BOWLING (El gran Lebowski)

Deporte de salón que consiste en derribar un conjunto de piezas de madera (llamados bolos, pinos o palitroques) mediante el lanzamiento de una pesada bola contra ellas. La pista tiene unas dimensiones de 19,20 metros de largo por 1,06m de ancho y una zona de aproximación como mínimo de 4,60 metros. La confección de la misma antes se realizaba con listones de madera de arce americano con un ancho de 39 listones de 27,17 mm. Hoy en día se utilizan pistas sintéticas, simulando las líneas de los listones que sirven de referencia a los jugadores en sus lanzamientos. La bola es esférica y dispone de tres agujeros de forma que pueda ser tomada con poca fuerza. El peso de esta bola suele estar entre las 9 y las 16 libras (aproximadamente entre 4,08 y 7,25 kg.) y su diámetro es de 218,3 mm. (Wikipedia)

«Me miras en tu TV. Di que mi trabajo es fácil. Di que no soy atlético. Crees que mi deporte es patético. Pero no puedes juzgarme hasta que hayas caminado una milla con mis zapatos de bowling»
Stephen Lynch (1971-) Comediante, músico y actor estadounidense

EL GRAN LEBOWSKI (The big Lebowski) – 1998

Director Joel Coen
Guion Joel Coen y Ethan Coen
Fotografía Roger Deakins
Música Carter Burwell
Producción Polygram/Working Title Films
Nacionalidad Estados Unidos/ Reino Unido
Duración 117m. Color
Reparto Jeff Bridges, John Goodman, Julianne Moore, Steve Buscemi, David Huddleston, Philip Seymour Hoffman, Sam Elliott, John Turturro, Ben Gazzara.
* Creedence Clearwater Revival – Lookin’ out my back door

«¿Es que todo el mundo se ha vuelto loco?! ¡¿Es que soy el único por aquí que no se caga en las reglas?! ¡Apunta un cero!»

En su perseverante obstinación por caricaturizar con implacable desencanto el vacío moral de la sociedad estadounidense, los hermanos Coen recurrieron a las enrevesadas tramas de seducción y mentiras del cine negro clásico (y en particular a la narrativa policíaca cultivada por Raymond Chandler) para formalizar este grotesco y subversivo ensamblaje de thriller criminal y lisérgica comedia surrealista, poblado de un inaudito catálogo de estrambóticos perdedores y rebosante de situaciones tan divertidas como imprevisibles. Una intriga construida a golpe de divagaciones, sinsentidos y extravagancias, a menudo instigadas por un irreverente sentido de la provocación, que emergía de la confusión de identidad que vincula al antihéroe protagonista (un desencantado holgazán exhippie de Los Ángeles, apodado ‘The Dude’, tan aficionado al bowling como a fumar marihuana y beber rusos blancos) con el secuestro de la esposa florero de un inválido millonario. A destacar su reluciente y apasionada sublimación de la filosofía de bolera, la coreográfica recreación berkelayana de los sueños y un paródico homenaje a la banda electrónica alemana Kraftwerk.

Otras películas donde se practica el BOWLING

Dreamer – Noel Nosseck (1979)
Vaya par de idiotas – Peter Farrelly y Bobby Farrelly (1996)
Sex, death and bowling – Ally Walker (2015)

FORDISMO (Viva la libertad)

Modo de producción caracterizado por hacer que la misma se realice en serie o en cadena. Su nombre deriva de uno de sus progenitores ideológicos, Henry Ford. El fordismo significó una verdadera revolución en lo que respecta a productividad y en el acceso a un mercado de masas gracias al recorte de costos logrado. Fue empleado prioritariamente en la industria automotriz durante el siglo XX, más específicamente desde los años cuarenta hasta los setenta. Además de estas mejoras en lo que respecta a la productividad y reducción de costos, el fordismo se caracterizó por una mejora salarial hacia los obreros, que se vieron beneficiados financieramente de un modo significativo. (definicion.mx)

«Si el fordismo había incorporado, y transcripto a su modo, algunos aspectos de la experiencia socialista, el postfordismo ha destituido de fundamento tanto al keynesianismo como al socialismo»
Paolo Virno (1952-) Filósofo y semiólogo italiano de orientación marxista

VIVA LA LIBERTAD (À nous la liberté) – 1931

Director René Clair
Guion René Clair
Producción Tobis
Fotografía Georges Périnal
Música Georges Auric
Nacionalidad Francia
Reparto Raymond Cordy, Henri Marchand, Rolla France, Paul Olivier, André Michaud, Germaine Aussey, Léon Morin, William Burke.

