MISIONERO (Las llaves del reino)

Aquella persona cuyo objetivo principal es el anuncio del evangelio mediante obras y palabras entre aquellos que no creen. Esa forma de misión se desarrolla en lugares donde el evangelio no ha sido suficientemente anunciado o acogido, o en ambientes refractarios ubicados más allá de las propias fronteras donde se dificulta la prédica y aceptación del mensaje. (Wikipedia)

“El misionero es el enviado del Hijo de Dios, que predica la paz, que por doquiera difunde la caridad, y que ofrece felicidad a los que lo escuchan. Sólo para sí guarda los padecimientos.”
Jerónimo Usera (1810-1891) Religioso y misionero español

LAS LLAVES DEL REINO (The keys of kingdom) – 1944

Director John M. Stahl
Guion Nunnally Johnson y Joseph L. Mankiewicz
Fotografía Arthur C. Miller
Música Alfred Newman
Producción 20th Century Fox
Nacionalidad Estados Unidos
Duración 137m. B/N
Reparto Gregory Peck, Vincent Price, Thomas Mitchell, Roddy McDowall, Edmund Gwenn, Cedric Hardwicke, Anne Revere.

«La felicidad de uno depende de lo que haces, de lo que das y de lo que recibes»

La firme y atractiva presencia escénica de Gregory Peck empezó a cobrar notoriedad en la industria hollywoodiense gracias a este afectivo drama de poderosa exaltación religiosa, basado en una novela homónima escrita por A.J. Cronin a partir de ciertos elementos autobiográficos. Evidenciando su acreditada disposición formal y narrativa, John M. Stahl detallaba por medio de un largo flashback la esforzada trayectoria espiritual de un sacerdote escocés de personalidad tolerante, humilde y misericordiosa, desde un trágico acontecimiento de su niñez en 1878 hasta los albores de su jubilación sesenta años después, pasando por su difícil y prolongada labor como misionero evangelizador en una China tan convulsa como misérrima. Una solemne alegoría sobre la constancia, la capacidad de autosuperación y la entrega al prójimo, que encubría una más que implícita crítica a la iglesia católica al contraponer la sencillez, la benevolencia y el sentido común del personaje protagonista a la actitud hipócrita y egoísta del clero, siempre al abrigo de sus privilegios económicos e institucionales.

Otras películas protagonizadas por un/a MISIONERO/A

El albergue de la sexta felicidad – Mark Robson (1958)
La misión – Roland Joffé (1986)
Silencio – Martin Scorsese (2016)

MISERIA (Crónica de un niño solo)

Estrechez o pobreza extrema. (RAE)
Villa miseria. Nombre que se le da en Argentina a los asentamientos informales caracterizados por una densa proliferación de viviendas precarias que se ubican en tierras que originariamente no son propiedad de sus ocupantes. Son urbanizaciones (o autourbanizaciones) informales producto de ocupaciones de tierra urbana vacante. En su origen, tienen como características comunes la falta de servicios básicos, la precariedad de las viviendas, la irregularidad en la tenencia de la tierra. (Wikipedia)

«En 50 años la Argentina va a ser la villa miseria más grande del mundo.»
Javier Milei (1970-) Economista, político y docente argentino

CRÓNICA DE UN NIÑO SOLO (Crónica de un niño solo) – 1965

Director Leonardo Favio
Guion Leonardo Favio y Jorge Zuhair Jury
Fotografía Ignacio Souto
Música Arcángelo Corelli y Alessandro Marcello
Producción Real Films
Nacionalidad Argentina
Duración 79m. B/N
Reparto Diego Puente, Beto Gianola, Leonardo Favio, María Vaner, Tino Pascali, Cacho Espíndola, Victoriano Moreira.

“Usted es insoportable. Usted es una porquería. Usted es la manzana podrida. Usted me los corrompe a todos.”

