Thriller

SECUENCIA (Hijos de los hombres)

1. Sucesión ordenada de cosas que guardan alguna relación entre sí.
2. En cinematografía, sucesión de imágenes o escenas que forman una unidad. (Larousse Editorial)
Un plano secuencia es, en el cine, una técnica de planificación de rodaje que consiste en la realización de una toma sin cortes durante un tiempo bastante dilatado, pudiendo usar travellings y diferentes tamaños de planos y ángulos en el seguimiento de los personajes o en la exposición de un escenario. Se puede utilizar para un efecto dramático y narrativo si se hace correctamente, y en tomas en movimiento a menudo se logra mediante el uso de una plataforma rodante o una Steadicam. Este procedimiento no se usa habitualmente debido al gran número de elementos que deben coordinarse (actores, cámara, iluminación, etc.) (…) Por este mismo motivo resulta más costoso que una planificación más fragmentada. (Wikipedia)

«Rodar en plano secuencia es como hacer el amor sin condón»
Alejandro González-Iñárritu (1963-) Cineasta mexicano

HIJOS DE LOS HOMBRES (Children of men) – 2006

Director Alfonso Cuarón
Guion Alfonso Cuarón, David Arata, Timothy J. Sexton, Hawk Ostby y Mark Fergus
Fotografía Emmanuel Lubezki
Música John Tavener
Producción Universal/Strike Entertainment/Hit & Run Prod./Ingenious Film Partners/Toho-Towa
Nacionalidad Reino Unido/ Estados Unidos/ Japón
Duración 114m. Color
Reparto Clive Owen, Julianne Moore, Michael Caine, Chiwetel Ejiofor, Peter Mullan, Danny Huston, Claire-Hope Ashitey, Pam Ferris.

«Según se apagaba el sonido de los parques, surgía la desesperación. Es muy raro lo que pasa en un mundo sin voces de niños»

Una vez acometida la tercera entrega de Harry Potter (2004), para muchos la mejor de la serie hasta la fecha, Alfonso Cuarón consolidó sus verdaderas credenciales estilísticas con esta poderosa adaptación de una abrumadora fábula distópica novelada por la experta en policíacos P.D. James, que inducía a reflexionar sobre los límites de la degradación ambiental, política e ideológica a la que nos encauzamos con nuestra irracional conducta social. Ambientada en una Inglaterra mugrienta tan factible y cercana (2027) como irreversiblemente apocalíptica, fustigada por la autocracia, el terrorismo, la infertilidad y la inmigración indiscriminada, vertía con gran intensidad descriptiva a través de un insuperable equilibrio entre acción, drama futurista e intriga la decisiva y postrera misión de un contrariado burócrata ex-activista: proteger a una muchacha negra embarazada, último atisbo de esperanza venidera tras el asesinato de la persona más joven del planeta (18 años). Cabe resaltar su estupenda banda sonora, el impecable reparto (con una estrafalaria interpretación de Michael Caine) y especialmente la ejecución, cámara al hombro, de unos sofisticados e impactantes planos secuencia de trazo hiperrealista.

Otras películas recordadas por un majestuoso PLANO SECUENCIA

Sed de mal – Orson Welles (1957)
Nostalgia – Andrei Tarkovsky (1983)
El secreto de sus ojos – Juan José Campanella (2009)

RALENTÍ (Hard boiled)

Slow motion, ralentí o cámara lenta es un efecto visual que permite retrasar artificialmente una acción con el fin de aumentar el impacto visual o emocional. La cámara lenta se obtiene rodando una escena con un número de imágenes por segundo superior a la velocidad de proyección. Al pasar el registro con un número de imágenes por segundo normal, la escena, más larga, da la impresión de desarrollarse lentamente. El austríaco August Musger inventó este método en 1904. Se utiliza generalmente en producciones cinematográficas como películas o videos musicales, en retransmisiones deportivas para enumerar una acción, comerciales de televisión, y en aplicaciones científicas. (Wikipedia)

«Mientras que en ingeniería mecánica y en cine este término no tiene una connotación negativa (está claro, si el motor está muy ajustado o si el director de cine no abusa de este recurso), cuando una economía se encuentra al ralentí difícilmente podremos llegar a la misma conclusión. Y Barcelona, como motor económico, ya hace un tiempo que funciona al ralentí»
Laia Bonet (1972-) Política y profesora de derecho española

HARD BOILED (HERVIDERO) (Lashou shentan) – 1992

Director John Woo
Guion John Woo y Barry Wong
Fotografía Wing-Heng Wang
Música Michael Gibbs
Producción Golden Princess/Milestone Pictures
Nacionalidad Hong Kong
Duración 126m. Color
Reparto Yun-Fat Chow, Tony Leung, Philip Chan, Teresa Mo, Philip Kwok, Bowie Lam, Anthony Wong, Bobbie Au-Yeung, Shui Ting Ng.

