Comedia romántica

DESCONFIANZA (La pícara puritana)

Emoción negativa, que implica inseguridad sobre las acciones futuras de otra persona. La desconfianza es una actitud consciente y voluntaria que no depende del otro, sino que es una creencia de quien la sostiene. Es una presunción negativa en cuanto al comportamiento de otra persona, que parte de la base de predecir su accionar en forma supuesta (…) Es una gran enemiga en nuestras relaciones sociales, interfiriendo en la amistad y en la pareja principalmente. (quesignificado.com)

“El mundo mira con desconfianza todo cuanto tiene la apariencia de una vida conyugal feliz.”
Oscar Wilde (1854-1900) Escritor, poeta y dramaturgo irlandés

LA PÍCARA PURITANA (The awful truth) – 1937

Director Leo McCarey
Guion Viña Delmar
Fotografía Joseph Walker
Música Ben Oakland
Producción Columbia
Nacionalidad Estados Unidos
Duración 89m. Color
Reparto Cary Grant, Irene Dunne, Ralph Bellamy, Alexander D’Arcy, Cecil Cunningham, Joyce Compton, Molly Lamont, Robert Warwick.

«No se puede vivir felizmente casados siempre con sospechas. No puede haber dudas en el matrimonio. El matrimonio se basa en la confianza. Si pierdes eso, lo pierdes todo.»

Simpática, embriagadora y divertidísima adaptación de la obra teatral homónima de Arthur Richman, versionada con anterioridad por Paul Powell (1925) y Marshall Neilan (1929), que constituye uno de los ápices más valiosos, trascendentales y representativos de la denominada ‘screwball comedy’, así como el título precursor de un soporte argumental copiosamente explotado dentro del género: las dudas y recelos de una pareja a la hora de dar por finalizado su vínculo matrimonial y las astutas maniobras de uno o ambos para entorpecer la futura relación afectiva de su consorte. La irreprimible química entre Cary Grant e Irene Dunne, unida al amaestrado salero canino de la entonces célebre Asta, fructificó en una continua sucesión de ‘sketches’ hilarantes, sofisticados y especialmente originales, imbuidos y orquestados de forma improvisada con arreglo a un nexo común de palpitante y antagónico romanticismo: las causas y consecuencias de la infidelidad conyugal. El propio Leo McCarey escribió, produjo y tenía previsto dirigir una especie de continuación con los mismos protagonistas, MI MUJER FAVORITA (1940), pero un inoportuno accidente de tráfico hizo que la acabara realizando Garson Kanin.

Otras películas sobre la DESCONFIANZA en las relaciones de pareja

Sospecha – Alfred Hitchcock (1941)
Nosotros no envejeceremos juntos – Maurice Pialat (1972)
Chloe – Atom Egoyan (2009)

LUJURIA (Sonrisas de una noche de verano)

Apetito desordenado e ilimitado de los placeres carnales. El término suele estar asociado al deseo sexual incontrolable, aunque, en realidad, también permite referirse al exceso o demasía de otro tipo de cosas. La lujuria se vincula con la lascivia, que es la imposibilidad de controlar la libido. Las religiones suelen condenar a la lujuria. Para el catolicismo, la lujuria es un pecado capital, mientras que el hinduismo la señala como uno de los cinco males. (definicion.de)

“La lujuria es como la pimienta, que no se tolera sino a pequeñas dosis.”
Louis Sébastien Mercier (1740-1814) Escritor, dramaturgo y crítico francés

SONRISAS DE UNA NOCHE DE VERANO (Sommarnattens leende) – 1955

Director Ingmar Bergman
Guion Ingmar Bergman
Fotografía Gunnar Fischer
Música Erik Nordgren
Producción Sevnsk Filmindustri
Nacionalidad Suecia
Duración 108m. B/N
Reparto Ulla Jacobson, Gunnar Björnstrand, Eva Dahlbeck, Harriet Andersson, Margit Carlqvist, Ake Fridell, Jarl Kulle, Bibi Andersson.

«No olvide que el amor es un juego de malabarismo continuo con tres pelotas, cuyos nombres son corazón, palabras y cuerpo. ¡Qué fácil es jugar con las tres pelotas y qué fácil perder una de ellas!»

