Drama familiar

ALTRUISMO (¡Qué bello es vivir!)

Tendencia a procurar el bien de las personas de manera desinteresada, incluso a costa del interés propio. (google.es)

“Descubrir la energía interior y entregarla para renovar el mundo; he aquí el altruismo.”
Rafael Barrett (1876-1910) Escritor y periodista español

¡QUÉ BELLO ES VIVIR! (It’s a wonderful life) – 1946

Director Frank Capra
Guion Frank Capra, Frances Goodrich y Albert Hackett
Fotografía Joseph Walker y Joseph Biroc
Música Dimitri Tiomkin
Producción RKO/Liberty Films Inc.
Nacionalidad Estados Unidos
Duración 130m. B/N
Reparto James Stewart, Donna Reed, Lionel Barrymore, Thomas Mitchell, Henry Travers, Beulah Bondi, Frank Faylen, Ward Bond, Gloria Grahame.

“La vida de cada hombre afecta a muchas vidas. Y cuando él no está, deja un hueco terrible.”

Con el fin de concienciar y animar a la entonces alicaída población estadounidense nació esta maravillosa comedia dramática con tintes fantásticos, inspirada en un relato de ecos dickensianos que Philip Van Doren adjuntó en sus tarjetas navideñas de 1943, que perdura como el clásico por excelencia de estas fechas tan familiares y, aún hoy, despunta como inexcusable piedra de toque para todo aquel que decida poner a prueba sus glándulas lacrimales. Esta positivista fábula capriana sobre el altruismo, la solidaridad y el espíritu de superación, este pedagógico elogio de la sencillez como aspiración vital, reproducía en un largo flashback la razón del mandato divino encomendado a un ángel de segunda clase sin alas, es decir, la gravosa pugna contra la adversidad y la injusticia social que induce al suicidio en Nochebuena a un generoso y responsable prestamista de Bedford Falls (Connecticut). Modélica en lo referente a construcción de guion, puesta en escena y sentido narrativo, presumía además de un reparto de campanillas liderado por un inmenso Stewart -tras cinco años de ausencia por servir a la patria como piloto de bombardero- y enaltecido por el gran Lionel Barrymore, que actuaba en silla de ruedas debido a una parálisis sufrida en 1939.

Otras películas sobre el ALTRUISMO

Barbarroja – Akira Kurosawa (1965)
Gandhi – Richard Attenborough (1982)
Diarios de motocicleta – Walter Salles (2004)

CONCLUSIÓN (El mundo de Apu)

En el aspecto literario, la conclusión es considerada una de las tres partes centrales de cualquier obra: inicio, desarrollo y conclusión. Del mismo modo, en este caso la conclusión es la parte final en la cual se cierran todas las historias y se llega a una última instancia del relato, instancia en la que se observa el resultado de los hechos descriptos y relatados de manera previa a lo largo de la historia. (definicionabc.com)

“Es mejor debatir una cuestión sin llegar a concluirla, que llegar a una conclusión sin debatirla”
Joseph Joubert (1754-1824) Moralista y ensayista francés

EL MUNDO DE APU (Apu sansar) – 1959

Director Satyajit Ray
Guión Satyajit Ray
Fotografía Subatra Mitra
Música Ravi Shankar
Producción Satyajit Ray Productions
Nacionalidad India
Duración 117m. B/N
Reparto Soumitra Chatterjee, Sharmila Tagore, Alok Chakravarty, Swapan Mukherjee, Sefalika Devi, Dhiresh Majumdar, Shanti Bhattacherjee.

«Déjame abrir la jaula del corazón, romper los recios muros de uno mismo y la oscura y amarga prisión de la mente, para precipitarme en el éxtasis del placer y fluir hasta los lejanos confines del mundo»

Sustancial y apasionante conclusión de la célebre «Trilogía de Apu», enteramente inspirada en la popular novela de Bibhutibhushan Bandyophadyay, con la que Satyajit Ray rubricaría una de las páginas más hermosas e imperecederas de la historia del cine mundial. Una vez descompuesta la infancia y adolescencia del personaje protagonista, el magistral realizador hindú se aprestaba ahora a reseñar los infortunados contratiempos que la providencia había reservado para una madurez marcada por su inconstante dedicación a la literatura, su matrimonio con la hermana de un amigo de la universidad o la pungente relación afectiva que le vinculará a su primogénito. La película, además de dibujar la realidad social en la gran urbe de Calcuta con una metódica franqueza naturalista y perseverar en la concesión a la figura del tren de una substancial e inmanente carga simbólica, emanaba sencillez, delicadeza e inusitado vigor poético por sus cuatro costados y embellecía su ya de por sí primoroso tratamiento plástico con un empaque humano de incandescente sensibilidad.

