Mes: mayo 2014

DUCHA (Psicosis)

1. Agua que, en forma de chorro o lluvia, se hace caer sobre el cuerpo o sobre una parte de él para asearse, refrescarse o con fines curativos.
2. Aparato o instalación que permite hacer caer o dirigir este chorro de agua.
(google.es)

“La ducha es un lugar de inspiración caro y antiecológico, pero las canciones saben a lluvia. Además, es una manera de rebelarme contra los rigores de mi padre. Cuando vivía con él, bastaba que me oyera abrir el grifo de la ducha para golpear la puerta del baño desde fuera. ¡Esa agua, no hace falta gastar tanta para una ducha!» (novela Tierra de campos)
David Trueba (1969-) Escritor, periodista, director de cine, guionista y actor español

PSICOSIS (Psycho) – 1960

psicosis

Director Alfred Hitchcock
Guion Josep Stefano
Fotografía John L. Russell
Música Bernard Herrmann
Producción Shamley/Alfred Hitchcock
Nacionalidad Estados Unidos
Duración 109m. B/N
Reparto Anthony Perkins, Janet Leigh, Vera Miles, John Gavin, Martin Balsam, John McIntire, Simon Oakland, Frank Albertson, Vaugh Taylor.

«Creo que todos tenemos nuestra ‘trampa’ privada. Estamos atrapados en ellas y ninguno de nosotros puede liberarse (…) A veces, nos metemos en esas trampas a propósito. Yo nací en la mía. Ya no me importa…»

El cine de terror propiamente dicho no pudo sustraerse de su adhesión a los motivos fantásticos o sobrenaturales hasta el convulso estreno de este desolador y tortuoso tratado fílmico sobre la esquizofrenia y la disociación de identidad, basado libremente en la modesta novela homónima que Robert Bloch perpetró acerca de las andanzas de un necrófilo asesino en serie de Wisconsin llamado Ed Gein. En su creación más subversiva e influyente, Hitchcock deparaba temerarios giros narrativos (el infausto albur de la protagonista, una joven secretaria que pretende poner fin a su mediocre vida laboral y afectiva huyendo con el suculento cobro de una venta inmobiliaria), imágenes de un extravagante e indecoroso gusto para la época (el insólito primer plano de un sanitario) o secuencias de una complejidad técnica sin parangón, revestidas por la antológica música de Herrmann (la brutal escena de la ducha, rodada en cincuenta planos y con más de setenta ángulos de cámara). Anthony Perkins, inconmensurable, prolongó la edípica vulnerabilidad psicótica del personaje en tres insulsas secuelas (él mismo dirigió la tercera) y Gus Van Sant arremetió con desfachatez un insultante remake del filme en 1998.

Otras películas con alguna relevante escena de DUCHA

Carrie – Brian de Palma (1976)
American beauty– Sam Mendes (1999)
Paranoid Park – Gus Vant Sant (2007)

ZARZUELA (La verbena de la paloma)

Forma de música teatral o género musical escénico surgido en España con partes instrumentales, partes vocales (solos, dúos, coros…) y partes habladas. Su nombre procede del Palacio de la Zarzuela, nombre recibido del palacio real de la zarzuela en el bosque junto a Madrid, en donde se hallaba el teatro que albergó las primeras representaciones del género (…) La zarzuela es la forma española de la Opereta, representación teatral que, a diferencia de la ópera, no es totalmente musical sino que alterna partes habladas y partes musicales. (Wikipedia)

«La zarzuela fue fundamental en el desarrollo del cine mudo en España desde el inicio del siglo XX»
Paolo Pinamonti (1958-) Gestor y director artístico italiano

LA VERBENA DE LA PALOMA (La verbena de la paloma) – 1935

paloma

Director Benito Perojo
Guion Benito Perojo y Pedro de Repide
Fotografía Fred Mandel
Música Luis Hernández Bretón
Producción CIFESA
Nacionalidad España
Duración 74m. B/N
Reparto Roberto Rey, Miguel Ligero, Raquel Rodrigo, Charito Leonís, Selica Pérez Carpio, Alicia Palacios, Dolores Cortés, Enrique Salvador.

«Nada me importa el qué dirán. Sigo la pública opinión, más si me encuentro como un muchacho… ¡qué voy a hacer yo!»

