Drama psicológico

VIENTRE (El vientre del arquitecto)

Cavidad del cuerpo del ser humano y los animales vertebrados en la que se contienen los órganos principales del aparato digestivo, genital y urinario. (Larousse Editorial)

“Como a un muñeco destripé tu vientre, examiné sus ruedas engañosas y muy envuelta en sus poleas de oro hallé una trampa que decía: sexo”
Alfonsina Stormi (1892-1938) Poeta y escritora argentina

EL VIENTRE DE ARQUITECTO (The belly of an architect) 1987

Director Peter Greenaway
Guion Peter Greenaway
Fotografía Sacha Vierny
Música Wim Mertens
Producción Hemdale/Channel Four
Nacionalidad Gran Bretaña/ Italia
Duración 118m. Color
Reparto Brian Dennehy, Chloe Webb, Lambert Wilson, Sergio Fantoni, Stefania Casini, Vanni Corbellini, Alfredo Varelli, Geoffrey Copleston.
* Wim Mertens – Bird for the mind

«Si respiras y presionas el ombligo, ¿puedes sentir el corazón? A veces es esférico, a veces es como un cubo, pero en general es como una pirámide. ¿Sufrían los otros del vientre? Odio sentirme así»

Uno de los largometrajes más hermosos y fascinadores del posmoderno Peter Greenaway, donde el vientre se erigía en la referencia preponderante de una solemne metáfora sobre la creación artística y sus derivaciones, inmersa en el característico contexto intelectualista y de complejidad expresiva que tanto agradaba a su autor. En esta ocasión, el consistente y lineal desarrollo de su argumento, concebido a partir de un extraño proceso de indigestión padecido por el realizador en una visita a Florencia, versaba sobre la mortificación afectiva, física y espiritual que sufre un arquitecto norteamericano (imborrable composición de Brian Dennehy) en la sublimada ciudad de Roma, a donde acude en compañía de su efervescente esposa para dirigir una exposición sobre la figura del visionario colega francés del siglo XVIII Etienne-Louis Boullée. Tanto la álgida y sibarita fotografía de Sacha Vierny como la adecuada musicalidad minimalista de Wim Mertens contribuyeron a culminar un ejercicio cinematográfico de ensimismado barroquismo decorativista, vertido a través de una hipnótica y desbordante sucesión de encuadres simétricos.

Otras películas donde adquiere cierto protagonismo un VIENTRE

Pinocho – B.Sharpsteen y H.Luske (1940)
La tarántula del vientre negro – Paolo Cavara (1971)
El vientre de Juliette – Martin Provost (2003)

COMPUNCIÓN (Europa 51)

1 Pesar que se siente por haber hecho una cosa que no se considera buena o adecuada.
2 Sentimiento de pena y lástima por la desgracia o el sufrimiento que padece otra persona. (Larousse Editorial)

«Más vale sentir la compunción que saber definirla»
Tomás de Kempis (1380-1471) Monje y escritor alemán

EUROPA 51 (Europa 51) – 1952

Director Roberto Rossellini
Guion Roberto Rossellini, Sandro De Feo, Diego Fabbri, Mario Pannunzio e Ivo Perilli
Fotografía Aldo Tonti
Música Renzo Rossellini
Producción Ponti-De Laurentiis
Nacionalidad Italia
Duración 113m. B/N
Reparto Ingrid Bergman, Alexander Knox, Ettore Giannini, Giuletta Masina, Teresa Pellati, Tina Perna, William Tubbs, Gianni Damiani Segale.

«La culpa no es suya. La culpa es de la sociedad que permite tantos horrores»

Descorazonadora parábola sobre la fraternidad y el anhelo misericordioso, emanada de tres distintas fuentes de inspiración (una peripecia verídica acontecida en la Italia de la posguerra, la desoladora experiencia vital de Simone Weil y la candorosa figura del Poverello de Asís), que se enmarca dentro de aquel sincero y concienzudo análisis sobre el desarreglo afectivo, ético y espiritual que deparó la alianza entre el maestro del Neorrealismo y la maravillosa actriz sueca. En una de sus creaciones de mayor fuerza dramática, Ingrid Bergman encarnaba a una esposa burguesa de origen estadounidense pero afincada en Roma que pretendía redimir el traumático sentimiento de culpa que le mortifica tras el suicidio de su hijo de doce años a través de una desmedida dedicación al prójimo. Este purificador ejercicio de compunción permitió a Rossellini trazar una radiografía veraz y penetrante de un entorno social e histórico sumido en el más profundo confusionismo moral, político y religioso, que, pese a la excelsitud de su acabado formal, suscitó una febril desaprobación por parte de la crítica del momento.

