza de golpes, nos hace más dulces y dúctiles de lo que nuestro orgullo juvenil nos había permitido»
Doris Lessing (1919-2013) Escritora británica

DEL ROSA… AL AMARILLO (Del rosa… al amarillo) – 1963

rosa

Director Manuel Summers
Guion Manuel Summers
Fotografía Francisco Fraile
Música Antonio Pérez Olea
Producción Impala/Eco Films
Nacionalidad España
Duración 88m. B/N
Reparto Cristina Galbó, Pedro Díez del Corral, Lina Onesti, José Vicente Cerrudo, Antonio D. Olano, María Jesús Corchero, María Hevia.
* Osvaldo Farrés – Toda una vida

«Al margen de tu amor, solo es posible la indiferencia, el hastío, la melancolía de las añoranzas, el dolor de no sentirme a tu lado…»

Procedente del ámbito del humorismo gráfico, Manuel Summers encauzó sus orígenes cinematográficos hacia la gestación de un tipo de comedia costumbrista con inspirados rasgos de ternura, nostalgia y negra socarronería, proporcionando toda una bocanada de aire fresco a las corrientes renovadoras del Nuevo Cine Español. En su ópera prima, contrastaba a través de dos episodios independientes el candor iniciático del primer flirteo sentimental de un enamoradizo muchacho madrileño a la ilusión crepuscular de dos ancianos por prolongar la chispa del amor brotada en el geriátrico que los acoge, obteniendo un resultado final que seducía por su inusitada agudeza, energía y sensibilidad. En principio, el esqueleto argumental de la película constaba de un tercer capítulo, centrado en el funesto anhelo de dos jóvenes por concretar su noviazgo, que acabaría alumbrando el siguiente film del realizador, LA NIÑA DE LUTO (1964), que, si bien no alcanzaba los niveles de inspiración, delicadeza y naturalidad de su predecesora, mantenía e, incluso acrecentaba, su ácida invectiva a las rancias tradiciones de la época.

Otras películas movidas por la TERNURA

¡Qué verde era mi valle! – John Ford (1941)
Cinema Paradiso – Giuseppe Tornatore (1988)
Estación Central de Brasil – Walter Salles (1998)