Drama familiar

AGONÍA (Gritos y susurros)

1. Período de transición entre la vida y la muerte, que se caracteriza por la subsistencia de algunas funciones vitales (respiratoria, circulatoria y nerviosa) y por la desaparición de las funciones intelectuales.
2. Angustia o padecimiento intensos. (google.es)

“La agonía física, biológica, natural, de un cuerpo por hambre, sed o frío, dura poco, muy poco, pero la agonía del alma insatisfecha dura toda la vida.”
Federico García Lorca (1898-1936) Poeta, dramaturgo y prosista español

GRITOS Y SUSURROS (Viskningar och rop) – 1972

Director Ingmar Bergman
Guion Ingmar Bergman
Fotografía Sven Nykvist
Música Frédéric Chopin y Johann Sebastian Bach
Producción Svenska Filminstituten/Cinematograph AB
Nacionalidad Suecia
Duración 90m. Color
Reparto Harriet Andersson, Ingrid Thulin, Liv Ullmann, Kari Sylwan, Erland Josephson, Anders Ek, Inga Gill, Henning Moritzan, Georg Arlin.

«Ruega por nosotros, que permanecemos en esta tierra oscura y sucia, bajo un cielo vacío y cruel. Descarga tu fardo de dolor a los pies de Dios y pídele que nos conceda su perdón. Pídele que nos libre de nuestra angustia, de nuestro desasosiego, y de la profunda duda en que estamos sumidos. Pídele conceder un sentido a nuestras vidas.»

Las características obsesiones e inquietudes de Ingmar Bergman encontraron su pináculo en esta escalofriante y despiadada evocación de las angustias y connivencias de tres hermanas de divergentes personalidades y su fraternal criada, reunidas en la vieja casa familiar por el agónico cáncer de útero en fase terminal que padece una de ellas. Iluminada por Sven Nykvist con un rojo tan poderoso como penetrante, se fragmentaba en una serie de impactantes circunstancias sobre el doloroso pasado de sus cuatro protagonistas para afluir en una portentosa e insólita aproximación al desamparo afectivo y el desesperado temor ante la muerte. Un largometraje de múltiples sensaciones, abrumador y subyugante, nutrido de impresionantes primeros planos y silencios absolutamente sobrecogedores, que reunía a un grupo de actrices representativo de los tres grandes períodos de la obra bergmaniana (Andersson, Thulin y Ullmann, respectivamente), las cuales deambulaban sobre el inmaculado decorado para ofrecer unas composiciones en auténtico estado de gracia.

Otras películas que describen un proceso de AGONÍA

La vérité sur Bébé Donge – Henri Decon (1952)
Relámpago sobre agua – W.Wenders y N.Ray (1980)
La muerte de Luis XIV – Albert Serra (2016)

PECADO (La casa del ángel)

Transgresión voluntaria y con conocimiento de un precepto religioso. En Teología moral se lo considera ‘un acto malo, o la omisión culpable de un acto bueno obligatorio’. Por extensión, se denomina pecado a todo aquello que se aparta de lo recto y justo, o que falta a lo que es debido. (Wikipedia)

«Yo no sé si es prohibido, si no tiene perdón; si me lleva al abismo, solo sé que es amor. Yo no sé si este amor es pecado que tiene castigo, si es faltar a las leyes honradas del hombre y de Dios; solo sé que aturde la vida como un torbellino, que me arrastra, me arrastra a tus brazos en ciega pasión.» (canción Pecado)
Caetano Veloso (1942-) Músico y cantautor brasileño

LA CASA DEL ÁNGEL (La casa del ángel) – 1957

Director Leopoldo Torre Nilsson
Guion Leopoldo Torre Nilsson, Beatriz Guido y Martín Rodríguez Mentasti
Fotografía Aníbal González Paz
Música Juan Ehlert y Juan Carlos Paz
Producción Argentina Sonofilm S.A.C.I./Mayron Pictures
Nacionalidad Argentina
Duración 76m. B/N
Reparto Elsa Daniel, Lautaro Murúa, Guillermo Battaglia, Berta Ortegosa, Bárbara Mújica, Yordana Fain, Alejandro Rey, Lily Garcel.

«Los rezos, los rosarios o los ramilletes espirituales son necesarios. El pecado no es solo la muerte del alma, sino también la del cuerpo.»