Tras una prometedora carrera como actor secundario, Leonardo Favio decidió estrenarse como realizador con este drama social de corte autobiográfico, dedicado a su mentor Leopoldo Torre Nilsson, que sería escogido en el año 2000 como la mejor película argentina de la historia según una encuesta organizada por el Museo del Cine Pablo Ducrós Hicken de Buenos Aires. Rehuyendo el tránsito por senderos trillados o comerciales, incluso moralistas, dividía esta áspera mirada sobre la infancia marginal y quebrada en tres fragmentos claramente diferenciados: una primera parte de riguroso ascetismo bressoniano, enmarcada en un inflexible reformatorio para delincuentes menores de edad y rematada con una larga e impactante escena de fuga; una segunda fracción que arranca emulando el fugaz recorrido hacia la libertad de Antoine Doinel en LOS CUATROCIENTOS GOLPES y concluye con la alegórica fisicidad poética de un nudista baño fluvial de reminiscencias renoirianas, y un subyugante último segmento, ambientado en el decadente entorno de una villa miseria bonaerense.

Otras películas total o parcialmente ambientadas en una VILLA MISERIA

Suburbio – León Klimovsky (1951)
Detrás de un largo muro – Lucas Demare (1958)
Elefante blanco – Pablo Trapero (2012)

HETEROGENEIDAD (Laurence anyways)

Combinación, mezcla o composición de elementos de diversa naturaleza en un todo o conjunto. Se refiere a la integración de cualquier variedad, teniendo en cuenta que todos forman parte de un solo grupo, pero son diferentes entre sí. (wiktionary.org)

«La civilización es el progreso desde una homogeneidad indefinida e incoherente hacia una definida y coherente heterogeneidad.”
Herbert Spencer (1820-1903) Naturalista, filósofo, psicólogo, antropólogo y sociólogo británico

LAURENCE ANYWAYS (Laurence anyways) – 2012

Director Xavier Dolan
Guion Xavier Dolan
Fotografía Yves Bélanger
Música Varios
Producción Lyla Films/MK2 Productions
Nacionalidad Canadá/ Francia
Duración 168m. Color
Reparto Melvil Poupaud, Suzanne Clément, Nathalie Baye, Monia Chokri, Yves Jacques, Sophie Faucher, Patricia Tulasne, Antoine-Olivier Pilon.
* Moderat – A new era

«¿Alguna vez has comprado una peluca para tu novio? ¿Has pasado miedo por si le pegan en la calle y te lo devuelven destrozado?»

Tercer largometraje del apodado ‘enfant terrible’ del cine contemporáneo y, con casi toda seguridad, el ejemplo más paradigmático de su heterogeneidad estilística, de su apasionado carácter reivindicativo o de su persistente dialéctica entre los lazos familiares y la búsqueda de la identidad personal. A través de una enardecedora y a ratos grandilocuente miscelánea de registros dramáticos, texturas visuales e influencias sonoras, Xavier Dolan ubicaba a lo largo de toda la década de los noventa la imposible relación sentimental que vincula a una pareja de treinteañeros canadienses, dominada por el rechazo, la frustración y la incertidumbre afectiva desde el instante en el que él (profesor de literatura en un instituto privado) confiesa de forma inesperada su decisión de transitar de un sexo a otro. Abanderada por dos intérpretes en auténtico estado de gracia, deviene una tragicomedia posmoderna de intensa estética almodovariana tan audaz, preciosista y transgresora como pretenciosa, autocomplaciente e incluso desmesurada en cuanto a su generoso y poco justificado metraje.

Otras películas que evidencian la HETEROGENEIDAD estilística de su autor

Tirad sobre el pianista – François Truffaut (1960)
Todos nos llamamos Alí – Rainer W. Fassbinder (1975)
El corazón del ángel – Alan Parker (1987)

FONÉTICA (Pigmalión)

Disciplina lingüística que estudia los sonidos del habla humana, es decir, la realización y percepción física de los signos que componen la lengua (…) La fonética consiste, fundamentalmente, en una aproximación al aspecto físico del lenguaje verbal y a los distintos modos en que éste puede articularse, es decir, a la manera específica en que los hablantes de una misma lengua la ponen en práctica. (concepto.de)

«La fonética permanece, pero cambia la semántica. Facha, por ejemplo, era antes un insulto, pero hoy es un elogio. Cuando alguien me lo llama, me digo: Vas bien, Fernando, vas bien…»
Fernando Sánchez Dragó (1936-2023) Escritor y periodista español

PIGMALION (Pygmalion) – 1938

Director Anthony Asquith y Leslie Howard
Guion W.P. Lipscomb, Cecil Lewis, Ian Dalrymple y Anatole de Grunwald.
Fotografía Harry Stradling Sr.
Música William Axt y Arthur Honegger
Producción Pascal Film Productions
Nacionalidad Reino Unido
Duración 95m. B/N
Reparto Leslie Howard, Wendy Hiller, Wilfrid Lawson, Marie Lohr, Jean Cadell, David Tree, Everley Gregg, Esme Percy.