Otras películas sobre el sentimiento de COMPUNCIÓN

Dies Irae – Carl Th. Dreyer (1943)
La misión – Roland Joffé (1986)
Amor – Michael Haneke (2012)

PSICOPATÍA (La venganza es mía)

Condición mental enfermiza que hace que la persona presente alguna alteración (…) en la mayoría de los casos, una persona que sufre una psicopatía (es decir, un psicópata) presenta serios problemas para llevar una vida social normal, que no ponga en peligro su integridad física o la de aquellos que la rodean (…) el peligro de un psicópata es que puede pasar como cualquier otra persona sin que aquellos que lo rodean noten su estado de inestabilidad mental (…) una de las principales características del psicópata la falta de remordimiento o temor ante los actos cometidos. Esto hace que una persona que sufre de esta alteración mental cometa un asesinato sin sentir culpa y sin ver desestabilizado su estado emocional. (definicionabc.com)

“La personalidad del llamado psicópata es otro ejemplo de la pérdida permanente de las necesidades de amor. Una forma de comprender esta disfunción de la personalidad es que las personas que carecieron de amor en los primeros meses de su vida, sencillamente han perdido ese deseo para siempre, así como la capacidad de dar y recibir afecto”
Abraham Maslow (1908-1970) Psicólogo estadounidense

LA VENGANZA ES MÍA (Fukushû suruwa wareniari) – 1979

Director Shohei Imamura
Guion Masaru Baba
Fotografía Sinsaku Himeda
Música Shinichirô Ikebe
Producción Imamura Productions/Sochiku Films
Nacionalidad Japón
Duración 124m. Color
Reparto Ken Ogata, Mayumi Ogawa, Rentaro Mikuni, Mitsuko Baisho, Nijiko Kiyokawa, Chocho Miyako, Moeko Ezawa, Kazuo Shirakawa.

«No te perdonaré jamás (…) Y Dios tampoco te perdonará. Llevamos la misma sangre. Los dos llevamos la sangre del demonio en las venas»

El injusto fracaso comercial obtenido en 1968 con la sensual y costumbrista EL PROFUNDO DESEO DE LOS DIOSES hizo que Imamura descuidara las películas con argumento y centrara su actividad como realizador en la elaboración de diferentes documentales y reportajes televisivos de trasfondo bélico hasta que, por fin, decidió ponerse tras la cámara para acometer esta exploración subjetiva del complejo instinto criminal que hostiga el psicopático, usurpador y antisocial temperamento de un individuo límite en amoralidad y malevolencia, según la novela homónima de Ryuzo Saki. Sin ánimo de reprobar o justificar su vil comportamiento, el film pretendía descifrar el traumático origen del contradictorio desequilibrio interior del protagonista (espléndido Ken Ogata) por medio de una contemporización casi antropológica, que huía de toda superfluidad temática o estética a través de una enérgica y cautivadora narración acronológica, parecida a la que su director aplicaría diez años después para llevar a cabo la magistral, angustiosa y sobrecogedora LLUVIA NEGRA.

Otras películas sobre la PSICOPATÍA

Arsénico por compasión – Frank Capra (1944)
Monsieur Verdoux – Charles Chaplin (1947)
El estrangulador de Rillington Place – Richard Fleischer (1971)

GEMELO (A través del espejo)

La palabra gemelo, se denomina coloquialmente a todos aquellos individuos que han sido alumbrados en un mismo parto (…) Es utilizada para referirse a aquellos individuos cuya concepción ocurre a partir de la división de un mismo cigoto y son idénticos y del mismo sexo. (Wikipedia)
Los gemelos nacen de un mismo embrión que en algún momento de la gestación se divide en dos y genera dos futuros bebés (…) Lo que es más interesante de los gemelos, además del hecho de que son idénticos uno al otro a nivel físico, es que muchas veces los dos individuos que componen esa relación gemelar también viven una íntima y muy profunda vinculación emocional o sensitiva que le permite a uno saber o sentir las sensaciones que el otro tiene en determinado momento. (definicionabc.com)

“La amargura y el orgullo son hermanos gemelos; el mal humor y la irritabilidad son sus inseparables acompañantes.”
Teresa de Calcuta (1910-1997) Monja católica de origen albanés naturalizada india

A TRAVÉS DEL ESPEJO (The dark mirror) – 1946

Director Robert Siodmak
Guion Nunnally Johnson
Fotografía Milton Krasner
Música Dimitri Tiomkin
Producción 20th Century Fox
Nacionalidad Estados Unidos
Duración 81m. B/N
Reparto Olivia de Havilland, Lew Ayres, Thomas Mitchell, Charles Evans, Dick Long, Gary Owen, Lester Allen, Lela Bliss, Marta Mitrovich.
* Johannes Brahms – Symphony no. 4 in E minor (First movement)

«No creerá que cualquiera puede cometer un asesinato, ¿verdad? (…) El carácter, la personalidad… Ni siquiera la naturaleza puede duplicarlo, ni aún en los gemelos.»

