Drama romántico

ACCIDENTE (Las cosas de la vida)

Cualquier suceso que es provocado por una acción violenta y repentina ocasionada por un agente externo involuntario, y que da lugar a una lesión corporal. La amplitud de los términos de esta definición obliga a tener presente que los diferentes tipos de accidentes se hallan condicionados por múltiples fenómenos de carácter imprevisible e incontrolable. El grupo que genera mayor mortalidad es el de los accidentes producidos con ocasión del transporte de personas o mercancías por tierra o transporte marítimo. (Wikipedia)

“No hay accidente, por desgraciado que sea, del que los hombres hábiles no obtengan provecho”
François de La Rochefoucauld (1613-1680) Escritor, aristócrata y militar francés

LAS COSAS DE LA VIDA (Les choses de la vie) – 1970

Director Claude Sautet
Guion Claude Sautet, Paul Guimard y Jean-Loup Dabadie
Fotografía Jean Boffety
Música Philippe Sarde
Producción Lira Films/SONOCAM
Nacionalidad Francia
Duración 102m. Color
Reparto Michel Piccoli, Romy Schneider, Lea Massari, Dominique Zardi, Boby Lapointe, Gérard Lartigau, Jean Bouise, Jacques Richard.

«Me amas porque estoy aquí. Pero si tienes que cruzar la calle para unirte a mí, estás perdido»

En una decisión rotundamente satisfactoria, Sautet decidió apartarse del género policíaco que cultivó en sus inicios para erigirse en un lúcido analista de los automatismos cotidianos que enturbian las relaciones de pareja con una serie de sofisticados dramas psicológicos, entre los cuales destaca esta decorosa adaptación de una novela homónima de Paul Guimard. El trágico accidente automovilístico que sufre un prominente abogado determinaba un epicentro neurálgico a partir del cual iría rebotando una difusa yuxtaposición de flashbacks, consignados a repasar el dilema pasional que el protagonista sostenía con su antigua esposa y una atractiva joven. Esta original estructura narrativa, unida a la meritoria labor del terceto protagonista, conformaron los principales alicientes de este peculiar cuadro de la insatisfacción sentimental que oprime a la sociedad media-burguesa gala; discurso que su realizador persistió en divulgar en sus siguientes trabajos hasta erigirse en el principal rasgo definitorio del grueso de su filmografía. Veinticuatro años después, Mark Rydell dirigió una superflua versión hollywoodiense, ENTRE DOS MUJERES, con Sharon Stone y Richard Gere en los papeles protagonistas.

Otras películas construidas alrededor de un ACCIDENTE

Accidente sin huella – Claude Chabrol (1969)
El dulce porvenir – Atom Egoyan (1997)
Amores perros – Alejandro González Iñárritu (2000)

TERNURA (Del rosa… al amarillo)

1. Cualidad de la persona que muestra fácilmente sus sentimientos, especialmente de afecto, dulzura y simpatía.
2. Muestra de afecto, cariño y dulzura. (Larousse Editorial)

«La ternura es una de las cualidades que acostumbramos a asociar a la juventud. La vida nos la inculca a fuerza de golpes, nos hace más dulces y dúctiles de lo que nuestro orgullo juvenil nos había permitido»
Doris Lessing (1919-2013) Escritora británica

DEL ROSA… AL AMARILLO (Del rosa… al amarillo) – 1963

Director Manuel Summers
Guion Manuel Summers
Fotografía Francisco Fraile
Música Antonio Pérez Olea
Producción Impala/Eco Films
Nacionalidad España
Duración 88m. B/N
Reparto Cristina Galbó, Pedro Díez del Corral, Lina Onesti, José Vicente Cerrudo, Antonio D. Olano, María Jesús Corchero, María Hevia.
* Osvaldo Farrés – Toda una vida

«Al margen de tu amor, solo es posible la indiferencia, el hastío, la melancolía de las añoranzas, el dolor de no sentirme a tu lado…»

