Drama urbano

INTERROGATORIO (El odio)

Serie de preguntas (…) En ocasiones, interrogatorio se utiliza como sinónimo de careo. Se trata de una figura del derecho que complementa a la prueba testifical y que, por lo tanto, actúa como medio de prueba complementario (…) Si una persona somete a otra a un interrogatorio, se establece cierta relación de jerarquía y/o subordinación, ya que quien realiza las preguntas está (o se siente) facultado para exigir las respuestas. (definicion.de)

«Si quieres ser sabio, aprende a interrogar razonablemente, a escuchar con atención, a responder serenamente y a callar cuando no tengas nada que decir»
Johann Kaspar Lavater (1741-1801) Escritor, filósofo y teólogo suizo

EL ODIO (La haine) – 1995

odio

Director Mathieu Kassovitz
Guion Mathieu Kassovitz
Fotografía Pierre Aïm
Música Frank Loesser y Bob Marley
Producción Cofinergie 6/Egg Pictures/Kasso Inc./Canal+La Sept Cinéma/Lazennec/Studio Image/Polygram
Nacionalidad Francia
Duración 96m. B/N
Reparto Vincent Cassel, Hubert Kounde, Saïd Taghmaoui, Abdel Ahmed Ghili, Solo, Joseph Momo, Héloïse Rauth, Mathieu Kassovitz.
* Beastie Boys – Eugene’s lament

«No hay que preguntarse si creemos en Dios, sino si Dios cree en nosotros»

Con tan sólo veintiocho años, Mathieu Kassovitz se revalidaba como uno de las más firmes valuartes del cine francés gracias a este fornido, agorero y no menos controvertido drama social, cuya premisa argumental radicaba en pormenorizar una agitada jornada diaria en la vida de tres amigos de distinta raza (un judío, un negro y un magrebí) y residentes en el barrio marginal parisino de Muguets, ante la conmoción que irrumpe en el mismo tras conocerse el estado de coma en el que se encuentra otro muchacho vecino a causa de un interrogatorio policíaco. Filmado sin ninguna complacencia y no demasiada objetividad a través de una inmejorable fotografía en blanco y negro, un talante prácticamente documental y un enérgico ritmo descriptivo, anteponía su rotunda denuncia a la desmedida violencia del cuerpo policial al análisis de la ausencia de horizontes, esperanzas e ideales que predominaba en la existencia de sus callejeros protagonistas. Entusiasta interpretación del trío protagonista, que, junto al realizador, vivieron y se integraron durante dos meses en la barriada donde transcurre la acción para imbuirse del ambiente de la comunidad.

Otras películas con INTERROGATORIOS

La ciudad desnuda – Jules Dassin (1948)
El silencio de los corderos – Jonathan Demme (1991)
Instinto básico – Paul Verhoeven (1992)

ACELERACIÓN (Wonderland)

Magnitud vectorial que nos indica la variación de velocidad por unidad de tiempo. (Wikipedia)
La aceleración de la imagen, proceso inverso a la ralentización, es una forma de condensar la duración de lo real. Ésta se consigue mediante un registro de cámara por debajo de la duración de lo real. Ésta se consigue mediante un registro de cámara por debajo de la velocidad normal; por ejemplo, a ocho fotogramas por segundo. (Roberto Aparici «La imagen: Análisis y representación de la realidad)

“Toda fuerza ejercida sobre un cuerpo es directamente proporcional a la aceleración que experimentara.”
Isaac Newton (1643-1727) Físico, filósofo, teólogo, inventor, alquimista y matemático inglés

WONDERLAND (Woderland) – 1999

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Director Michael Winterbottom
Guion Laurence Coriat
Fotografía Sean Bobbitt
Música Michael Nyman
Producción Kismet Films/Revolution Films/Universal/BBC/Polygram
Nacionalidad Gran Bretaña
Duración 108m. Color
Reparto Shirley Henderson, Gina McKee, Molly Parker, Ian Hart, John Simm, Kika Markham, Stuart Townsend, Jack Shepherd, Enzo Cilenti.

«Me gusta pensar en mí misma como alguien independiente, honesta, consciente de mí misma, y me gustaría conocer a alguien que busque amistad y un posible romance.»

