Estados Unidos

TOXICOMANÍA (Drugstore cowboy)

Estado derivado del consumo habitual y excesivo de ciertas sustancias tóxicas, como la morfina, cocaína, heroína, alcohol, nicotina, barbitúricos, etc. La principal característica de las toxicomanías es la aparición del síndrome de abstinencia física o psíquica cuando su consumo se suprime bruscamente. (salud.doctissimo.es)

“Un toxicómano respeta poco su imagen. Usa la ropa más sucia y gastada y no siente ninguna necesidad de llamar la atención. Durante mi periodo de adicción en Tánger, me conocían como ‘El hombre invisible’.» (novela Queer)
William S. Burroughs (1914-1997) Novelista, ensayista y crítico social estadounidense

DRUGSTORE COWBOY (Drugstore cowboy) – 1989

Director Gus Van Sant
Guion Gus Van Sant y Daniel Yost
Fotografía Robert Yeoman
Música Elliot Goldenthal
Producción Avenue Pictures
Nacionalidad Estados Unidos
Duración 100m. Color
Reparto Matt Dillon, Kelly Lynch, James LeGros, Heather Graham, Eric Hull, Max Perlich, James Remar, John Kelly, Grace Zabriskie.
* Desmond Dekker – Israelites

«Te irás a la mierda. Es siempre igual. Mientras más consumas, mientras más tiempo lo hagas, más bajo caes. Tienes que encontrar tu propio fondo.»

Uno de los eslabones fundamentales del cine independiente norteamericano de los ochenta, y, sin lugar a dudas, el primer trabajo distinguido en la desigual e imprevisible carrera de su realizador. Las agónicas correrías criminales de una pandilla de jóvenes para sobrevivir a su voracidad toxicómana y, en particular, la tentativa de su cabecilla para erradicar su adicción, componían el sustrato argumental de este amargo, riguroso y distante acercamiento al fenómeno de la drogodependencia, que, rehusando cualquier impulso retórico o aleccionador y nutriéndose con precisas de humor, acaba por provocar en el espectador un impacto tan sincero como persuasivo. Inspirada en la homónima novela autobiográfica de James Fogle y convertida hoy en día en una obra de culto, abordaba el conflicto desde una perspectiva esperanzadora y retrospectiva (principios de la década de los setenta) para emparentarlo con el espíritu que enfervorizó la filosofía ‘beat’; de ahí la impagable aparición como secundario de una de las figuras más emblemáticas de la generación, William S. Burroughs.

Otras películas que tratan el tema de la TOXICOMANÍA

Gloria y hambre – William A. Wellman (1933)
Trainspotting – Danny Boyle (1996)
Réquiem por un sueño – Darren Aronofsky (2000)

ESTRATEGIA (La venganza de Ulzana)

Conjunto de acciones que se implementarán en un contexto determinado con el objetivo de lograr el fin propuesto (…) Una estrategia es plausible de ser aplicada y necesaria en diferentes ámbitos, como puede ser el militar y el empresarial. (definicionabc.com)

«Mi estrategia es que un día cualquiera, no sé cómo ni sé con qué pretexto, por fin me necesites.» (poema Táctica y estrategia)
Mario Benedetti (1920-2009) Escritor, poeta y dramaturgo uruguayo

LA VENGANZA DE ULZANA (Ulzana’s raid) – 1972

Director Robert Aldrich
Guion Alan Sharp
Fotografía Joseph F. Biroc
Música Frank De Vol
Producción Universal
Nacionalidad Estados Unidos
Duración 103m. Color
Reparto Burt Lancaster, Bruce Davison, Richard Jaeckel, Lloyd Bochner, Jorge Luke, Joaquín Martínez, Karl Swenson, Douglas Watson.

«El problema con los apaches es que tienes que prever lo que van a hacer. Si lo sabes tienes posibilidades. Obligaremos a Ulzana a atacar y lo contraatacaremos.»