Otras películas que ejercen como CONCLUSIÓN de una trilogía cinematográfica

La condición humana III: La plegaria del soldado – Masaki Kobayashi (1961)
Tres colores: Rojo – Krzysztof Kieslowski (1994)
El señor de los anillos: El retorno del rey – Peter Jackson (2003)

MELODRAMA (Escrito sobre el viento)

El término melodrama, similar al drama pero con varios personajes, tiene el significado literal de obra teatral dramática en la que se resaltan los pasajes sentimentales mediante la incorporación de música instrumental. Con cualquier tipo de obra teatral, cinematográfica o literaria cuyos aspectos sentimentales, patéticos o lacrimógenos estén exagerados con la intención de provocar emociones en el público (…) En el cine, abarca películas que tienen una carga emocional o moral muy fuerte o emotiva, atendiendo al gusto de cada persona. Son películas dramáticas que buscan ser lo más realistas posibles dando un significado y connotación humana. (Wikipedia)

“Si usted cree, como los griegos, que el hombre está a merced de los dioses, debe escribir tragedias. El fin es inevitable desde el principio. Pero si cree que el hombre puede resolver sus propios problemas y que no está a merced de nadie, entonces probablemente escriba melodramas”
Lillian Hellman (1905-1984) Dramaturga estadounidense

ESCRITO EN EL VIENTO (Written on the wind) – 1956

Director Douglas Sirk
Guion George Zuckerman
Fotografía Russell Metty
Música Frank Skinner
Producción Universal
Nacionalidad Estados Unidos
Duración 99m. Color
Reparto Rock Hudson, Lauren Bacall, Robert Stack, Dorothy Malone, Robert J. Wilke, Robert Keith, Grant Williams, Edward Platt, John Larch.

«A la belleza, a la verdad, que es todo menos bella»

Condensada y embriagadora adaptación de una novela original de Robert Wilder que representa la quintaesencia del melodrama hollywoodiense de los cincuenta por el grumo de intensidad, paroxismo y desesperanza con el que se abordó su desaforado argumento y el rabiosamente tornasolado tratamiento visual que Douglas Sirk y el operador Russell Metty supieron infundir a su estilizada puesta en escena. La decadente crónica familiar de unos magnates petrolíferos de Texas enfrentados por sus turbulentas e ilícitas pasiones fue visceralmente subvertida en un absorbente catálogo de odios, celos e insatisfacciones amorosas sumergidas en alcohol para plantear el fatídico desmoronamiento de la sociedad pudiente norteamericana y corroborar, una vez más, la tortuosa y aciaga concomitancia entre el poder material y el sexo. Magnífica dirección de actores, encabezados por el actor fetiche del realizador (Rock Hudson) y entre los que sobresale la explosiva Dorothy Malone (que protagonizaba uno de los bailes más sensuales, morbosos y deletéreos jamás vistos en una pantalla) para un film icónico que se erigiría en semillero de futuras sagas televisivas: DALLAS, DINASTÍA, etc.

Otras obras maestras del MELODRAMA cinematográfico

Lo que el viento se llevó – Victor Fleming (1939)
Tú y yo – Leo McCarey (1957)
Esplendor en la hierba – Elia Kazan (1961)

DACHA (Quemado por el sol)

Casa de campo, habitualmente de una familia urbana, que se usa estacionalmente. Se puso de moda entre la clase media rusa desde finales del siglo XIX, lo que se reflejó en ‘El jardín de los cerezos’, famosa obra de teatro escrita por Antón Chéjov en 1904. Generalmente pequeñas, incluso en algunos casos se trata de simples cabañas de madera que sólo se pueden utilizar en el verano, cuando los intensos fríos del invierno ceden. Sin embargo, también puede tratarse de casas de gran tamaño, varias plantas y numerosas comodidades (…) En la antigua Unión Soviética, la dacha se asociaba a las casas que usaban los altos dirigentes del Partido Comunista. (Wikipedia)

«Mirando los patios de las dachas vecinales, he ahí las hojas levantadas por el viento. La trepidación de las últimas libélulas, de la muerte presagiosos sueños.» (poema Las dachas en pleno otoño)
Valeri Briúsov (1873-1924) poeta, dramaturgo, traductor, crítico literario e historiador ruso

QUEMADO POR EL SOL (Utomlyonnye solntsem) – 1994

Director Nikita Mikhalkov
Guión Nikita Mikhalkov y Rustam Ibragimbekov
Fotografía Vilen Kalyuta
Música Eduard Artemyev
Producción Caméra One/Le Studio Canal+/Studio Trite
Nacionalidad Rusia/ Francia
Duración 152m. Color
Reparto Oleg Menshikov, Ingeborga Dapkunaite, Nikita Mikhalkov, Nadezhda Mikhalkova, Svetlana Kryuchkova, Vyacheslav Tikhonov.

