Drama familiar

SINSABOR (Chica para matrimonio)

Sentimiento de tristeza y dolor provocado por una situación desagradable o una desgracia. Disgusto. (Larousse Editorial)

“La mejor de las vidas está llena de sinsabores, dificultades, fracasos, cosas que se han quedado a mitad de camino y no han salido”
Enrique Rojas (1949-) Médico y catedrático de psiquiatría español

CHICA PARA MATRIMONIO (The marrying kind) – 1952

Director George Cukor
Guion Ruth Gordon y Garson Kanin
Fotografía Joseph Walker
Música Hugo Friedhofe
Producción Columbia
Nacionalidad Estados Unidos
Duración 92m. B/N
Reparto Judy Holliday, Aldo Ray, Madge Kennedy, Sheila Bond, Mickey Saughnessy, John Alexander, Peggy Cass, Susan Hallaran, Rex Williams.
* Frank Sinatra & The Pied Pipers – Dolores

«Escucha abogado, hay un antiguo dicho: ‘Cada cuestión tiene tres aspectos, el de usted, el del otro y la verdad’ (…) Nunca he visto una causa en la que la razón estuviera únicamente de una parte»

Una pareja neoyorquina de clase media rememora con visos terapéuticos ante la comprensiva juez del tribunal de relaciones domésticas que tramita su petición de divorcio las carencias, disensiones y vicisitudes cotidianas que han arrastrado a su matrimonio por el inevitable sendero del fracaso. La fluida representación en flashbacks de estos agridulces episodios permitiría al gran George Cukor seguir rentabilizando el perfecto maridaje entre su proverbial elegancia y sentido del ritmo para los diálogos y aquella virtuosa, perspicaz e irónica pluma surgida del binomio conyugal Gordon/Kanin. El resultado fue una resbaladiza mixtura de comedia romántica, drama costumbrista y tragedia familiar, solventada en un tono general esencialmente amargo, que formulaba una incisiva exploración a los sinsabores de la rutinaria vida hogareña. El chirriante talento de Judy Holliday consiguió no sólo ennoblecer la naturaleza de su personaje con candorosa ternura y espontaneidad sino incluso ocultar las deficiencias interpretativas de su ‘partenaire’, el entonces principiante Aldo Ray.

Otras películas que retratan los SINSABORES de la vida cotidiana

Y el mundo marcha – King Vidor (1928)
Las mejores intenciones – Bille August (1992)
Boyhood – Richard Linklater (2014)

PATRIARCADO (Padre padrone)

Entendemos por patriarcado en su sentido más sencillo el gobierno de los padres. Se trata de la manifestación y la institucionalización del dominio masculino, sobre las mujeres y sociedad en general. Se caracteriza por la autoridad, impuesta desde instituciones, de los hombres sobre las mujeres y sus hijos en la unidad familiar. En este tipo de sociedades existe una desvalorización de la mujer, que es relegada a un segundo plano. (tnrelaciones.com)

«Bajo el patriarcado, cada hijo de cada mujer es su traidor potencia y también el inevitable violador o explotador de otra mujer»
Andrea Dworkin (1946-2005) Escritora judía de origen estadounidense y activista del feminismo radical

PADRE PATRÓN (Padre Padrone) – 1977

Director Paolo y Vittorio Taviani
Guion Paolo y Vittorio Taviani
Fotografía Mario Masini
Música Egisto Macchi
Producción RAI/SRL
Nacionalidad Italia
Duración 116m. Color
Reparto Omero Antonutti, Saverio Marconi, Fabrizio Forte, Nanni Moretti, Stanko Molnar, Marcella Michelangeli, Mario Cenna.

«Tú no eres el patrón de nadie. Vosotros, los patriarcas, sólo habéis hecho dos cosas en la vida: obedecer, primero, y mandar después.»

Espléndida adaptación de la novela autobiográfica Padre Padrone, l’educazione di un pastore de Gavino Ledda, quien intervino en el largometraje apareciendo en su prólogo y epílogo, que se mantiene como una de las obras más representativas, polémicas y distinguidas del singular clasicismo operístico cultivado por los hermanos Taviani. A partir de la violenta y perseverante lucha que mantuvo durante veinte años un joven pastor sardo contra la brutalidad, el despotismo y la ignorancia de su progenitor hasta encontrar su propia identidad en el mundo de la cultura y la enseñanza, se edificaba un lacerante alegato contra el patriarcado ancestral que no vacilaba en transmitir con contundente perspicacia la imperiosa obligación de esforzarse por suprimir cualquier estado de dominio opresor. Una película dura, amarga y esencialmente realista, rodada en 16 mm para la televisión italiana con una firmeza narrativa, un vigor poético y un cautivador tratamiento de la sordidez difícilmente superables, que, además, deparaba una inmensa composición actoral de Omero Antonutti.