Dos décadas después de realizar APACHE (1954), uno de los films precursores del western proindio, Robert Aldrich recurrió a un tema análogo para proporcionar uno de los títulos más duros, violentos y, al mismo tiempo, hermosos que nos legó el género a lo largo de la década de los setenta. Planteada en esta ocasión desde la óptica yanqui, la película pormenorizaba con una persuasión descriptiva de imperturbable contundencia la estratégica y accidentada persecución de un implacable jefe indio escapado de la reserva de San Carlos, el Ulzana del título, por parte de una patrulla de soldados de caballería comandada por un inexperto oficial y un veterano explorador mestizo, interpretado por un sensacional Burt Lancaster. El escéptico realizador norteamericano imprimiría al fragmentario guion de Alan Sharp (al parecer basado en hechos reales) un maduro clasicismo y ese tono desesperadamente crepuscular que por entonces ya determinaba las pautas del género, añadiendo a su característica agresividad un apropiado carácter didáctico en lo referente a las creencias y costumbres indígenas.

Otras películas donde se establecen distintos tipos de ESTRATEGIAS

Atraco perfecto – Stanley Kubrick (1956)
Salesman – A.Maysles, D.Maysles y C.Zwerin (1968)
La estrategia del caracol – Sergio Cabrera (1993)

CRUDEZA (Henry, retrato de un asesino)

1. Forma realista, desagradable y cruel con que se muestra un hecho o situación.
2. Falta de delicadeza o de amabilidad en el trato. (Larousse Editorial)

«Sin el arte, la crudeza de la realidad haría que el mundo fuera insoportable.»
George Bernard Shaw (1856-1950) Escritor irlandés

HENRY: RETRATO DE UN ASESINO (Henry: portrait of a serial killer) – 1986

Director John McNaughton
Guión John McNaughton y Richard Fire
Fotografía Charles Lieberman
Música Ken Hale y Steven A. Jones
Producción Maljack Productions
Nacionalidad Estados Unidos
Duración 83m. Color
Reparto Michael Rooker, Tracy Arnold, Tom Towles, Anne Bartoletti, Mary Demas, Kurt Naebig.

«Si disparas a la cabeza con un 45 cada vez que matas a alguien, eso se convierte en tu marca ¿comprendes? Pero si una vez estrangulas y la otra apuñalas, si otra vez degollas y la próxima no, la policía no sabe qué hacer. Piensan que hay cuatro asesinos.»

John McNaughton suscribió el más convincente trabajo en su trayectoria como realizador y uno de los más interesantes productos del cine fantástico de terror ochentero al reconstruir con malsana e impactante crudeza las espeluznantes tropelías del prolífico asesino en serie estadounidense Henry Lee Lucas, partiendo de la compleja relación/convivencia que mantuvo con el igualmente desequilibrado criminal Ottis Toole y, circunstancialmente, con la hermana de este último. Convertida hoy en día en una obra de culto, diseccionaba la personalidad del misógino psicópata con rotundidad dramática, cierta contundencia desmitificadora y un apabullante realismo de corte documental, consiguiendo escenas de una sordidez y una violencia tan extremas que depararon el bloqueo de la cinta por parte de la censura durante casi cuatro años pero, que, una vez ya exhibida, pasaron inmediatamente a engrosar la mitología del género. Cabe destacar la gélida pero aterradora inexpresividad de su protagonista, Michael Rooker, posiblemente, en la mejor y más celebrada caracterización de toda su carrera como actor.

Otras películas caracterizadas por la CRUDEZA con la que se exponen los hechos

Los olvidados – Luis Buñuel (1950)
Nobi (Fuego en la llanura) – Kon Ichikawa (1959)
Ladybird, ladybird – Ken Loach (1994)

PASADO (El hombre del Oeste)

1. Periodo de tiempo que es anterior al presente, o inmediatamente anterior al presente.
2. Conjunto de vivencias pasadas o de recuerdos de una persona. (Larousse Editorial)

“Si de verdad quieres ser feliz, no caigas en la tentación de comparar este momento con otros momentos del pasado, que a su vez no supiste gozar porque los comparabas con los momentos que habían de llegar.”
André Gide (1859-1961) Escritor francés

EL HOMBRE DEL OESTE (Man of the west) – 1958

Director Anthony Mann
Guion Reginald Rose
Fotografía Ernest Haller
Música Leigh Harline
Producción Ashton Productions
Nacionalidad Estados Unidos
Duración 100m. Color
Reparto Gary Cooper, Julie London, Lee J. Cobb, Arthur O’Connell, Jack Lord, Royal Dano, John Dehner, Robert Wilke, Jack Williams.

