Año: 2021

APUÑALAMIENTO (El asesinato del duque de Guisa)

Penetración con un objeto agudo o puntiagudo a corta distancia. Puñalada connota una acción intencionada, como por un asesino o un homicida, pero también es posible apuñalarse accidentalmente a sí mismo o a otros. El apuñalamiento difiere de acuchillar o cortar en que el movimiento del objeto usado en un apuñalamiento se mueve generalmente perpendicular a y directamente en el cuerpo de la víctima, más bien que ser atraído a través de él. (Wikipedia)

«Apuñalada por la espalda. Azufre, saltando a través del fuego. Así, toda mi vida. Tengo dinero y poder, y tú ahora tienes que vivir con el resentimiento» (canción Bad blood)
Taylor Swift (1989-) Cantante, compositora, productora y actriz estadounidense

EL ASESINATO DEL DUQUE DE GUISA (L’assassinat du Duc de Guise) – 1908

Director André Calmettes y Charles Le Bargy
Guion Henri Lavedan
Música Camille Saint-Saëns
Producción Le Film d’Art
Nacionalidad Francia
Duración 15m. B/N
Reparto Charles Le Bargy, Albert Lambert, Gabrielle Robinne, Berthe Bovy, Jean Angelo, Albert Dieudonné, Huguette Duflos, Charles Lorrain.

«Los guardias del rey (‘Los cuarenta y cinco’) apuñalan a Henri de Guise»

La productora Film d’Art, creada por los hermanos banqueros Laffitte con la intención de superar el carácter prosaico el que se hallaba inmerso el cine de la época, dio la señal de salida con este estimulante drama histórico que se convirtió en el primordial paradigma del teatro filmado e, incluso, llegó a ser considerado en su día como el primer producto de calidad engendrado por el Séptimo Arte. La cruenta ejecución del plan de acuchillamiento con el que el vil monarca Enrique III opta por deshacerse de su gran rival, el encopetado Duque de Guisa, en la Francia de 1588, fue lujosamente reconstruido a través de dieciocho planos generales fijos y gesticulantemente representado por famosos intérpretes de la Comedia Française, creando una magnificencia estético-dramática que serviría como modelo y sostén para posteriores obras de carácter literario o histórico. Gracias a su impresionante repercusión a nivel mundial, la cinta influyó poderosamente en las más fértiles cinematografías, siendo incluso elogiada por venideros maestros como D.W. Griffith o Carl Th. Dreyer.

Otras películas rematadas con una escena de ACUCHILLAMIENTO

Julio César – Joseph L. Mankiewicz (1953)
Rocco y sus hermanos – Luchino Visconti (1960)
La isla mínima – Alberto Rodríguez (2014)

VOCACIÓN (Adiós, Mr. Chips)

Inclinación o interés que una persona siente en su interior para dedicarse a una determinada forma de vida o un determinado trabajo. (google.com)

“Si piensas que tu profesor es duro, espera a que tengas un jefe. Ese sí que no tendrá vocación de enseñanza ni la paciencia requerida”
Bill Gates (1955-) Empresario y filántropo estadounidense

ADIÓS MR. CHIPS (Goodbye Mr. Chips) – 1939

Director Sam Wood
Guion Claudine West, Sidney Franklin, R.C. Sherriff y Eric Marschwitz
Fotografía Freddie Young
Música Richard Addinsell
Producción Metro-Goldwyn-Mayer
Nacionalidad Reino Unido
Duración 114m. B/N
Reparto Robert Donat, Greer Garson, John Mills, Terry Kilburn, Paul Henreid, Judith Furse, Lyn Harding, Frederick Leister, Milton Rosmer.

«Debe ser muy interesante ser maestro de escuela (…) Ver crecer y ayudar a los alumnos, ver como desarrollan su personalidad y ver dónde llegan cuando dejan la escuela y se enfrentan al mundo. No sé cómo puede hacerse viejo en un mundo que siempre es joven»

Una vez concluida su colaboración con los hermanos Marx en dos de sus mejores películas, y, poco antes de ejercer como director (de forma no acreditada) en las últimas diez semanas de rodaje de LO QUE EL VIENTO SE LLEVÓ, Sam Wood evidenció su eficacia tras la cámara en esta apreciable adaptación de la novela homónima de James Hilton, alcanzando uno de los mayores éxitos de su carrera. A partir de un largo flashback, evocaba los pequeños sinsabores que jalonan la conmovedora trayectoria vital y profesional de un maestro inglés (excelente Robert Donat) vinculado al ficticio colegio público de Brookfield, desde sus inicios como retraído profesor de latín y griego en 1870 hasta su tardía jubilación como carismático docente en pleno período de la Gran Guerra. Valores como la lealtad, perseverancia, respeto, sensatez, disciplina y, sobre todo, vocación por la enseñanza, festonean esta satinada hechura de comedia y drama sentimental, versionada en clave musical treinta años después por Herbert Ross, con Peter O’Toole en el papel protagonista.