«Pero un día, todo esto acabó: se acabó el café que tomaban en tazas como éstas, se acabaron las charlas y el croquet de la tarde, se acabaron las lecturas interrumpidas por los grillos. Acabaron las discusiones, las risas y todo lo demás. Acabaron porque llegó la guerra.»

Verano de 1936. Un distinguido coronel bolchevique disfruta plácidamente del retiro en su bucólica dacha, en compañía de su mujer y su hija, pero la imprevista visita de un viejo conocido provocará una conmoción catártica en sus vidas que extraerá toda la amargura, falsedad, resentimiento y contradictoria melancolía que en ellas se anida. Esta interesante premisa argumental sirvió a Nikita Mikhalkov para construir este melodrama reposado y contemplativo, donde proyectaba una férrea introspección moral sobre conceptos tan básicos como la mentira, la añoranza o la resignación ante el paso del tiempo a partir de una inexorable mirada al dramático período stalinista. El resultado final daría como fruto uno de los largometrajes más emocionantes, perturbadores y asimismo grandilocuentes de su filmografía, apoyado en unas espléndidas interpretaciones (con mención especial para su soberbio protagonista, Oleg Menshikov) y un crucial trabajo de fotografía, que invocaba a la grandeza y luminosidad de la naturaleza con apasionamiento, sensibilidad y un presuntuoso esteticismo.

Otras películas parcialmente ambientadas en una DACHA

Doctor Zhivago – David Lean (1965)
Solaris – Andrei Tarkovsky (1972)
Country visitors – Sergey Ursulyak (1995)

INGRATITUD (Cuentos de Tokio)

Forma de olvido y desprecio. Un egocentrismo tan exagerado que nos hace olvidar a aquellos que nos beneficiaron, que estuvieron con nosotros, que nos ayudaron. La ingratitud no reconoce el mérito ajeno ni los favores que recibe, muy lejos de ello, los ignora (…) La ingratitud es un mal hábito, una falta de generosidad que se convierte en uno de los tragos amargos y desagradables que los seres humanos tenemos que vivir, una mezcla de maldad y olvido, de egoísmo y frivolidad. Amigos del alma, conocidos, familiares allegados y no tanto, y muchas veces padres, hijos, cónyuges pueden perpetrar ese acto que tanto cuesta procesar. http://quesignificado.com/ingratitud/

“Cualquier tipo de maldad es el trueno; la ingratitud es el rayo. El trueno asusta, pero el rayo mata.”
José Luis Coll (1931-2007) Actor, humorista y escritor español

CUENTOS DE TOKIO (Tokyo monogatari) – 1953

Director Yasujiro Ozu
Guión Yasujiro Ozu y Kôgo Noda
Fotografía Yushun Atsuta
Música Takinori Saito
Producción Shochiku
Nacionalidad Japón
Duración 140m. B/N
Reparto Chishu Ryu, Chiyeko Higashiyama, Setsuko Hara, So Yamamura, Haruko Sugimura, Kinoko Niyake, Kyoko Kagawa.

«Perder a los hijos debe ser terrible, pero vivir con ellos no es fácil. Casi nunca sabes si haces bien o mal. Es un complicado dilema.»

La película más popular en Occidente del creador más representativo de la cultura nipona, catalogada entre las grandes obras maestras de la historia por su sabiduría, vigencia y universalidad, pormenorizaba con quietud y sencillez descriptiva la frustrante y descorazonadora cuota de ingratitud, egoísmo y displicencia aplicada a una pareja de ancianos rurales durante la visita que efectúan a sus hijos, establecidos en la capital y ensimismados en sus agobiantes menesteres laborales. Este riguroso análisis de la desunión familiar a causa de la brecha generacional, el alejamiento geográfico y, sobre todo, el severo pero inevitable deterioramiento afectivo que se acumula con el transcurir de los años fue desgranado por Ozu con la gama de recursos narrativos que caracterizaría toda su obra: entre ellos, la aplicación de largos planos y misteriosos encuadres vacíos o una peculiar disposición de la cámara, prácticamente inmóvil y a poca altura del suelo. El portentoso Chishu Ryu, manifiesto alter-ego del cineasta, volvería a ejercer como abanderado interpretativo de este drama social cotidiano de obligatorio visionado, ungido a despabilar la conciencia humana e inducir a reflexiones de profundo calado.

Otras películas que reflexionan sobre la INGRATITUD de los hijos frente a sus progenitores

Dejad paso al mañana – Leo McCarey (1937)
Alma en suplicio – Michael Curtiz (1945)
Nebraska – Alexander Payne (2013)