Procedente del ámbito del humorismo gráfico, Manuel Summers encauzó sus orígenes cinematográficos hacia la gestación de un tipo de comedia costumbrista con inspirados rasgos de ternura, nostalgia y negra socarronería, proporcionando toda una bocanada de aire fresco a las corrientes renovadoras del Nuevo Cine Español. En su ópera prima, contrastaba a través de dos episodios independientes el candor iniciático del primer flirteo sentimental de un enamoradizo muchacho madrileño a la ilusión crepuscular de dos ancianos por prolongar la chispa del amor brotada en el geriátrico que los acoge, obteniendo un resultado final que seducía por su inusitada agudeza, energía y sensibilidad. En principio, el esqueleto argumental de la película constaba de un tercer capítulo, centrado en el funesto anhelo de dos jóvenes por concretar su noviazgo, que acabaría alumbrando el siguiente film del realizador, LA NIÑA DE LUTO (1964), que, si bien no alcanzaba los niveles de inspiración, delicadeza y naturalidad de su predecesora, mantenía e, incluso acrecentaba, su ácida invectiva a las rancias tradiciones de la época.

Otras películas movidas por la TERNURA

¡Qué verde era mi valle! – John Ford (1941)
Cinema Paradiso – Giuseppe Tornatore (1988)
Estación Central de Brasil – Walter Salles (1998)

DESMESURA (Capricho imperial)

Falta de moderación. Descomedimiento, falta de mesura. (Larousse Editorial)

«La desmesura al madurar grana en la espiga del error, y la cosecha que se recoge sólo consiste en lágrimas»
Esquilo (525-526 a.C.- 456-455 a.C.) Dramaturgo griego

CAPRICHO IMPERIAL (The scarlett empress) – 1934

Director Josef Von Sternberg
Guion Manuel Komroff
Fotografía Bert Glennon
Música W. Franke Harling & John Leipold
Producción Paramount
Nacionalidad Estados Unidos
Duración 109m. B/N
Reparto Marlene Dietrich, John Lodge, Sam Jaffe, Louise Dresser, C. Aubrey Smith, Gavin Gordon, Maria Sieber, Erville Alderson.

«Esto es para mí… Y ahora, ¿qué tenéis para dar a los pobres?»

Enloquecido repaso a la vida y amores de la princesa alemana Sophia Federica, desde su despótico casamiento con el estólido Gran Duque Pedro (futuro zar de la dinastía Romanov y auténtico fundador del imperio ruso) hasta su insidiosa consolidación como emperatriz bajo el nombre de Catalina II, que viene a ser algo así como un pletórico inventario de la exuberancia estética y las ofuscaciones erótico-fetichistas que habían alimentado el apogeo cinematográfico de Josef Von Sternberg. La película, aparentemente inspirada en el diario íntimo de la intrépida soberana, diseminaba una efusión de descomedida belleza barroca para perseverar con flagrante impetuosidad dramática en la intransitable naturaleza del amor apasionado, materia intrínsecamente apegada a la obra de su autor. Ni la inobjetable excelencia de su fotografía y decorados, ni la extremada sensualidad con la que Marlene Dietrich tramitaba su personaje evitaron el naufragio financiero de esta excesiva, aunque irrepetible producción, deudora del cine silente por la profusa utilización del soporte musical y la continua alternancia de carteles fijos de carácter explicativo.

Otras películas determinadas por su DESMESURA estética y ornamental

Luis II de Baviera, el rey loco – Luchino Visconti (1972)
El cocinero, el ladrón, su mujer y su amante – Peter Greenaway (1989)
La casa de las dagas voladoras – Zhang Yimou (2004)

PRÍNCIPE (Hamlet)

Miembro de una aristocracia gobernante o nobleza. Normalmente es un título asociado a la realeza, siendo usado por hijos del rey. Típicamente, en la mayoría de las dinastías europeas, recibe el título de príncipe el hijo varón y heredero de un monarca (…) Es uno de los títulos más estereotipados, siendo normalmente asociado a la belleza y virtud y formando parte de numerosos cuentos y leyendas. (Wikipedia)

«El poder arbitrario constituye una tentación natural para un príncipe, como el vino o las mujeres para un hombre joven, el soborno para un juez, la avaricia para el viejo o la vanidad para la mujer»
Jonathan Swift (1667-1745) Escritor irlandés

HAMLET (Hamlet) – 1996

Director Kenneth Branagh
Guion Kenneth Branagh
Fotografía Alex Thomson
Música Patrick Doyle
Producción Castle Rock/Columbia/Fishmonger Films/Turner Pictures
Nacionalidad Reino Unido/ Estados Unidos
Duración 242m. Color
Reparto Kenneth Branagh, Kate Winslet, Charlton Heston, Julie Christie, Derek Jacobi, Richard Attenborough, Billy Crystal, Judi Dench.