Uno de los más brillantes dramas de inclinación freudiana surgidos en la época de posguerra estadounidense, basado en una novela homónima de Vladimir Pozner, que planteaba una turbia intriga en torno a la contrapuesta personalidad e idéntica apariencia de dos hermanas gemelas, envueltas en una oscura investigación criminal trenzada mediante el proceso psicoanalítico. Robert Siodmak consiguió plasmar la atmósfera turbadora y enigmática que requería esta audaz intrusión en las equívocas sinuosidades del alma humana, enmarcada en un período de absoluto desvarío social y económico, cuyo principal interés residía en manifestar la dualidad de sus antagónicas protagonistas, y, a través de ella, husmear en la desconcertante ambigüedad del Mal. A destacar la majestuosa fotografía de inspiración expresionista a cargo de Milton Krasner, la solemne partitura mahleriana de Dimitri Tiomkin y, cómo no, la portentosa doble interpretación de Olivia de Havilland, a la que se podía observar dándose la réplica a sí misma en un plano gracias a la destreza técnica de unos trucajes poco habituales en la época.

Otras películas sobre hermanos o hermanas GEMELAS

Tú a Boston y yo a California – David Swift (1961)
El otro – Robert Mulligan (1972)
Inseparables – David Cronenberg (1988)

SUFRIMIENTO (Lo importante es amar)

Es el padecimiento, la pena o el dolor que experimenta un ser vivo. Se trata de una sensación, consciente o inconsciente, que aparece reflejada en padecimiento, agotamiento o infelicidad (…) El sufrimiento suele estar asociado al dolor psicológico. Su origen radica en la reacción de un individuo ante un hecho determinado, y no tanto en la realidad en sí misma. En otras palabras, el dolor surge en la mente, y no en la realidad, ya que entran en juego diversas cuestiones como los miedos, los deseos y las exigencias de cada ser vivo. (definicion.de)

«Hay algo peor que la muerte, peor que el sufrimiento… y es cuando uno pierde el amor propio (…) Hay algo que duele, hiera y quema de tal manera que ni siquiera la muerte puede extinguirlo: y es cuando una persona, o dos, hieren ese amor propio sin el cual ya no podemos vivir una vida digna» (novela El último encuentro)
Sándor Márai (1900-1989) novelista, periodista y dramaturgo húngaro

LO IMPORTANTE ES AMAR (L’important c’est d’aimer) – 1975

Director Adrzej Zulawski
Guion Andrzej Zulawski y Christopher Frank
Fotografía Ricardo Aronovich
Música Georges Delerue
Producción Albina Production/Rizzoli Films/T.I.T. Film Produktion
Nacionalidad Francia/ Italia/ Alemania
Duración 105m. Color
Reparto Romy Schneider, Fabio Testi, Jacques Dutronc, Claude Dauphin, Klaus Kinski, Roger Bin, Gabriell Doulcet, Michel Robin.

«Las actrices son frágiles, se rompen fácilmente»

La excéntrica y transgresora personalidad cinematográfica de Zulawski emergió en el panorama internacional con este absorbente y excesivo drama psicológico, basado en la novela homónima de Christopher Frank y alzado por la caprichosa providencia como ineludible objeto de veneración tanto para los jóvenes realizadores ochenteros como para la exacerbada intelectualidad de la época. Armonizando el arrebato con la locura, la abyección malsana con la impureza o la crispación con el sufrimiento más desesperado, todo ello bajo una atmósfera opresiva de desconcertante lucidez romántica, el realizador franco-polaco revelaba la incapacidad anímica de una frágil actriz para remontar su desmoronamiento profesional y afectivo, este último apresado entre un matrimonio sin vida aferrado a la gratitud y la pasión exuberante, dolorosa y obsesiva que comparte con un oscuro fotógrafo sin escrúpulos. Subyugante fotografía en Eastmancolor de Ricardo Aronovich, hermosa partitura clasicista de Georges Delerue y desconsolada interpretación de una primorosa Romy Schneider.

Otras películas sobre el SUFRIMIENTO

Gritos y susurros – Ingmar Bergman (1972)
Diario íntimo de Adela H. – François Truffaut (1975)
Mi pie izquierdo – Jim Sheridan (1989)