Drama romántico

ESTRELLATO (La condesa descalza)

Condición o situación de la persona, en especial del artista de cine, que ha alcanzado la fama y se ha convertido en una estrella. (google.es)

«El estrellato es mejor que cualquier droga que haya probado y más intenso que el mejor sexo que haya tenido»
Noel Gallagher (1967-) Guitarrista, compositor y cantante de la banda inglesa Oasis

LA CONDESA DESCALZA (The barefoot contessa) – 1954

Director Joseph L. Mankiewicz
Guion Joseph L. Mankiewicz
Fotografía Jack Cardiff
Música Mario Nascimbene
Producción Figaro/Rizzoli-Haggiag/Transoceanic Film/United Artists
Nacionalidad Estados Unidos/ Italia
Duración 128m. Color
Reparto Humphrey Bogart, Ava Gardner, Edmond O’Brien, Rossano Brazzi, Marius Göring, Valentina Cortese, Franco Interleghi.
* Mario Nascimbene – Death of Maria

«Si ha nacido actriz, yo la ayudaré. El arte no se aprende, se nace con él»

Al igual que ya había hecho con el mundo de Broadway en EVA AL DESNUDO, Mankiewicz diseccionó su todavía más cercano universo cinematográfico en este mítico melodrama que permanece como una de las más precisas, bellas e incisivas fábulas jamás concebidas a partir del inflexible hechizo que envuelve a la prepotente y desalmada maquinaria hollywoodiense. La recomposición en tres acertados flashbacks del ascenso y caída de una bailarina flamenca de Madrid, convertida en una brillante estrella pese a que ella únicamente ambicionaba ser feliz, fundamentaba su magnetismo en un guion original pletórico de diálogos de un amargo e inspirado sarcasmo, una puesta en escena impecable (refrendada por una extraordinaria fotografía en color del maestro Jack Cardiff) y unas interpretaciones soberbias de Bogart, O’Brien y Gardner, ésta última en la cúspide de su popularidad. Filmada principalmente en Roma, con cierto alboroto y numerosos inconvenientes económicos, padeció un recibimiento crítico nada benévolo, aunque el paso del tiempo ha hecho como siempre justicia para conferirle la categoría de obra de culto.

Otras películas que ofrecen una amarga e implacable reflexión sobre el ESTRELLATO

Ha nacido una estrella – George Cukor (1954)
En la cuerda floja – James Mangold (2005)
La vida en rosa – Olivier Dahan (2007)

SEGMENTO (La casa en la sombra)

1. Trozo o parte cortada o separada de una cosa.
2. Parte que junto con otras se encuentra formando un todo. (google.es)

“En toda obra hay altibajos. Hay momentos de ascenso y de caída y eso es lo único que puede reflejar la poesía, porque la vida es así. A un segmento de caída sucede otro de plenitud”
Roberto Juarroz (1925-1995) Poeta, bibliotecario, crítico y ensayista argentino

LA CASA EN LA SOMBRA (On dangerous ground) – 1951

Director Nicholas Ray
Guion A.I. Bezzerides
Fotografía George E. Diskant
Música Bernard Herrmann
Producción RKO
Nacionalidad Estados Unidos
Duración 82m. B/N
Reparto Robert Ryan, Ida Lupino, Ward Bond, Charles Kemper, Ed Begley, Cleo Moore, Anthony Ross, Ian Wolffe, Frank Ferguson.

«La ciudad también puede ser solitaria. A veces las personas que nunca están solas son las más solitarias»

Popularmente desacreditada, incluso por su autor, esta escurridiza y deficitaria producción de John Houseman emerge hoy como una de las obras más personales de Nicholas Ray, pues recapitula sus principales constantes estilísticas y temáticas, entre ellas, una puesta en escena realista, lacónica y elegante, unos personajes coléricos y acorralados por su propia taciturnidad y una privativa acepción moral y poética de la violencia. Basada en la novela Mad with much heart de Gerald Butler, se divide en dos partes claramente desemejantes: un primer tramo acorde con las pautas del cine negro, donde se ofrece un riguroso retrato del prototípico policía urbano irascible, consumido y desacomodado, y, un segundo segmento localizado en una nevada zona montañosa, que contrapone la investigación de la muerte de una joven a un desaforado proceso de piedad, amor y redención espiritual. Acrecentada por la enfática música de Bernard Herrmann y el loable trabajo de la pareja protagonista, constituye una sencilla reflexión sobre ese aislamiento emocional que padece todo ser humano en algún u otro momento de su existencia.