A pesar de contar ya entonces con quince películas en su haber, la definitiva consagración internacional de Bergman no se produjo hasta la presentación en Cannes de esta epicúrea y desenfadada comedia de enredos amorosos, que, por otro lado, serviría para cerrar una etapa del autor centrada principalmente en la complejidad de las relaciones afectivas. Parapetándose en el distinguido y hedonista colectivo burgués de principios del siglo XX, el cineasta sueco representaba con causticidad, etérea elegancia y un envoltorio de aparente ligereza los pérfidos y desenfrenados escarceos sexuales de un variopinto grupo humano reunido en una mansión campestre durante un lujurioso y veraniego fin de semana. Película de clara herencia teatral, fruto de una rutilante amalgama de influencias (Shakespeare, Marivaux e incluso LA REGLA DEL JUEGO de Jean Renoir), sobresalía por la acidez y magnificencia de sus diálogos, así como por unas espléndidas interpretaciones (imborrable deviene la sensualidad emanada por Harriet Andersson), que, sin embargo, no consiguieron evitar su fracaso comercial. En 1973, Stephen Sondheim estrenó por primera vez un exitoso musical inspirado en el film, A little night music, y, nueve años más tarde, Woody Allen lo homenajeó con una más que aceptable parodia en LA COMEDIA SEXUAL DE UNA NOCHE DE VERANO.

Otras películas imbuidas por una atmósfera de LUJURIA

La noche de la Iguana – John Huston (1964)
Casanova – Federico Fellini (1976)
Deseo, peligro – Ang Lee (2007)

IMPULSO (La comedia sexual de una noche de verano)

Deseo intenso que lleva a hacer una cosa de manera inesperada y sin pensar en las consecuencias. (Larousse Editorial)

“El hombre es verdaderamente grande sólo cuando obra a impulso de las pasiones”
Benjamin Disraeli (1804-1881) Político, escritor y aristócrata británico

LA COMEDIA SEXUAL DE UNA NOCHE DE VERANO (A midsummer night’s sex comedy) – 1982

Director Woody Allen
Guion Woody Allen
Fotografía Gordon Willis
Música Felix Mendelssohn
Producción Orion
Nacionalidad Estados Unidos
Duración 88m. Color
Reparto Woody Allen, Mia Farrow, Tony Roberts, José Ferrer, Mary Steenburgen, Julie Hagerty, Adam Redfield, Michael Higgins.

«Es un tipo estupendo, y un médico muy bueno. ¡De verdad! Jamás ha perdido a una paciente. Creo que dejó embarazadas a un par de ellas, pero jamás perdió a una»

Ocurrente parodia de la versión bergmaniana de A midsummer night’s dream de William Shakespeare, en la que Woody Allen consiguió vincular el profundo trascendentalismo de su cineasta predilecto a sus particulares y recurrentes obsesiones temáticas, rubricando una reflexión sobre la naturaleza amorosa demasiado singular y temeraria como para encandilar al sector crítico y al público de su país, que la recibieron con total desestima. El intercambio afectivo, erótico y espiritual al que se entregan tres parejas durante un fin de semana, inducidas por la bucólica sensualidad de la campiña, resultó ser un perfecto motivo argumental para conformar un diligente e instructivo cuadro de los anhelos, las fantasías y los reprimidos instintos sexuales que coartan el bienestar de la mayoría de los mortales. Realzado por una valiosa fotografía de Gordon Willis y las adecuadas partituras clásicas de Mendelssohn, significó la primera película que el prolífico guionista, director y actor realizó para la compañía Orion, así como el primer punto de contacto profesional con su futura esposa y musa, Mia Farrow.

Otras películas donde los protagonistas se mueven por sus IMPULSOS sexuales

La edad de oro – Luis Buñuel (1930)
Comida sobre la hierba – Jean Renoir (1959)
Belle epoque – Fernando Trueba (1992)

EXCEPCIÓN (La balada de Cable Hogue)

1. Exclusión de lo que se sale de lo común o normal.
2. Cosa que se aparta de la regla general. (wordreference.com)

“Nunca olvido una cara, pero con la suya voy a hacer una excepción.”
Groucho Marx (1890-1977) Actor, humorista y escritor estadounidense

LA BALADA DE CABLE HOGUE (The ballad of Cable Hogue) – 1970

Director Sam Peckinpah
Guion John Crawford y Edmund Penney
Fotografía Lucien Ballard
Música Jerry Goldsmith
Producción Warner Bros.
Nacionalidad Estados Unidos
Duración 121m. Color
Reparto Jason Robards, Stella Stevens, David Warner, Strother Martin, R.G. Armstrong, Slim Peckins, L.Q. Jones, Peter Whitney, Gene Evans.

«Es curioso… No importa si has conocido muchas o pocas, ni con cuántas mujeres has estado. Muy de vez en cuando, una de ellas se te mete dentro. Se te mete muy dentro.»