Otras películas sobre el PATRIARCADO

Con él llegó el escándalo – Vincente Minnelli (1960)
El castillo de la pureza – Arturo Ripstein (1972)
Celebración – Thomas Vinterberg (1998)

VEJEZ (Dejad paso al mañana)

La vejez es la última etapa de la vida de los seres vivos antes que se produzca el fallecimiento y es una inevitable consecuencia del paso del tiempo (…) la enfermedad desempeñará un papel relativamente importante en esta etapa, ya que es común que aparezcan los deterioros físicos, en algunos casos serán complejos, en otros menos, pero siempre habrá algún que otro achaque que molesta. La osteoporosis, el Alzheimer, la artrosis, la diabetes y las cataratas son algunas de las afecciones más típicas de este tiempo (…) La pensión que el estado le otorga a quienes transcurren la vejez es la que les permitirá afrontar sus gastos sin necesidad de trabajar, aunque claro, sabemos que en algunos países la misma resulta ser tan baja que si no se tiene el aporte de algún familiar, un hijo, por ejemplo, resulta bastante difícil llegar a fin de mes. (definicionabc.com)

“La vejez es un tirano que prohibe, bajo pena de muerte, todos los placeres de la juventud”
François de La Rochefoucauld (1613-1680) Escritor, aristócrata y militar francés

DEJAD PASO AL MAÑANA (Make me way for tomorrow) – 1937

Director Leo McCarey
Guion Viña Delmar, Helen Leary y Noah Leary
Fotografía William C. Mellor
Música George Antheil
Producción Paramount
Nacionalidad Estados Unidos
Duración 89m. B/N
Reparto Victor Moore, Beulah Bondi, Thomas Mitchell, Porter Hall, Louise Beavers, Fay Bainter, Barbara Read.
* Leo Friedman – Let me call you sweetheart

«Cuando tienes diecisiete años el mundo es maravilloso, tu vida está llena de diversión, de alegría, fiestas y bailes. Pero cuando tienes setenta, ya no te importan las fiestas, ni piensas en ir a bailar, y la única diversión que te queda es fingir que no hay ninguna realidad que asumir»

Extraordinaria combinación de comedia y melodrama, basada en la discreta novela The years are so long de la reconocida columnista Josephine Lawrence, cuya frescura y delicada causticidad no sólo ha permanecido inalterable a lo largo de los años sino que, incluso, ha acrecentado su profunda vigencia y validez humana, constituyendo hoy en día uno de los legados más sensibles y emocionantes del cine americano de los treinta. Exhibiendo su particular sutileza, sencillez y desenvoltura para analizar las relaciones de pareja, Leo McCarey ilustraba con sereno clasicismo las contrariedades de carácter financiero y afectivo que ha de afrontar un entrañable matrimonio de ancianos de Nueva York hasta difundir una implacable mirada al tema de la vejez y, en concreto, al espantoso e ingrato egoísmo que ésta suele despertar a su alrededor. Ni una realización portentosa, capaz de conmutar amargura en romanticismo gracias a su sardónico distanciamiento, ni sus admirables interpretaciones lograron impedir un fracaso comercial tan injusto y desproporcionado que motivó el despido de la Paramount de su loable director.

Otras películas sobre la VEJEZ

Vivir – Akira Kurosawa (1952)
Umberto D – Vittorio De Sica
Una historia verdadera – David Lynch (1999)

ODIO (El mundo sigue)

Sentimiento de profunda antipatía, disgusto, aversión, enemistad o repulsión hacia una persona, cosa, o fenómeno, así como el deseo de evitar, limitar o destruir a su objetivo (…) El odio se describe con frecuencia como lo contrario del amor o la amistad. El odio puede generar aversión, sentimientos de destrucción, destrucción del equilibrio armónico y ocasionalmente autodestrucción (…) El odio no es justificable desde el punto de vista racional porque atenta contra la posibilidad de diálogo y construcción común. (Wikipedia)

“El odio es una sombra negra y alargada. En muchos casos, ni siquiera quien lo siente sabe de dónde le viene. Es un arma de doble filo. Al mismo tiempo que herimos al contrincante nos herimos a nosotros mismos. Cuanto más grave es la herida que le infligimos, más grave es la nuestra. El odio es muy peligroso. Y, una vez que ha arraigado en nuestro corazón, extirparlo es una tarea titánica”
Haruki Murakami (1949-) Escritor japonés

EL MUNDO SIGUE (El mundo sigue) – 1965

Director Fernando Fernán Gómez
Guion Fernando Fernán Gómez
Fotografía Emilio Foriscot
Música Daniel J. White
Producción Ada Films
Nacionalidad España
Duración 124m. B/N
Reparto Fernando Fernán Gómez, Lina Canalejas, Gemma Cuervo, Agustín González, Milagros Leal, Francisco Pierrá, María Luisa Ponte.