Adaptación de la zarzuela escrita por Ricardo de la Vega y musicada por el maestro Tomás Bretón, versionada silentemente a cargo de José Buch en 1921, que consiguió ennoblecer las limitadas posibilidades artísticas del denominado «género chico» con un tratamiento cinematográfico digno del más calibrado elogio, erigiéndose no ya sólo en la obra maestra de su realizador sino en el principal logro del cine español de la República. Combinando los dinámicos números musicales con situaciones ligeras y de una benevolente jocosidad, glosadas por un estupendo conjunto de intérpretes, difundía un pintoresco sainete dominado por el incordioso sentimiento de los celos, que, gracias a la solidez de su realización y a una esmerada escenografía de Fernando Mignoni, recreaba con encomiable pulcritud documental el ambiente popular madrileño de finales del siglo XIX. Si bien hoy en día su casticismo redunda en la más absoluta obsolescencia, Perojo coronó en su momento una representación fílmica de una dogmática exquisitez y simpatía, rotundamente superior a la presunta puesta al día que él mismo produjo en 1963, con Jose Luis Sáenz de Heredia tras la cámara.

Otras películas basadas en una ZARZUELA

La dolorosa – Jean Grémillon (1934)
Doña Francisquita – Ladislao Vajda (1952)
Bohemios – Juan de Orduña (1969)

AUTOMATIZACIÓN (Mi tío)

Aplicación de máquinas o de procedimientos automáticos en la realización de un proceso o en una industria. (google.es)

“La automatización entusiasta del ser humano por la máquina inteligente que crece en poderes le llevará a la inutilidad”
Benjamín Solari Parravicini (1898-1974) Pintor y escultor argentino

MI TÍO (Mon oncle) – 1958

oncle

Director Jacques Tati
Guion Jacques Tati
Fotografía Jean Bourgoin
Música Franck Barcellini y Alain Romans
Producción Alter Films/Film del Centauro/Gray/Specta
Nacionalidad Francia/ Italia
Duración 118m. Color
Reparto Jacques Tati, Jean-Pierre Zola, Adirenne Servantie, Alain Bécourt, Lucien Frégis, Betty Schneider, Jean-François Martial.

«Escucha, lo que mi hermano necesita es una meta, es un hogar, es… ¡todo ésto!»

El primer largometraje en color del genial Jacques Tati significó un paso decisivo en su filmografía pues, no sólo supuso la definitiva consagración del entrañable Monsieur Hulot, sino que permutó su hasta entonces mordaz pero afectuosa percepción de la cotidianeidad provinciana por una despiadada e ingeniosa invectiva sobre el disparatado universo tecnológico y su automatizada uniformidad, tema que elastificaría hasta la saciedad en PLAYTIME (1967). Para ello, situó a su curioso y desmañado alter ego entre un aséptico hogar ultramoderno y una pujante factoría de plásticos; escenarios ideales para desarrollar con su perspicaz expresividad visual y sonora una calculada exhibición de gags que no hacían sino evidenciar la ineptitud de la sociedad moderna para afrontar aquella avalancha imparable de maquinismo invasor. El film, realmente modélico por su precisa estructura descriptiva y escenográfica, acusó un desmesurado intelectualismo que aminoró claramente su capacidad sorpresiva, circunstancia que no fue en absoluto óbice para que cosechara una formidable aceptación por parte de crítica y público.

Otras fábulas o parodias cinematográficas sobre la AUTOMATIZACIÓN de la vida moderna

Lemmy contra Alphaville – Jean-Luc Godard (1965)
Fahrenheit 451 – François Truffaut (1966)
Brazil – Terry Gilliam (1985)

PINTOR (Van Gogh)

Artista que practica el arte de la pintura, que consiste en crear cuadros, frescos y en general en decorar superficies de un modo artístico. (Wikipedia)

“Un pintor es un hombre que pinta lo que vende. Un artista, en cambio, es un hombre que vende lo que pinta”
Pablo Picasso (1881-1973) Pintor y escultor español