«Donde vivo, todos me conocen, saben lo que hice cuando trabajaba con el viejo. Lo saben todo y me han perdonado. Me costó mucho tiempo y esfuerzo, y ahora tengo que volver a las andadas. ¿Sabes qué siento por dentro?»

Penúltimo de los once substanciales y poderosos westerns que Anthony Mann legó al género a lo largo de los cincuenta, donde, por medio de un profundo aliento melancólico e intimista, se analizaba el ocaso de un pistolero regenerado en Arizona, que, por azarosas circunstancias, deberá enfrentarse a sus orígenes reincorporándose a la banda de forajidos donde forjó su porvenir. Nacida de un guion de Reginald Rose a partir de un relato de Will C. Brown en el que el realizador no confiaba demasiado, explotaba la zozobra existencial que fluctúa entre la rémora de un pasado nebuloso y el anhelo por alcanzar un futuro estable para distender una incertidumbre dramática tan psicológica como poética y reflexiva, cuyos momentos más álgidos residían en el violentado asomo de ‘striptease’ a cargo de Julie London o el inolvidable duelo terminal en la ciudad deshabitada. Injustamente menospreciada en su época, posee un espléndido tratamiento del Cinemascope y un excelente conjunto de intérpretes, encabezados por un sobrio y aguerrido Gary Cooper en una de sus últimas actuaciones.

Otras películas sobre la imposibilidad de librarse de un oscuro PASADO

El hombre del brazo de oro – Otto Preminger (1955)
El largo y cálido verano – Martin Ritt (1958)
Una historia de violencia – David Cronenberg (2005)

NOVIAZGO (Annie Hall)

Relación amorosa mantenida entre dos personas con o sin la intención de casarse, es un proceso por el cual dos personas desarrollan una asociación íntima más allá de la amistad. Las personas que mantienen un noviazgo se llaman novios/as. (Wikipedia)

“Si realmente el noviazgo es el período más bello de todos, ¿por qué se casan las personas?”
Søren Kierkegaard (1813-1855) Filósofo y teólogo danés

ANNIE HALL (Annie Hall) – 1977

Director Woody Allen
Guion Woody Allen
Fotografía Gordon Willis
Música Varios
Producción United Artists
Nacionalidad Estados Unidos
Duración 93m. Color
Reparto Woody Allen, Diane Keaton, Tony Roberts, Carol Kane, Paul Simon, Shelley Duvall, Christopher Walken, Jeff Goldblum, Janet Margolyn.
* Tommy Dorsey – Sleepy lagoon

«Una relación es como un tiburón, tiene que estar continuamente avanzando o se muere. Y me parece que lo que aquí tenemos es un tiburón muerto.»

Esta deliciosa comedia urbana se convirtió en una película clave en la obra del formidable cineasta por romper radicalmente con la desenfrenada locura que hasta entonces estigmatizaba su obra y, al mismo tiempo, definir el nuevo y productivo estilo que caracterizaría sus posteriores creaciones y lo convertiría en uno de los pilares de la cinematografía norteamericana contemporánea. Dotada de un fondo claramente autobiográfico, en gran medida basado en su idilio con Diane Keaton, pormenorizaba las distintas etapas por las que atraviesa el difícil noviazgo entre un neurótico comediante televisivo (desde entonces su inseparable alter-ego) y una ingenua aspirante a cantante a partir de una estructura narrativa tan autónoma como original y coherente. Allen componía un ensayo verosímil y reflexivo sobre las obsesiones existenciales que ya no dejarían de avituallar su creatividad (su persistente crítica a los intelectuales, sus fracasos amorosos y sexuales, su indisoluble relación con la psicoterapia o su particular óptica sobre Nueva York y Hollywood), poniéndolo al servicio de un conjunto tragicómico portentoso que despuntaba esencialmente por la brillantez de unos diálogos colmados de aforismos absolutamente geniales.

Otras películas que describen distintos tipos de NOVIAZGO

El hombre tranquilo – John Ford (1952)
La niña de luto – Manuel Summers (1964)
Bonnie y Clyde – Arthur Penn (1967)