«La deshonra es como el aceite, que se extiende y acaba ensuciando con su mancha todo lo que está cerca»

Lacerante adaptación de la novela homónima de Juan Antonio de Zunzunegui que persiste como el título maldito por antonomasia de la cinematografía española, además del trabajo de corte dramático más rotundo y significativo en la filmografía de su realizador, guionista y protagonista. Imbuido por un matiz naturalista de esperpéntico tremendismo y una poderosa carga sexual, el film ofrecía una severa estampa de la sociedad española de la época al describir con rabiosa enjundia la problemática cotidiana que abrumaba a una familia de clase media-baja radicada en el barrio madrileño de Maravillas y marcada por el irreprimible odio recíproco que alimentan dos hermanas de distinta conducta personal, social y amatoria. La claridad con la que se abordaban cuestiones hasta entonces poco menos que prohibitivas como el libertinaje, el aborto o el adulterio, unida al sarcasmo que chapoteaban otros temas como la beatería, la ludopatía o la deshonestidad de la crítica artística, motivó la severa intervención de la censura en una cinta determinada por el desgarrado brío de sus interpretaciones.

Otras películas sobre el ODIO

Odio entre hermanos – Joseph L. Mankiewiz (1949)
¿Qué fue de Baby Jane? – Robert Aldrich (1962)
La guerra de los Rose – Danny De Vito (1989)

GRAMÓFONO (Serenata nostálgica)

Primer sistema de grabación y reproducción de sonido que utilizó un disco plano, a diferencia del fonógrafo que grababa sobre un cilindro. Asimismo fue el dispositivo más común para reproducir sonido grabado desde la década de 1890 hasta mediados de la década de 1950, cuando apareció el disco de vinilo a 33 RPM. El gramófono fue patentado por Emile Berliner en 1888. (Wikipedia)

«Al principio, la curiosidad multiplicó la clientela de la calle prohibida, y hasta se supo de señoras respetables que se disfrazaron de villanos para observar de cerca la novedad del gramófono, pero tanto y de tan cerca lo observaron, que muy pronto llegaron a la conclusión de que no era un molino de sortilegio, como todos pensaban y como las matronas decían, sino un truco mecánico que no podía compararse con algo tan conmovedor, tan humano y tan lleno de verdad cotidiana como una banda de músicos» (libro Cien años de soledad)
Gabriel García Márquez (1927-2014) Escritor, novelista, cuentista, guionista y periodista colombiano

SERENATA NOSTÁLGICA (Penny serenade) – 1941

Director George Stevens
Guion Morrie Ryskind
Fotografía Joseph Walker
Música W. Franke Harling
Producción Columbia
Nacionalidad Estados Unidos
Duración 119m. B/N
Reparto Irene Dunne, Cary Grant, Beulah Bondi, Edgar Buchanan, Leonard Willey, Ann Doran, Wallis Clark, Walter Soderling, Eva Lee Kuney.
* Johnny Johnston – You were meant for me

«La primera vez que la vi… tan pequeña y tan desvalida; yo ignoraba que los niños fuesen tan pequeños. Luego ella se agarró a mi dedo y no me soltaba; fue así como se metió en mi corazón y se quedó dentro de él. Yo no conocía ese sentimiento…»

A través de una singular y hábil sucesión de flashbacks, ordenada en torno a las melancólicas canciones que la protagonista evoca en su gramófono, se desarrollan los diversos trances afectivos por los que atraviesa un matrimonio norteamericano de clase media integrado por un periodista y una vendedora de discos. Esta original estructura narrativa fue perfectamente aprovechada por George Stevens para colmar de sensibilidad y delicadeza psicológica esta adaptación de un relato original homónimo de Martha Cheavens, que, utilizando el tema de la adopción como motor argumental, fluctuaba entre la comedia ligera y el desgarrado melodrama romántico-sentimental con sorprendente atrevimiento y coherencia. Pero, sin duda alguna, este curioso proceso encomendado a subrayar la trascendencia de asumir y ejercer la responsabilidad de ser padres de todo matrimonio no hubiese alcanzado tanta brillantez sin la espléndida química transmitida por su reputada pareja protagonista, que volvió a seducir al público dotando a sus personajes de una entrañable frescura y humanidad.

Otras películas donde aparecen GRAMÓFONOS

¡Viva la libertad! – René Clair (1931)
L’Atalante – Jean Vigo (1934)
Fitzcarraldo – Werner Herzog (1982)