«Trabajar es obligatorio. Porque el trabajo es la libertad»

René Clair perseveró en el enfrentamiento entre la obligación y la bohemia individualista para crear esta incisiva farsa social, incluida entre las obras más importantes de su carrera, en torno a la amistad que nutren dos expresidiarios, años después de haberse fugado de la cárcel: uno de ellos convertido en vagabundo, el otro asentado como respetable comerciante de gramófonos. A pesar de no profundizar excesivamente en su enfoque anarquista, el realizador galo consiguió una hábil crítica de la civilización industrial y la despersonalización del trabajo racionalizado a consecuencia del sistema de producción en cadena, o fordismo, narrada en clave de opereta por medio de una fluidez expresiva de portentosa inventiva. En su momento, la cinta no obtuvo la aceptación popular que merecía por sus incuestionables virtudes, pero sirvió de inspiración para la maravillosa TIEMPOS MODERNOS (1936), hasta el punto de que la Tobis intentó emprender una querella por plagio que el propio Clair evitó alegando que se trataba de un orgullo para él que Chaplin se hubiese simplemente percatado de la existencia de su película.

Otras películas que tratan el FORDISMO o modelo de producción en cadena

La clase obrera va al paraíso – Elio Petri (1971)
La chica de la fabrica de cerillas – Aki Kaurismäki (1990)
Recursos humanos – Laurent Cantet (1999)

CLÍMAX (Rocco y sus hermanos)

1. Punto más alto o culminación de un proceso.
2. Momento culminante de un poema o de una acción dramática. (RAE)

“Lo que queremos es una historia que comience con un terremoto y que vaya poco a poco hacia el clímax.”
Samuel Goldwyn (1879-1974) Productor de cine polaco y estadounidense

ROCCO Y SUS HERMANOS (Rocco e i suoi fratelli) – 1960

Director Luchino Visconti
Guion Suso Cecchi d’Amico, Pasquale Festa Campanile, Massimo Franciosa y Enrico Medioli
Fotografía Giuseppe Rotunno
Música Nino Rota
Producción Titanus/Les Films Marceau
Nacionalidad Italia/ Francia
Duración 170m. B/N
Reparto Alain Delon, Renato Salvatori, Annie Girardot, Katina Paxinou, Claudia Cardinale, Roger Hanin, Paolo Stoppa, Claudia Mori, Adriana Asti.

«Hemos creído que podíamos empezar juntos una nueva vida, sin pensar en el mal que hacíamos a los demás.»

Grandioso y muy poco complaciente fresco histórico sobre las hendiduras del denominado ‘miracolo económico’, basado en un pasaje de la novela Il ponte della Ghisolfa de Giovanni Testori, que constituye uno de los títulos más hermosos de Visconti y representa un perfecto eslabón entre su impronta neorrealista y el decadente preciosismo operístico que singularizó su obra a partir de entonces. Magistralmente iluminada por Giuseppe Rotunno, acompasada por la impetuosa banda sonora del maestro Rota e interpretada con conmovedora expresividad por un reparto soberbio -del que sobresale una persuasiva Annie Girardot-, cristaliza una angustiosa y perturbadora parábola existencialista sobre el desarraigo, la abnegación y el deseo amoroso como raíz de insania y devastación a través de la incapacidad de una familia de inmigrantes lucana para adaptarse a la hostiles imperativos de la urbe milanesa. Rotunda elegía de ambiente pugilístico, dividida en cinco capítulos según los nombres de cada uno de los hermanos, ocasionó un sonado escándalo por su obvio mensaje social y el sobrecogedor clímax dramático de su trágico desenlace.

Otras películas que sobresalen por la rotundidad de su CLÍMAX final

El puente sobre el río Kwai – David Lean (1957)
Psicosis – Alfred Hitchcock (1960)
Magnolia – Paul Thomas Anderson (1999)

NOBEL (El ciudadano ilustre)

Persona o institución galardonada con el Nobel, premio otorgado anualmente por la fundación sueca Alfred Nobel como reconocimiento de méritos excepcionales en diversas actividades. (RAE)

«El dinero del premio Nobel es un salvavidas arrojado a un nadador que ya ha alcanzado la seguridad de la costa.»
George Bernard Shaw (1856-1950), escritor irlandés, premio Nobel de Literatura en 1925

EL CIUDADANO ILUSTRE (El ciudadano ilustre) – 2016

Director Mariano Cohn y Gastón Duprat
Guion Andrés Duprat
Fotografía Mariano Cohn y Gastón Duprat
Música Toni M. Mir
Producción Aleph Media/Televisión Abierta/A Contracorriente Films/Magma Cine
Nacionalidad Argentina/ España
Duración 118m. Color
Reparto Oscar Martínez, Dady Brieva, Andrea Frigerio, Belén Chavanne, Nora Navas, Iván Steinhardt, Manuel Vicente, Laura Paredes, Gustavo Garzon.