Otras películas que ensalzan el entusiasmo y esfuerzo por una VOCACIÓN profesional

El manantial – King Vidor (1949) / arquitecto
El cardenal – Otto Preminger (1963) / clérigo
Barbarroja – Akira Kurosawa (1965) / médico

ZOZOBRA (La primera noche de la quietud)

Inquietud, aflicción y congoja del ánimo, que no deja sosegar, o por el riesgo que amenaza, o por el mal que ya se padece. (RAE)

“El despertar de la razón, después de haber gozado del amor, suele tener momentos de zozobra”
Aurora Cáceres Moreno (1877-1958) Escritora peruana

LA PRIMERA NOCHE DE LA QUIETUD (La prima notte di quiete) – 1972

Director Valerio Zurlini
Guion Valerio Zurlini y Enrico Medioli
Fotografía Dario Di Palma
Música Mario Nascimbene
Producción Mondial Televisione Film/Adel Productions/Valoria Films
Nacionalidad Italia/ Francia
Duración 119m. Color
Reparto Alain Delon, Sonia Petrova, Lea Massari, Giancarlo Giannini, Salvo Randone, Alida Valli, Renato Salvatori, Adalberto Maria Merli.
* Mario Nascimbene – Incontro d’amore

«Si volvemos a encontrarnos será sonriendo; si no entonces es que hacemos bien en despedirnos»

Un desesperanzado hombre bohemio de linaje aristocrático y acusado instinto autodestructivo, roído por un trágico pasado amoroso y por la sordidez de su posesiva relación conyugal, inicia un romance condenado al fracaso con una bella e infamada alumna del instituto de Rímini donde ejerce como profesor interino de historia del arte. Trazando el agorero itinerario emocional y psicológico del protagonista bajo una atmósfera de amarga e intensa melancolía, Valerio Zurlini sublimaba su distintiva confluencia entre nihilismo, exacerbación romántica y vacío existencial para reflexionar sobre la angustiosa zozobra de vivir y no sentirse amado, ni siquiera por uno mismo. Un largometraje nutrido de numerosas referencias culturales (incluso el título evoca un verso de Goethe) que sobresale por una puesta en escena densa, opresiva y abyecta, de apariencia espectral y esencia casi fúnebre, y gratifica al espectador con una matizada actuación de Alain Delon, abanderando un espléndido conjunto de intérpretes y dando réplica a una hermosa Sonia Petrovna, en el papel más importante de su carrera como actriz.

Otras películas determinadas por un estado de ZOZOBRA existencial

El hombre del oeste – Anthony Mann (1958)
Otra mujer – Woody Allen (1988)
Lejano – Nuri Bilge Ceylan (2002)

NARCISISMO (El rostro impenetrable)

Amor que se dirige un sujeto a sí mismo. Toma su nombre del mito griego de Narciso, que se enamoró de su propia imagen reflejada en el agua y se ahogó al intentar besarla (…) Si bien se puede aludir a una serie de rasgos propios de la personalidad normal, el narcisismo puede también manifestarse como una forma patológica extrema en algunos desórdenes de la personalidad, como el trastorno narcisista de la personalidad, en que el paciente sobrestima sus habilidades y tiene una necesidad excesiva de admiración y afirmación. En su uso coloquial designa un enamoramiento de sí mismo o vanidad basado en la imagen propia o ego. (Wikipedia)

«Nunca confío en un narcisista, pero a ellos les encanto yo, así que los toco como a un violín. Y hago que parezca, oh, tan fácil. Porque por cada mentira que les cuento, ellos me cuentan tres. Así es como funciona el mundo, ahora él solo piensa en mí, y puedo sentir las llamas sobre mi piel, carmín rojo carmesí sobre mis labios. Si un hombre habla mal de mí, entonces no le debo nada, porque él se lo buscó» (canción I did something bad)
Taylor Swift (1989-) Cantante, compositora, productora y actriz estadounidense

EL ROSTRO IMPENETRABLE (One-eyed Jacks) – 1961

Director Marlon Brando
Guion Guy Trosper y Calder Willingham
Fotografía Charles Lang
Música Hugo Friedhofer
Producción Paramount/Pennebaker Productions
Nacionalidad Estados Unidos
Duración 141m. Color
Reparto Marlon Brando, Karl Malden, Pina Pellicer, Katy Jurado, Ben Johnson, Slim Pickens, Larry Duran, Sam Gilman, Timothy Carey, Elisha Cook Jr.