VAN GOGH (Van Gogh) – 1991

gogh

Director Maurice Pialat
Guion Maurice Pialat
Fotografía Gilles Henry y Emmanuel Machuel
Música André Bernot, Jacques Dutronc, J.M. Bourget y P. Revedy
Producción Erato Films/Canal+/Films A2/Les Films du Livradois/Cofimage/CNC/Cofimage 2/Sofiarp/Club de Invesstisments/Investimage 2/Investimage 3
Nacionalidad Francia
Duración 158m. Color
Reparto Jacques Dutronc, Alexandra London, Gérard Séty, Bernard LeCocq, Corinne Bourdon, Elsa Zylberstein, Leslie Azoulai

«Los que aún la rechazan sólo ven en ella unos zafios borrones. Seguro que dentro de poco a la gente ‘formada’, como se dice, le parecerá sublime. Pero lo sublime ya está ahí»

Subjetivo y apasionado acercamiento a la atormentada personalidad de Vincent Van Gogh, ambientado en la acogedora localidad de Auvers-sur-Oise donde transcurrieron sus últimos meses de vida, que representa la postrera manifestación del perspicaz sentido iconoclasta que siempre caracterizó la obra de su realizador. Apoyándose en un guion diamantino y en una sensual formulación estética al servicio de los bellos paisajes que inspiraron la etapa más creativa del genial artista holandés, Maurice Pialat, pintor de vocación y cineasta versado en abordar crónicas sobre personajes emocionalmente lacerados, optó de manera sorpresiva por dulcificar la naturaleza inadaptable y esquizofrénica del protagonista a cambio de enfatizar sus ambiguas relaciones afectivas, tanto con una jovial prostituta parisina como con la hija del Dr. Gachet (contrastado admirador del arte impresionista), su inquietud por captar el fluir de la naturaleza, y, sobre todo, el distante vínculo que lo emparentaba con su hermano. Buenas interpretaciones, acentuadas por una palpable impronta de espontaneidad e improvisación.

Otras películas que retratan la vida de un PINTOR célebre

Rembrandt – Alexander Korda (1936)
El misterio de Picasso – Henri-Georges Clouzot (1956)
Pollock: la vida de un creador – Ed Harris (2000)

CONTUBERNIO (La fuerza del mal)

1. Acuerdo entre varias personas para hacer algo ilícito o perjudicial para otro.
2. Convivencia con otra persona, con fines oscuros o malintencionados.
(Larousse Editorial)

«Todas las protestas habidas obedecen a una conspiración masónica-izquierdista, de la clase política, en contubernio con la subversión comunista-terrorista en lo social, que si a nosotros nos honra a ellos les envilece»
Francisco Franco (1892-1975) Militar y dictador español

LA FUERZA DEL MAL (Force of evil) – 1948

force

Director Abraham L. Polonsky
Guion Abraham L. Polonsky e Ira Wolfert
Fotografía George Barnes
Música David Raskin
Producción Enterprise Productions Inc.
Nacionalidad Estados Unidos
Duración 75m. B/N
Reparto John Garfield, Beatrice Pearson, Thomas Gómez, Marie Windsor, Paul McVey, Roy Roberts, Howland Chamberlin, Barry Kelley.

«Uno puede pasarse el resto de la vida intentando recordar lo que no debería haber dicho»

Poderosa adaptación de la novela Tucker’s people de Ira Wolfert, que perdura como una de las grandes obras maestras del género negro y, al mismo tiempo, configura una de las más lúcidas, hirientes e intrépidas denuncias que jamás haya efectuado el cine norteamericano contra los hambrientos mecanismos del sistema capitalista. La historia de un insaciable abogado de Nueva York, cuyo peligroso contubernio con uno de los capos mafiosos de la ciudad acaba por desmoronar el negocio de apuestas ilegales que regenta su propio hermano, abarcaba un preciso apólogo moral sobre los frágiles límites que dividen la legitimidad del ejercicio de la corrupción. El film, dilucidado con portentosa sobriedad descriptiva y una vigorizante composición estética, desató un maléfico influjo sobre su realizador y el insigne protagonista, ambos de marcada querencia izquierdista: el primero fue abatido en la ‘caza de brujas’, viéndose relegado a subsistir escribiendo guiones bajo seudónimo durante veinte años, mientras que John Garfield falleció de un infarto poco tiempo después de rechazar su ideología y negarse a delatar a sus compañeros ante el Senado.

Otras películas sobre CONTUBERNIOS

Syriana – Stephen Gaghan (2005)
La guerra de Charlie Wilson – Mike Nichols (2007)
Un profeta – Jacques Audiard (2009)