Abandonando momentáneamente la extrema violencia de su anterior western, el soberbia GRUPO SALVAJE (1966), Peckinpah optó por cambiar de registro para abordar el género con un perfil más humano, juguetón e intimista, que, a la postre, depararía una de las obras más hermosas y atípicas de su filmografía. Su argumento, encuadrado en las postrimerías del salvaje Oeste y centrado en la curiosa personalidad de un veterano y sufrido buscador de oro, oscilaba entre su romance con una entrañable prostituta y la esperada venganza contra los que lo traicionaron y abandonaron en pleno desierto, lugar donde montará un abrevadero y una parada para diligencias. Esta nostálgica e irónica fábula moral acerca del triunfo del amor y la bondad sobre la hostilidad e intolerancia del entorno, única incursión en la comedia de su autor, sería guillotinada por los productores en aproximadamente veinte minutos y constituyó un serio descalabro comercial a pesar de su impecable factura, de la que sobresalía la espléndida fotografía de Lucien Ballard y una sensacional actuación de la pareja protagonista.

Otras películas que figuran como una EXCEPCIÓN en la filmografía de su realizador

El día de los tramposos – Joseph L. Mankiewicz (1970) / Western
El unicornio – Louis Malle (1975) / Ciencia-ficción
Todos dicen I love you – Woody Allen (1996) / Musical

TECHNICOLOR (Cita en San Luis)

Proceso de cine en color inventado en 1916 y después mejorado a lo largo de varias décadas. Se trata del segundo proceso principal de este tipo, tras el británico Kinemacolor, y el más utilizado en Hollywood entre 1922 y 1952. Technicolor fue conocido y reconocido por su nivel saturado de color, y se usó más comúnmente para filmar musicales como El mago de Oz (1939) y Cantando bajo la lluvia (1952), películas de época como The Adventures of Robin Hood (1938) y Lo que el viento se llevó (1939), o de animación como Blancanieves y los siete enanitos (1937) o Fantasía (1940). Sin embargo, también se usó para comedias y dramas menos espectaculares, e incluso a veces en el cine negro, como en Que el cielo la juzgue (1945) o Niágara (1953). (Wikipedia)

*Todos yiran y yiran, todos bajo el sol; se proyecta la vida, mariposa technicolor. Cada vez que me miras, cada sensación; se proyecta la vida, mariposa technicolor» (canción Mariposa Technicolor)
Fito Páez (1963-) Cantautor, compositor y músico argentino

CITA EN SAN LUIS (Meet me in St. Louis) – 1944

Director Vincente Minnelli
Guion Fred Finklehoffe e Irving Brecher
Fotografía George J. Folsey
Música George Stoll
Producción Metro Goldwyn Mayer
Nacionalidad Estados Unidos
Duración 113m. Color
Reparto Judy Garland, Margaret O’Brien, Mary Astor, Lucille Bremer, Leon Ames, Tom Drake, Marjorie Main, Harry Davenport, June Lockhart.

«Mi hija mayor está prácticamente de luna de miel y todos lo saben menos yo. En vista de que esta familia me oculta sus pequeñas intrigas, manejaré el teléfono a mi manera. Desde ahora, contestaré a todas las llamadas»

Con su tercera película y primera en la que utilizaba el sistema Technicolor, Minnelli obtuvo el primer gran éxito de su filmografía y renovó la estructura del género musical al introducir en el mismo el culto a los valores tradicionales norteamericanos, tan característicos en el período bélico, a través del devenir cotidiano de una acomodada familia numerosa de Saint Louis (Missouri), entre 1903 y 1904, según la nostálgica novela homónima de tintes autobiográficos escrita por Sally Benson e inicialmente publicada con viñetas en el The New Yorker bajo el título 5135 Kensington Avenue. A pesar de no estar habitualmente incluida entre las principales obras maestras de su realizador, quien, por cierto, inició durante el rodaje su relación sentimental con Judy Garland, proporcionaba un suntuoso espectáculo colorista plagado de alegría, frivolidad y buenas intenciones, con exquisitos números y canciones de las parejas Hugh Martin/Ralph Blane y Arthur Freed/Narcio Herb Brown, como Under the bamboo tree, la entusiasta The trolley song o la antológica Have yourself a Merry Little Christmas.

Otras películas recordadas por su excelso uso del TECHNICOLOR

Los tres mosqueteros – George Sidney (1948)
Quo Vadis – Mervyn Leroy (1951)
Centauros del desierto – John Ford (1956)