«Tu odio es para ti más importante que todo, incluso que nuestras vidas. Y estás dispuesto a hacer lo que sea para borrar el recuerdo de aquello. Hasta matar.»

Sus graves discrepancias con Stanley Kubrick impulsaron a Marlon Brando a despedir en pleno rodaje al titán del cine para asumir él mismo las riendas de esta adaptación de la novela The authentic death of Hendry Jones de Charles Neider, acerca de la vil obcecación que guía hasta Monterrey a un melancólico forajido (tras pasar cinco años en el presidio de Sonora) con el único propósito de vengar la traición sufrida por un antiguo compinche, convertido ahora en íntegro representante de la ley. Un western romántico de polvorienta ambivalencia moral, rotunda violencia intrínseca y ostensible complacencia narcisista, atemperadas por un primoroso esplendor visual y paisajístico (fascinante deviene el insólito contraste entre el desierto y las playas del océano Pacífico), que no acabó obteniendo el reconocimiento que merecía por anticiparse taxativamente a su tiempo. En su única película como realizador, el intransigente Brando triplicó el presupuesto inicial, llegando a presentar un primer montaje de ¡cinco horas!, y tuvo el privilegio de dirigir al gran Karl Malden en su primer papel de malvado.

Otras películas que pueden ser vistas como un ejercicio de NARCISISMO

El fuera de la ley – Clint Eastwood (1976)
Querido diario – Nanni Moretti (1993)
Buffalo’66 – Vincent Gallo (1998)

PROTAGONISTA (La vida íntima de Julia Norris)

Personaje principal de una obra de ficción, ya sea literaria, cinematográfica o de otro tipo (…) El protagonista lleva a cabo las acciones más importantes de la historia. Sin su participación, la trama carecería de sentido. (definicion.de)

«Una buena novela nos dice la verdad sobre su protagonista, pero una mala nos dice la verdad sobre su autor»
Gilbert Keith Chesterton (1874-1936) Escritor y periodista británico

LA VIDA ÍNTIMA DE JULIA NORRIS (To each his own) – 1946

Director Mitchell Leisen
Guion Jacques Théry y Dodie Smith
Fotografía Daniel L. Fapp
Música Victor Young
Producción Paramount
Nacionalidad Estados Unidos
Duración 118m. B/N
Reparto Olivia de Havilland, John Lund, Mary Anderson, Roland Culver, Philip Terry, Virginia Welles, Bill Goodwin, Victoria Horne.
* Kay Kaiser and his Orchestra – Three little fishies

«El más misterioso misterio está en las personas y, por lo general, en las personas que no aparentan ser misteriosas»

Enternecedor e imborrable melodrama, competentemente escrito y producido por Charles Brackett, que centraba su urdimbre argumental en la historia de una pretendida joven veinteañera, que, debido a los prejuicios sociales inherentes al provincianismo estadounidense en plena Gran Guerra, decide encubrir su condición de madre ante su propio hijo ilegítimo, haciéndose pasar por su tía. A partir de esta espinosa anécdota temática, propensa a incurrir en el más sensiblero y lacrimógeno folletín, Mitchell Leisen compuso mediante largos flashbacks una de las piezas dramáticas más delicadas y emotivas que ha dado el cine norteamericano de los cuarenta, exhibiendo destellos de su infravalorada honradez estilística y legando para la posteridad un tramo final absolutamente mágico y conmovedor. Olivia de Havilland resolvió con persuasiva distinción un complicado retrato femenino que incidía en su coraje, determinación y loable capacidad emprendedora para abarcar veinticinco años de sufrimiento, frustración y renuncia a unos derechos del todo irreemplazables.

Otras películas que sobresalen por la descollante actuación de su PROTAGONISTA

Las noches de Cabiria – Federico Fellini (1957) / Giuletta Masina
Lawrence de Arabia – David Lean (1962) / Peter O’Toole
Mi pie izquierdo – Jim Sheridan (1989) / Daniel Day-Lewis