«He logrado que pronuncie correctamente, pero hay que considerar no solo cómo pronuncia sino lo que pronuncia.»

Hijo del político liberal Herbert Henry Asquith, Primer Ministro del Reino Unido entre 1908 y 1916, Anthony Asquith relanzó su carrera como cineasta al co-dirigir junto al actor Leslie Howard esta apreciable adaptación de la ingeniosa pieza teatral homónima de George Bernard Shaw, libremente inspirada en la romántica leyenda de la mitología griega entre el escultor Pigmalión y su estatua Galatea, que acabaría inscrita en los anales del cine gracias a la esplendorosa recreación en clave musical a cargo de George Cukor, MY FAIR LADY. Amparada en el buen quehacer interpretativo de sus protagonistas, planteaba una punzante sátira del sistema de clases británico al describir con un sutil sentido del humor el inesperado cambio vital que experimenta un solterón, vanidoso y avezado profesor de fonética tras apostar, que, en tan solo seis meses, es capaz de transformar a una soez e inculta florista del Covent Garden en una respetable dama de la alta sociedad a través de un plan de aprendizaje consistente en adquirir distinguidos modales, renovar el vocabulario y corregir la pronunciación.

Otras películas que guardan cierta relación con la FONÉTICA

Cantando bajo la lluvia – Stanley Donen y Gene Kelly (1952)
El chacal de Nahueltoro – Miguel Littín (1969)
Ocho apellidos vascos – Emilio Martínez-Lázaro (2014)

METRAJE (L’amour fou)

Material sin editar que ha sido tomado originalmente mediante una cámara de vídeo, y que normalmente es editado para crear la película, el vídeo musical, el programa de televisión, u otros trabajos completos similares. Más vagamente, metraje puede hacer referencia a todas las secuencias usadas en la filmación y en la edición del vídeo. Algunos expertos lo llaman también pietaje o código de tiempo. El metraje cinematográfico se refiere a las medidas tradicionalmente utilizadas en los medios ligados al cine, para medir la longitud de una película. (Wikipedia)

«Ya sea de forma solitaria, en pareja o de forma grupal, el cine ha logrado introducir la poesía en su metraje, buscando pretextos que permitan emitir unos versos hacia el espectador.» (artículo Cine y poesía: 5 formas de recitar un poema en una película)
Rafael Vidal Sanz (1989-) Periodista español

L’AMOUR FOU (L’amour fou) – 1969

Director Jacques Rivette
Guion Jacques Rivette y Marilú Parolini
Fotografía Étienne Becker y Alain Levent
Música Jean-Claude Eloy
Producción Les Films Marceau/Cocinor/Sogexportfilm
Nacionalidad Francia
Duración 255m. B/N
Reparto Bulle Ogier, Jean-Pierre Kalfon, André S. Labarthe, Josée Destoop, Dennis Berry, Michèle Moretti, Yves Beneyton.
* Otis Redding – Fa-Fa-Fa-Fa-Fa (Sad Song)

«Siento que de repente me he despertado. ¿Entiendes? (…) ¿Crees que estoy loca?»

En su tercera película, Jacques Rivette puso en práctica sus principios experimentales al cimentar sobre la improvisación actoral este audaz y vasto discurso sobre el enigma de la creación artística, que irrumpe como una de sus obras más elogiadas y actúa como esencial preámbulo a la mastodóntica OUT 1: NOLI ME TANGERE (1971), de casi trece horas de duración. El ilustre ideólogo fundacional de la nouvelle vague entrelazaba con impecable progresión dramática el desmoronamiento conyugal entre una actriz de teatro (rutilante Bulle Ogier) y su vanguardista director, en plenos preparativos de una versión de la tragedia griega Andrómaca de Jean Racine, filmado con lentes de 35mm, con los propios ensayos de la puesta en escena, registrados cámara en mano de 16mm por un equipo televisivo a cargo de André S. Labarthe. Una apasionada, densa y sinuosa dialéctica entre realidad y ficción, que sería afortunadamente restaurada a partir de materiales de distintas procedencias después de que el negativo original acabara destruido en 1973 a causa de un incendio.