Adaptación de la celebrada novela homónima de Beatriz Guido, escritora que a partir de entonces se convertiría en esposa y fructífera colaboradora de Torre Nilsson, que constituye una de las obras fundamentales no ya de su autor sino de la historia del cine argentino. Afianzando su particular obsesión temática por la decadencia de la burguesía porteña y su discutible defensa del honor, y, subrayando la traumática influencia que el fanatismo religioso y su pusilánime pavor a sucumbir al yugo del pecado ejercen en el ya de por sí conflictivo universo de la adolescencia, el polifacético autor bonaerense describía bajo una atmósfera de opresivo e irrespirable hermetismo la absurda represión educativa que padece la hija de unos influyentes hacendados, así como las consecuencias de la atracción clandestina y recíproca que ésta profesa hacia un brillante diputado liberal. Película de una esmerada capacidad técnica y formal, conectaba además con la realidad del momento gracias a un trasfondo político que le permitía embutir un astuto reproche al entonces vigente gobierno peronista.

Otras películas en cuyo argumento planea el miedo y la tentación al PECADO

La tía Tula – Miguel Picazo (1964)
Simón del desierto – Luis Buñuel (1965)
Las hermanas de la Magdalena – Peter Mullan (2002)

BECA (Aparajito [El invencible])

Aporte económico que se concede a aquellos estudiantes o investigadores con el fin de llevar a cabo sus estudios o investigaciones (…) El objetivo principal de las becas es el de dar la oportunidad a un alumno o grupo de alumnos que no tienen la posibilidad de financiar sus estudios y que aquel que le otorga la beca considera que tiene capacidades destacadas y que no debería perder la oportunidad de formarse. (Wikipedia)

«Matilde había sido siempre fea, trabajadora, decían que inteligente. Su familia era muy humilde. A costa de becas y de esfuerzos le habían pagado una carrera universitaria. Pero ella tenía un tipo refinado, de intelectual nata; un desparpajo natural, una autoridad que encubría cierta timidez muy oculta. A los 27 años Matilde no había tenido un solo pretendiente a sus encantos. Muy allá dentro sabía ella que esto no le hubiera importado lo más mínimo si no existiera esa manía, inculcada desde la cuna en las mujeres, de que han nacido para gustar a los hombres, y que si no su vida puede considerarse un puro fracaso.» (novela La isla y los demonios)
Carmen Laforet (1921-2004) Escritora española

EL INVENCIBLE (Aparajito) – 1956

Director Satyajit Ray
Guion Satyajit Ray
Fotografía Subatra Mitra
Música Ravi Shankar
Producción Epic Productions
Nacionalidad India
Duración 127m. B/N
Reparto Kanu Bannerjee, Karuna Bannerjee, Pinaki Sengupta, Sati Gupta, Sudipta Roy, Smaran Ghosal, Ramani Sengupta, Ranibala.

«No llores, Apu. Los padres no viven para siempre. Lo que tiene que pasar, pasa.»

Satyajit Ray abrió nuevas vías de expresión dentro de la tradicional, prolífica y acomodaticia cinematografía hindú con la artesanal realización de la denominada ‘Trilogía de Apu’, basada en la novela de Bibhutibhushan Bandyophadyay, que, aún hoy en día, sigue siendo considerada como uno de los mayores hitos en la historia del Séptimo Arte. Esta segunda entrega, encauzaba el naturalismo descriptivo de trasfondo sociológico y existencialista acuñado en LA CANCIÓN DEL CAMINO hacia la evolución psicológica del personaje protagonista con el propósito de narrar su adolescencia, desde la muerte de su hacendoso padre en Benarés hasta su dramático e inevitable alejamiento del amparo materno para proseguir su brillante carrera estudiantil en la universidad de Calcuta. Al igual que en la primera parte de la trilogía, los maravillosos acordes de Ravi Shankar punteaban con entusiasmo el enternecedor e intenso realismo poético que brotaba de sus imágenes, en esta ocasión, realzadas por Subatra Mitra con un sistema de ‘iluminación rebotada’ para acrecentar la sensación de luz natural.