El iconoclasta Michael Winterbottom permutó el preciosismo esteticista de su anterior filme, una áspera y obsesiva intriga romántica titulada I WANT YOU (1998), e inspirada en la canción homónima de Elvis Costello, por una orientación realista y hasta cierto punto coral que sirviera para exponer las contrariedades cotidianas que embargan a los integrantes de una familia londinense en su afán por capturar ese pedazo de estima transitoria apropiada para disfrazar su quebradiza situación anímica, moral y afectiva. El resultado fue una crónica urbana pseudo-documental de desgarradora poesía y un enérgico tono de invectiva social que intercalaba diversos rasgos ‘dogmáticos’ (escenarios reales, cámara al hombro, iluminación natural o interpretaciones de una desgarradora sinceridad) con algún artificio visual post-moderno de discutible acomodamiento, como la aceleración de la imagen para separar sus bloques narrativos. Estas heterogéneas características, unidas al minimalismo melódico de Michael Nyman, lograron captar el naufragio emocional de los personajes dentro de la soledad, el desasosiego y la incomunicación propios de una gran ciudad.

Otras películas que hacen uso de la ACELERACIÓN de la imagen

Zazie en el metro – Louis Malle (1959)
Tom Jones – Tony Richardson (1963)
Koyaanisqatsi – Godfrey Reggio (1982)

ALTER EGO (Los cuatrocientos golpes)

Persona real o ficticia en quien se reconoce, identifica o ve un trasunto de otra. (RAE)
Personaje de ficción cuyo comportamiento, lenguaje o pensamientos intencionalmente representan los del autor. (Wikipedia)

«Nunca tengo un alter ego en las películas. Esa es una ficción que la prensa ha inventado a lo largo de los años y es divertido escribirla. Les da algo sobe lo que escribir.»
Woody Allen (1935-) Director de cine, actor y comediante estadounidense

LOS CUATROCIENTOS GOLPES (Les quatre cents coups) – 1959

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Director François Truffaut
Guion François Truffaut y Marcel Moussy
Fotografía Henri Decae
Música Jean Constantin
Nacionalidad Francia
Producción Les Films du Carrose/Sédif
Duración 93m. B/N
Reparto Jean-Pierre Léaud, Claire Maurier, Albert Rémy, Georges Flamant. Guy Decomble, Patrick Auffray, Daniel Couturier, Michel Girard.

«Miento de vez en cuando, supongo. A veces digo la verdad y no me creen, así que prefiero mentir.»

Truffaut debutó en la realización con este perspicaz estudio sobre el aprendizaje de la vida, que, debido a su clamoroso éxito internacional, supuso el lanzamiento masivo u oficial de un movimiento cinematográfico tan trascendente e iconoclasta como la ‘nouvelle vague’. Con el impetuoso entusiasmo propio de toda ópera prima y la nomológica franqueza de cualquier evocación autobiográfica, el cineasta galo describió el hostil y problemático acceso al mundo de los adultos del desubicado e incomprendido adolescente parisino Antoine Doinel, un alter ego truffautiano cuya vida transcurriría paralela a la de su intérprete Jean-Pierre Léaud, pues el actor volvería a encarnarlo en EL AMOR A LOS VEINTE AÑOS (1962), BESOS ROBADOS (1968), DOMICILIO CONYUGAL (1970) y EL AMOR EN FUGA (1978). Íntegramente rodado en escenarios naturales y con un presupuesto ciertamente asequible, el film convoca a la reflexión con una asombrosa ternura y delicadeza, patente en secuencias inolvidables por su sensibilidad naturalista, como la célebre y postrera fuga hacia el mar del entrañable protagonista.

Otras películas protagonizadas por un ALTER EGO del cineasta 

El chico – Charles Chaplin (1921) / El vagabundo (The tramp)
Mi tío – Jacques Tati (1958) / Monsieur Hulot
Palombella rossa – Nanni Moretti (1989) / Michele Apicella

NEÓN (Casino)

Elemento químico de número atómico 10 y símbolo Ne. Es un gas noble, incoloro, prácticamente inerte, presente en trazas en el aire, pero muy abundante en el universo, que proporciona un tono rojizo (no es un color) característico a la luz de las lámparas fluorescentes en las que se emplea. (Wikipedia)

«Mar donde flotan: piruetas de bufón, toreros de salón, amor de garrafón… Dame, dame música idiota, y zumo de neón contra la depresión» (canción Zumo de neón)
Joaquín Sabina (1949-) Cantautor, poeta y pintor español