«Ser o no ser, ésa es la cuestión. Si es mejor para el alma soportar los golpes y flechas de la ultrajante fortuna o rebelarse contra un mar de adversidades y, en dura pugna, darles fin, morir, dormir…»

La apasionada admiración de Kenneth Branagh por la obra shakespeariana, previamente manifestada en dos relevantes acercamientos cinematográficos, ENRIQUE V (1989) y MUCHO RUIDO Y POCAS NUECES (1993), quedó rubricada con la consumación de un ambicioso y monumental proyecto artístico por el que el cineasta británico llevaba obsesionado desde su adolescencia. Ubicando las maquinaciones palaciegas y los demonios interiores que atormentaban la conciencia del desconcertado príncipe de Dinamarca en un impreciso siglo XIX, probablemente con el objetivo de subrayar la modernidad de la inmortal tragedia, respetó con minuciosa e insólita exactitud el texto íntegro del original literario; circunstancia que acabó por ensanchar el film hasta una longitud de cuatro horas de duración. Lejos de exasperar, el metraje progresa con ligereza, fluidez e intensidad gracias a una portentosa puesta en escena, donde sobresale la pomposidad decorativista de Tim Harvey y un acreditado elenco de actores, que incluía asimismo a otras personalidades de la interpretación como Jack Lemmon, Robin Williams, Gérard Depardieu, John Gielgud o John Mills.

Otras películas sobre PRÍNCIPES

El príncipe estudiante – Ernst Lubitsch (1927)
Alexander Nevsky – Sergei M. Eisenstein (1938)
El príncipe de Zamunda – John Landis (1988)

PESIMISMO (Tiempo de amar, tiempo de morir)

1. Tendencia que tienen algunas personas a ver y a juzgar las cosas en su aspecto más negativo o desfavorable.
2. Doctrina metafísica según la cual el mundo es necesariamente malo y, por consiguiente, todo en la naturaleza y en la vida del hombre tiende a la producción y conservación del mal. (Larousse Editorial)

“El pesimismo es un juego seguro. Así no puedes perder nunca, solo puedes ganar. Es el único punto de vista desde el que nunca te sentirás decepcionado”
Thomas Hardy (1840-1928) Novelista y poeta inglés

TIEMPO DE AMAR, TIEMPO DE MORIR (A time to love and a time to die) – 1958

Director Douglas Sirk
Guion Orin Jannings
Fotografía Russell L. Metty
Música Miklos Rozsa
Productora Universal
Nacionalidad Estados Unidos
Duración 126m. Color
Reparto John Gavin, Liselotte Pulver, Jock Mahoney, Dieter Borsche, Charles Regnier, Keenan Wynn, Don Defore, Eric Maria Remarque.

«Disfruten de la guerra, la paz será mucho peor»

Conmovedora transposición a la gran pantalla de la antimilitarista novela homónima de Erich Maria Remarque, considerada con todos los honores como una pieza magistral tanto del melodrama bélico de raigambre clásica como del romanticismo cinematográfico más poético y desesperado. Ambientada en el invierno de 1944, en las postrimerías de la Segunda Guerra Mundial, esgrimía la profundidad emotiva que subyace de la imposible historia de amor entre un desconcertado soldado alemán del frente soviético y una antigua amiga de la infancia para sumergir al espectador en una ciénaga de penumbra, atrocidad y desesperanza que prorrateaba su ruindad moral entre un lapidario realismo premonitorio y una esencia onírica rociada de un lirismo casi espectral, del que surtían instantes tan bellos y pictóricos como la aparición del cadáver del teniente que llora por los efectos del deshielo o su turbador epílogo. No sería justo omitir que a todo ello contribuyó sobremanera la espléndida dirección artística de Alexander Golitzen y Alfred Sweeny, así como la grisácea fotografía en Cinemascope y Technicolor a cargo de Russell Metty.

Otras películas caracterizadas por su PESIMISMO

Gritos y susurros – Ingmar Bergman (1972)
La tormenta de hielo – Ang Lee (1997)
Babel – Alejandro González Iñárritu (2006)