“Entrégale un arma a un tipo y creerá que es Superman. Entrégale dos y creerá que es Dios”

Justo antes de dejarse engullir por la industria hollywoodiense, cuyo mercado demandaba con avidez productos afines a su perfil estilístico, John Woo organizó este opíparo y encolerizado festín pirotécnico en el que reconducía las pautas del cine policíaco de acción a unas cotas de violencia, dramatismo y espectacularidad casi infranqueables. La traición, el sacrificio, la sed de venganza, el sentido del honor y la enigmática atracción entre policía y criminal, probablemente las referencias temáticas más frecuentadas por el realizador, cobraban presencia en esta dantesca ilustración de los tejemanejes éticos y comerciales que nutren las ilícitas actividades del gangsterismo hongkonés y la inseguridad ciudadana que éstas acarrean. La propensión de su autor por las imágenes ralentizadas y la extraordinaria banda sonora acentuaban todavía más, si cabe, las coreográficas e interminables secuencias de acción, en su mayoría auténticas escabechinas pletóricas de hervor, munición y hemoglobina. En el aspecto interpretativo, cabe resaltar el impresionante trabajo de Tony Leung.

Otras películas con imágenes al RALENTÍ

Grupo salvaje – Sam Peckinpah (1969)
Deseando amar – Wong Kar-Wai (2000)
Anticristo – Lars Von Trier (2009)

AUTOSTOP (Detour)

Práctica realizada por viajeros que buscan transporte de manera gratuita, con otros viajeros que se trasladan en automóvil, camión o por algún otro medio. La distancia recorrida puede variar de una distancia corta que también podría fácilmente ser caminada, a una larga que puede requerir varios «aventones». (Wikipedia)

«Holly vino de Miami, Florida, hizo su camino a través de USA en autostop. Se depiló las cejas de camino, se afeitó las piernas, y él se convirtió en ella.» (canción Walk on the wild side)
Lou Reed (1942-2013) Cantante y compositor de rock estadounidense

DETOUR (Detour) – 1945

Director Edgar G. Ulmer
Guion Martin Goldsmith
Fotografía Benjamin H. Kline
Música Leo Erdody
Producción Producers Releasing Corporation
Nacionalidad Estados Unidos
Duración 67m. B/N
Reparto Tom Neal, Ann Savage, Claudia Drake, Edmund MacDonald, Tim Ryan, Don Brodie, Esther Howard, Pat Gleason, Roger Clark.

«Haciendo autostop te ahorras el billete de autobús, pero es peligroso. Nunca sabes lo que te espera cuando oyes el ruido de unos frenos. Si llego a saber en lo que me iba a meter aquel día en Arizona…»

Un ejemplo más de la privativa facultad que la serie B norteamericana poseía para obtener ponderables resultados de una más que significativa carencia de medios. La pesadillesca odisea que padece un arisco y escéptico pianista neoyorquino al viajar en autoestop hacia Los Angeles para reunirse con su amada participaba de los convencionalismos del más puro cine negro -protagonismo de una voz en off en primera persona, perspicaz utilización del flashback, iluminación de trazo expresionista y presencia turbadora de una mujer fatal- para entretejer un thriller sucinto, lacónico y elíptico -hoy en día, venerado como pieza de culto-, cuya robustez y exactitud, tanto visual como descriptiva, conseguían enmascarar que fue rodada con un ínfimo presupuesto en seis días y prácticamente tres únicos decorados. Al parecer, la fatalidad del destino sobre la que reflexionaba el filme acabó por encapricharse de su protagonista, Tom Neil, que pocos años después falleció víctima de un trastorno cardíaco tras haber cumplido una condena de seis años por el asesinato de su esposa.

Otras películas en las que se practica AUTOSTOP

Sucedió una noche – Frank Capra (1934)
More – Barbet Schroeder (1969)
El verano de Kikujiro – Takeshi Kitano (1999)

CEREBRO (El mensajero del miedo)

Uno de los centros nerviosos constitutivos del encéfalo, existente en todos los vertebrados y situado en la parte anterior y superior de la cavidad craneal. (RAE)
El lavado de cerebro consiste en la aplicación de diversas técnicas de persuasión, coercitivas o no, mediante las cuales cambiar, en mayor o menor grado, las creencias, conducta, pensamientos y comportamiento de un individuo o sociedad, con el propósito de ejercer sobre ellos reconducciones o controles políticas, religiosas y cualquier otro. (Wikipedia)

«Algunos piensan que la educación es, precisamente, el mejor ejemplo del lavado de cerebro. Lo opuesto a educar de esta forma sería inculcar en el alumno el pensamiento crítico»
Eduard Punset (1936-) Abogado, Economista, ex ministro y divulgador científico español

EL MENSAJERO DEL MIEDO (The manchurian candidate) – 1962

Director John Frankenheimer
Guion George Axelrod
Fotografía Lionel Lindon
Música David Amram
Producción M.C. Productions/United Artists
Nacionalidad Estados Unidos
Duración 126m. B/N
Reparto Laurence Harvey, Frank Sinatra, Angela Lansbury, Janet Leigh, Henry Silva, James Gregory, Leslie Parrish, John McGiver.