CASINO (Casino) – 1995

casino

Director Martin Scorsese
Guion Martin Scorsese y Nicholas Pileggi
Fotografía Robert Richardson
Música The Rolling Stones, Cream, Little Richard, Ray Charles, etc.
Producción Universal/De Fina-Cappa/Syalis DA/Légende Enterprises
Nacionalidad Estados Unidos
Duración 178m. Color
Reparto Robert De Niro, Sharon Stone, Joe Pesci, James Woods, Alan Rick, L.Q. Jones, Kevin Pollack, Dick Smothers, Frank Vincent.
* The Rolling Stones – Can’t you hear me knocking

«Hay tres maneras de hacer las cosas: la correcta, la incorrecta y la mía»

A partir de una minuciosa investigación histórica de Nicholas Pileggi en torno a la época de máximo esplendor de Las Vegas, Scorsese realizó este vibrante, avasallador y megalomaníaco fresco sobre el corrompido y despiadado mundo del paraíso del juego por excelencia, ambientado a principios de los años setenta. El ascenso y caída a los infiernos de un profesional de las apuestas de caballos, reconvertido por la mafia en el poderoso gerente de sus casinos, gozó de una planificación y un tratamiento narrativo/visual semejante a las anteriores incursiones del realizador italoamericano dentro del género gangsteril, es decir, una atmósfera cruda y violenta, secuencias de un álgido y sobrecargado dramatismo o extremados travellings, todo ello ensamblado con otro espectacular montaje de choque a cargo de Thelma Schoonmaker. Film de una impresionante capacidad de fascinación, posee una banda sonora repleta de éxitos de la década de los sesenta, unos seductores títulos de crédito cargados de neón por Saul Bass (en su último trabajo para el cine) y, en lo interpretativo, un alarde del desaprovechado potencial como actriz dramática que atesora Sharon Stone.

Otras películas aderezadas con luces de NEÓN

Corazonada – Francis Ford Coppola (1982)
Blade runner – Ridley Scott (1982)
Drive – Nicolas Winding Refn (2011)

EMANCIPACIÓN (Cama y sofá)

Liberación de una o más personas respecto de un poder, una autoridad, una tutela o cualquier otro tipo de subordinación o dependencia. (Larousse Editorial)

“Donde acaba la crítica termina la emancipación, cualquiera que sea el grado de liberación alcanzado: la emancipación se interrumpe”
Vicente Romano (1935-) Comunicólogo y catedrático español

CAMA Y SOFÁ (Tretya meshchanskaya) – 1927

CAMA

Director Abram Room
Guion Abram Room y Viktor Shklovsky
Fotografía Grigori Ciber
Productora Sovkino
Nacionalidad Unión Soviética
Duración 85m. B/N
Reparto Nikolai Batalov, Ludmilla Semyonova, Vladimir Fogel, Leonid Jurenev, Elena Sokolova, Mariya Yarotskaya.

«Después de todo, no tienes a dónde ir y tenemos un sofá gratis»

La cinematografía soviética de la época, cuya dialéctica doctrinal y propagandística se ofuscaba en conceder el protagonismo a la masa (Eisenstein), a la toma de conciencia (Pudovkin) o al montaje experimental (Vertov), se concedía a sí misma un pequeño respiro con amables retratos costumbristas de un benévolo carácter autocrítico y una notoria influencia del cine americano a cargo de nombres como Boris Barnet o Abram Room, autor de este deleitoso alegato en pos de la emancipación femenina, adherido a la entonces reinante polémica contra el aborto y a la preocupante carencia de viviendas en Moscú durante la NEP (1921-1929). Evidenciando tanta capacidad psicológica como sentido plástico, la película alternaba comedia y drama para narrar las contrariedades cotidianas y afectivas de una mujer a la hora de compartir su humilde habitáculo con su marido y un tipógrafo, camarada de éste durante la guerra civil. La controversia que suscitaron sus obvias implicaciones sexuales no fue óbice para que la cinta, conocida también como TRES EN UN SEMISÓTANO cosechara un significativo éxito de crítica y público.

Otras películas sobre EMANCIPACIÓN femenina

Una mujer se rebela – Mark Sandrich (1936)
Thelma y Louise – Ridley Scott (1991)
Erin Brokovich – Steven Soderbergh (2000)