Otras películas donde le conceden una BECA al personaje protagonista

Un yanqui en Oxford – Jack Conway (1938)
Las estrellas miran hacia abajo – Carol Reed (1940)
Shine – Scott Hicks (1996)

SORDIDEZ (Un sabor a miel)

1. Suciedad, pobreza, miseria.
2. Mezquindad, avaricia
3. Indecencia, inmoralidad, vileza. (2005 Espasa-Calpe)

«La vida continua, aun a su pesar, y la historia, como la vida, también sigue cociéndose en el puchero de la sordidez.»
Camilo José Cela (1916-2002) Escritor español

UN SABOR A MIEL (A taste of honey) – 1961

Director Tony Richardson
Guion Shelagh Delaney y Tony Richardson
Fotografía Walter Lassally
Música John Addison
Producción Woodfall
Nacionalidad Reino Unido
Duración 100m. B/N
Reparto Rita Tushingham, Dora Bryan, Robert Stephens, Murray Melvin, Paul Danquah, Moira Kaye, Herbert Smith, Valerie Scarden.

«Un poco de amor, un poco de placer, y terminas así… No pedimos la vida, nos arrojan a ella.»

Tras una primera y calamitosa experiencia en Hollywood, donde dirigió el impropio melodrama RÉQUIEM POR UNA MUJER (1961), Tony Richardson regresaba a su país para adecuar la celebrada pieza teatral de Shelagh Delaney en torno a las amargas y disonantes relaciones que una incomprendida muchacha mancuniana sostiene con un tierno y afable joven homosexual, un marinero negro que la deja embarazada y, sobre todo, su egoísta y libertina madre. El estilo naturalista de su puesta en escena, no exento de una cierta acepción poética, desbordaría con creces el entorno intimista de la historia hasta erigirse en un sórdido y contundente documento social que dislocaba el pensamiento puritano anglosajón al abordar sin tapujos temas tan ingratos para la época como la promiscuidad sexual; audacia, que, como era presumible, acarreó un sonado revuelo. Hermosa fotografía de Lassally y enternecedora composición de Rita Tushingham, digna representante femenina de los ‘jovenes airados’, para un film que ha empalidecido un tanto con los años pero que persiste como un digno exponente del ‘free cinema’.

Otras películas enmarcadas en un ambiente de SORDIDEZ

La golfa – Jean Renoir (1931)
Furtivos – José Luis Borau (1975)
No matarás – Krzysztof Kieslowski (1988)

TIRANÍA (Voces distantes)

Abuso o imposición excesiva de cualquier poder, fuerza o superioridad. (2005 Espasa-Calpe)

“Bajo ninguna tiranía desearía vivir, pero puestos a escoger detestaría menos la de uno solo que la de muchos: un déspota tiene siempre algún momento bueno; una asamblea de déspotas no lo tiene jamás”
Voltaire (1694-1778) Escritor, historiador, filósofo y abogado francés

VOCES DISTANTES (Distant voices, still lives) – 1988

Director Terence Davies
Guion Terence Davies
Fotografía William Diver y Patrick Duval
Música Varios
Producción BFI/Channel Four
Nacionalidad Reino Unido
Duración 82m. Color
Reparto Freda Dowie, Peter Postlehwaite, Angela Walsh, Dean Williams, Michael Starke, Lorraine Ashbourne, Antonia Mallen, Jean Boht.
* Ella Fitzgerald – Taking a chance on love

«Eso es todo lo que necesitamos, oírte cantar. Como si la vida no fuera suficiente purgatorio sin eso»

Terence Davies persistió en desarrollar la apasionada propensión a bucear en sus propios recuerdos que había exhibido en sus tres cortos precedentes y, para su primer largometraje, trazó un nostálgico, terso e inflexible retrato del hogar de clase obrera en el que transcurrió su infancia, contraponiendo la emotiva repercusión de determinados acontecimientos familiares a sus penurias económicas y a unas difíciles relaciones personales, marcadas por la brusquedad e ignorancia de la tiranía paterna. La sencillez de los medios de producción fue compensada por una inusitada destreza expositiva, que recurría al cancionero popular para reconstruir con auténtico rigor ambiental y ningún esmero cronológico la vida cotidiana del Liverpool de la posguerra y, con ella, homenajear a una sociedad y una cultura definitivamente extinguidas. Este particular mosaico de recuerdos y sensaciones, enriquecido por unas admirables composiciones, se prolongaría en 1992 gracias a una continuación igual de valiosa, evocadora y autobiográfica: EL LARGO DÍA SE ACABA.

Otros dramas familiares marcados por el yugo de la TIRANÍA paterna

El castillo de la pureza – Arturo Ripstein (1972)
Padre Patrón – Paolo y Vitorio Taviani (1977)
Carácter – Mike Van Diem (1997)