Otras películas que presentan dos SEGMENTOS bien diferenciados

El sargento York – Howard Hawks (1941)
La chaqueta metálica – Stanley Kubrick (1987)
Melancolía – Lars Von Trier (2011)

FÁBULA (Una historia inmortal)

Relato o composición literaria en prosa o en verso que proporciona una enseñanza o consejo moral. (google.es)

«Todo líder ha de entender la fábula de la rana y el escorpión. Hay pastores, hay ovejas y hay lobos. Y un líder prudente tiene que entender que hay lobos tan listos que han aprendido a disfrazarse de ovejas»
Jim Rohn (1930-2009) Empresario estadounidense, autor y orador motivacional

UNA HISTORIA INMORTAL (Une histoire immortelle) – 1968

Director Orson Welles
Guion Orson Welles
Fotografía Willy Kurant
Música Erik Satie
Producción Albina Productions/ORTF
Nacionalidad Francia
Duración 62m. Color
Reparto Orson Welles, Jeanne Moreau, Roger Coggio, Norman Eshley, Fernando Rey.
* Erik Satie – Gnossienne No. 1

“Es muy duro querer algo hasta el punto de no ser capaz de vivir sin ello. Si no lo consigues, es duro. Y si lo consigues, es más duro aún”

Absorbente traslación del relato The inmortal story de Isak Dinesen, inicialmente producido para la televisión francesa, que versaba en torno a la corrupta e indecorosa frustración del poder económico asistiendo a la tragedia de un mezquino y enmohecido magnate americano, cautivo de su oscuro pasado en el recóndito Macao colonial del siglo XIX (recreado en la plaza y ciertas calles de la localidad madrileña de Chinchón) y obcecado en convertir en realidad una popular leyenda marinera de índole adúltera. Se trata de una velada parábola de la creación artística, aprestada a constatar la irreverente imposibilidad de apropiarse de los sueños, cuya evidente capacidad de fascinación residía en una puesta en escena de autocomplaciente sabiduría, que, por primera vez en la obra del genial cineasta, adecuaba a una fotografía en color sus imposibles planos oblicuos, su particular empleo de los espejos o sus recurrentes juegos de luces y sombras. A destacar la siempre gratificante presencia de Jeanne Moreau, así como la cautivadora pieza para piano de Erik Satie utilizada como acompañamiento musical.

Otras películas presentadas a modo de FÁBULA

Cuentos de la luna pálida de agosto – Kenji Mizoguchi (1953)
Bienvenido Mr. Chance – Hal Ashby (1979)
Chocolat – Lasse Hallström (2000)

COMPARTIMENTO (El expreso de Shanghai)

Departamento de un vagón de tren. (Espasa-Calpe)

«Walter interpreta a Bruno como una persona atrevida y seductora, que se le sienta demasiado cerca en el primer encuentro, y que luego se inclina por completo hacia Guy en el compartimento privado. El encuentro en el tren, que probablemente fue planeado por Bruno, parece más un ejercicio de seducción deliberado que un encuentro casual» (sobre Extraños de un tren)
Roger Ebert (1942-2013) Crítico cinematográfico estadounidense

EL EXPRESO DE SHANGHAI (Shanghai express) – 1932

Director Josef Von Sternberg
Guion Jules Furthman
Fotografía Lee Garmes
Música W. Franke Harding
Producción 79m. B/N
Nacionalidad Estados Unidos
Reparto Marlene Dietrich, Clive Brook, Anna May Wong, Eugene Pallette, Warner Oland, Lawrence Grant, Louise Closer Hale, Emile Chautard.