«Llevo diecinueve años en el ejército y nunca me ha pasado cosa semejante. Me acosa esa pesadilla, es diabólica, espantosa…»

Retorcida, premonitoria y contundente invectiva contra el magnicidio propio de las altas esferas políticas, basada en la novela homónima de Richard Condon, que tuvo que adecuarse casi de inmediato a la condición de obra de culto clandestina debido a las intempestivas semejanzas que la entroncaron con aquel trágico y todavía oscuro episodio acaecido un año después en Dallas. Frank Sinatra, que compaginaba las funciones de actor y productor y mantenía además una afectuosa relación con la familia Kennedy, optó por interrumpir la irregular carrera comercial de este admirable thriller psicológico en torno al espeluznante lavado de cerebro al que es sometido un excombatiente de la guerra de Corea por parte de una red de espías soviética, en la que colaboraba su propia madre (imponente Angela Lansbury, por cierto, sólo tres años mayor que Laurence Harvey). Un film adelantado a su época, de manifiesto talante progresista, que no admite comparaciones con el remake homónimo dirigido por Jonathan Demme en 2004 y donde, por encima de todo, despuntaba la personalísima fuerza narrativa y visual de un director a reivindicar con urgencia.

Otras películas sobre LAVADOS DE CEREBRO

La naranja mecánica – Stanley Kubrick (1971)
El dormilón – Woody Allen (1973)
La ola – Dennis Gansel (2008)

PSICOPATÍA (La venganza es mía)

Condición mental enfermiza que hace que la persona presente alguna alteración (…) en la mayoría de los casos, una persona que sufre una psicopatía (es decir, un psicópata) presenta serios problemas para llevar una vida social normal, que no ponga en peligro su integridad física o la de aquellos que la rodean (…) el peligro de un psicópata es que puede pasar como cualquier otra persona sin que aquellos que lo rodean noten su estado de inestabilidad mental (…) una de las principales características del psicópata la falta de remordimiento o temor ante los actos cometidos. Esto hace que una persona que sufre de esta alteración mental cometa un asesinato sin sentir culpa y sin ver desestabilizado su estado emocional. (definicionabc.com)

“La personalidad del llamado psicópata es otro ejemplo de la pérdida permanente de las necesidades de amor. Una forma de comprender esta disfunción de la personalidad es que las personas que carecieron de amor en los primeros meses de su vida, sencillamente han perdido ese deseo para siempre, así como la capacidad de dar y recibir afecto”
Abraham Maslow (1908-1970) Psicólogo estadounidense

LA VENGANZA ES MÍA (Fukushû suruwa wareniari) – 1979

Director Shohei Imamura
Guion Masaru Baba
Fotografía Sinsaku Himeda
Música Shinichirô Ikebe
Producción Imamura Productions/Sochiku Films
Nacionalidad Japón
Duración 124m. Color
Reparto Ken Ogata, Mayumi Ogawa, Rentaro Mikuni, Mitsuko Baisho, Nijiko Kiyokawa, Chocho Miyako, Moeko Ezawa, Kazuo Shirakawa.

«No te perdonaré jamás (…) Y Dios tampoco te perdonará. Llevamos la misma sangre. Los dos llevamos la sangre del demonio en las venas»

El injusto fracaso comercial obtenido en 1968 con la sensual y costumbrista EL PROFUNDO DESEO DE LOS DIOSES hizo que Imamura descuidara las películas con argumento y centrara su actividad como realizador en la elaboración de diferentes documentales y reportajes televisivos de trasfondo bélico hasta que, por fin, decidió ponerse tras la cámara para acometer esta exploración subjetiva del complejo instinto criminal que hostiga el psicopático, usurpador y antisocial temperamento de un individuo límite en amoralidad y malevolencia, según la novela homónima de Ryuzo Saki. Sin ánimo de reprobar o justificar su vil comportamiento, el film pretendía descifrar el traumático origen del contradictorio desequilibrio interior del protagonista (espléndido Ken Ogata) por medio de una contemporización casi antropológica, que huía de toda superfluidad temática o estética a través de una enérgica y cautivadora narración acronológica, parecida a la que su director aplicaría diez años después para llevar a cabo la magistral, angustiosa y sobrecogedora LLUVIA NEGRA.

Otras películas sobre la PSICOPATÍA

Arsénico por compasión – Frank Capra (1944)
Monsieur Verdoux – Charles Chaplin (1947)
El estrangulador de Rillington Place – Richard Fleischer (1971)