«Por un lado, me siento halagado. Muy halagado. Pero por otro lado, y ésta es la amarga sensación que prevalece en mí, tengo la convicción de que este tipo de reconocimiento unánime tiene que ver directa e inequívocamente con el ocaso de un artista.»

Perseverando en el sórdido, reflexivo e irónico retrato de la especie humana de múltiples matices e insospechados giros argumentales que acuñaron con sus dos primeras comedias dramáticas, EL ARTISTA (2008) y EL HOMBRE DE AL LADO (2009), la dupla Cohn/Duprat decidió ahondar en la esencia de la creación artística y la auténtica utilidad de la cultura como vector del raciocinio con otra feroz, turbadora y autocrítica estampa de la sociedad y sus miserias, encauzada a subrayar los tenues límites que separan la admiración de la envidia o la hipocresía de la intolerancia. El regreso de un escritor argentino radicado en Barcelona y galardonado con el Premio Nobel al pequeño pueblo que lo vio nacer (Salas) y sobre el que ha construido la base de su cáustica obra literaria, tras cuarenta años de ausencia, deparaba un esperpento costumbrista de aspereza expresiva y punzante retórica, donde sobresalía la estupenda caracterización de Oscar Martínez como ese literato corrosivo, egocéntrico y contradictorio, sumido en una profunda crisis tanto creativa como existencial.

Otras películas relacionadas con el Premio NOBEL

El premio – Mark Robson (1963)
Nobel son – Randall Miller (2007)
Annika Bengzton: El testamento del Nobel – Peter Flinth (2012)

COPROFAGIA (Pink Flamingos)

Ingestión o inclinación morbosa a comer excrementos u otras inmundicias. (google.com)

«Gala Éluard dejaba su vida de éxitos en el París de André Breton y se instalaba en un lugar perdido de la costa mediterránea junto a un joven que entonces no era nadie, aunque intrigara por su audacia a los visitantes surrealistas. La leyenda cuenta incluso que la mandaron a investigar sobre la tan comentada coprofagia del artista y Dalí no le ahorró detalles» (artículo Toda la pintura de Daí a golpe de clic)
Estrella de Diego (1958-) Escritora, profesora universitaria de arte, comisaria e investigadora española

PINK FLAMINGOS (Pink Flamingos) – 1972

Director John Waters
Guion John Waters
Fotografía John Waters
Producción Dreamland
Nacionalidad Estados Unidos
Duración 91m. Color
Reparto Divine, David Lochary, Mink Stole, Edith Massey, Mary Vivian Pearce, Danny Mills, Channing Wilroy, Cookie Mueller, Susan Walsh.
* The Trashmen – Surfin’ bird

«Te amo más que a nada en este mundo. Te amo más que a mi propia inmundicia, más que el color de mi pelo»

La consagración de John Waters como el más venerado representante del cine «trash» underground llegó con esta provocadora y desmedida retahíla de mugre e impudicia, que, con todos los honores, podría llegar a ser considerada como la salvajada contracultural más jaranera, soez e incauta de toda la historia del cine. Ambientada en la descuidada barriada de Phoenix, a las afueras de Baltimore, proporcionaba un rotundo e insuperado catálogo de repulsivas aberraciones (entre otras, canibalismo, incesto, zoofilia o coprofagia) al servicio de una puesta en escena cutre, jocosa e insultante, acunada en torno a la irracional pugna por ostentar el estatus de «persona más inmunda de la tierra» que sostiene la grotesca protagonista y su indeseable
familia con un depravado matrimonio de traficantes de droga y niños. En su nauseabundo epílogo, a modo de colofón de tan perverso pastiche cromático, la musa y mediática drag queen Divine pondera la reputación de su esperpéntico nombramiento degustando de forma explícita una ración de excrementos caninos recién defecados.

Otras películas que incluyen una escena de COPROFAGIA

Sweet movie – Dusan Makavejev (1974)
Saló, o los 120 de Sodoma – Pier Paolo Pasolini (1975)
Ventajas de viajar en tren – Aritz Moreno (2019)