«Hizo falta más de un hombre para cambiar mi nombre por el de Shanghai Lily»

Sofisticado melodrama pasional ambientado en una China en plena revolución, prodigiosamente reconstruida en estudio, que constituye la auténtica consumación del anómalo preciosismo estético que dominó las seis películas hollywoodienses que Josef Von Sternberg realizó junto a su musa Marlene Dietrich tras EL ÁNGEL AZUL (1930), además de significar el mayor triunfo comercial de todas ellas. La redención amorosa de una bohemia y efusiva dama mundana en el transcurso de un perturbador recorrido en tren desde Pekín a Shanghai, permitiría plasmar no sólo el sugerente sentido del erotismo y el exacerbado barroquismo visual de autor, sino, también, el apasionado potencial dramático de su actriz fetiche, cuya egocéntrica y glamourosa belleza quedó inmortalizada con absoluta generosidad. Una película maliciosamente dialogada, de exigua intriga y atmósfera envolvente, donde resaltaba la fastuosidad decorativista de Hans Dreier, la asombrosa fotografía de Lee Garmes (concebida con la indispensable colaboración del director alemán) y, por último, el exótico atractivo de Anna May Wong.

Otras películas en las que parte de su metraje transcurre en un COMPARTIMENTO

Alarma en el expreso – Alfred Hitchcock (1938)
Tren de noche – Jerzy Kawalerowicz (1959)
Asesinato en el Orient Express – Sidney Lumet (1974)

HOTEL (Mesas separadas)

Establecimiento o asentamiento en el cual se hospeda o se acoge a los huéspedes o viajeros, que pagan por su alojamiento, comida y otra serie de servicios. (conceptodefinicion.de)

«Te recuerdo claramente en el Hotel Chelsea. Ya eras famosa, tu corazón era una leyenda. Volviste a decirme que preferías hombres bien parecidos, pero que por mí harías una excepción» (canción Chelsea Hotel)
Leonard Cohen (1934-2016) Poeta, novelista y cantautor canadiense

MESAS SEPARADAS (Separate tables) – 1958

Director Delbert Mann
Guion John Gay y Terence Rattigan
Fotografía Charles Lang
Música David Raksin
Producción United Artists
Nacionalidad Estados Unidos
Duración 108m. B/N
Reparto David Niven, Burt Lancaster, Rita Hayworth, Deborah Kerr, Wendy Hiller, Gladys Cooper, Rod Taylor, Audrey Dalton.
* Vic Damone – Separate tables

«Lo lamentable cuando se defiende lo justo, lo que se cree justo, es que frecuentemente se encuentra uno con aliados muy sospechosos»

Los dos mejores largometrajes que Delbert Mann realizó en su continua alternancia con el medio televisivo fueron MARTY (1955) y este otro melodrama teatral de modulada hondura dramática, circunscrito al añejo y decadente moralismo victoriano post-bélico, que congregaba en el modesto Hotel Beauregard de la localidad costera inglesa de Bournemouth a una variopinta partida de huéspedes fijos para exorcizar sus temores, amarguras y frustraciones en tan solo una noche y una mañana de otoño. Vistoso reparto, abanderado por un David Niven inmenso, para una reposada reflexión sobre el miedo a la soledad, a la vejez y a la falta de afecto, que fusionaba dos piezas teatrales de Terence Rattigan: Table by the window, adecuada para reflexionar sobre la segunda oportunidad en el amor a resultas del reencuentro entre un escritor con querencia a la bebida y su atractiva exmujer, y, Table number seven, audaz en su determinación a la hora de incidir en el tema de la represión sexual a partir de la atracción que una joven retraída y dominada por su madre profesa por un militar británico jubilado.

Otras películas ambientadas en un HOTEL

Gran Hotel – Edmund Goulding (1930)
Muerte en Venecia – Luchino Visconti (1971)
Lost in translation – Sofia Coppola (2003)