Drama de época

CONTEXTO (El cielo y tú)

Entorno físico o de situación, político, histórico, cultural o de cualquier otra índole, en el que se considera un hecho. (RAE)

“En el buen periodismo, además de la descripción de un acontecimiento, tenéis también la explicación de por qué ha sucedido; en el mal periodismo, en cambio, encontramos sólo la descripción, sin ninguna conexión o referencia al contexto histórico.”
Ryszard Kapuściński (1932-2007) Periodista, historiador, escritor, ensayista y poeta

EL CIELO Y TÚ (All this, and heaven too) – 1940

Director Anatole Litvak
Guion Casey Robinson
Fotografía Ernest Haller
Música Max Steiner
Producción Warner Bros.
Nacionalidad Estados Unidos
Duración 140m. Color
Reparto Bette Davis, Charles Boyer, Barbara O’Neil, Jeffrey Lynn, Helen Westley, Henry Daniell, Harry Davenport.

«La felicidad no es un pastel que podamos cortar a medida de nuestros deseos.»

En 1938, Rachel Field alcanzó un rotundo éxito de ventas con una novela donde reconstruía el verídico escándalo amoroso de trágicas consecuencias en el que se vio envuelta su tía abuela, la virtuosa institutriz Henriette Deluy-Desportes, al trascender del ámbito puramente laboral su vínculo con el gentil duque de Choiseul-Praslin, súbdito del último rey de Francia Luis Felipe I. Dos años después, la Warner escogió a Anatole Litvak para dirigir esta adaptación homónima del best-seller, lo que suponía para el realizador ucraniano una nueva oportunidad de trabajar con Bette Davis, tras el discreto resultado de LAS HERMANAS (1938). La actriz más lucrativa de la productora no defraudó, transmitiendo la fuerza y vulnerabilidad de su personaje a través de una actuación sutil, contenida y pletórica de matices. La profunda influencia de los condicionamientos sociales en las relaciones afectivas y el devastador efecto de los celos patológicos canalizaban la fuerza motriz de este intenso drama de época, descrito en un amplio flashback y apoyado esencialmente en un meticuloso diseño de producción, que reproducía con pulcritud el convulso contexto socio-político prerrevolucionario.

Otros dramas románticos determinados por su CONTEXTO social y político

Doctor Zhivago – David Lean (1965)
El paciente inglés – Anthony Mingella (1996)
Cold war – Paweł Pawlikowski (2018)

APODO (Bola de sebo)

Nombre que suele darse a una persona, tomado de sus defectos corporales o de alguna otra circunstancia. (RAE)

“Nos parece que no se puede atribuir un apodo cualquiera a alguien que deberá absorberlo y sufrirlo como un atributo durante toda su vida” (libro Historias de cronopios y de famas)
Julio Cortázar (1914-1984) Escritor y profesor argentino

BOLA DE SEBO (Pyshka) – 1934

Director Mikhail Romm
Guion Mikhail Romm
Fotografía Boris Volchek
Música Mikhail Chulaki
Producción Mosfilm
Nacionalidad Unión Soviética
Duración 70m. B/N
Reparto Galina Sergeyeva, Andrei Fajt, Faina Ranevskaya, Pyotr Repnin, Tatyana Okunevskaya.

«¡Es Bola de Sebo! Todos en Rouen la conocen…»

En su debut como realizador, Mikhail Romm puso fin a la producción de cine silente en la Unión Soviética con esta breve, fiel y sumamente expresiva adaptación del mordaz cuento homónimo de Guy de Maupassant, posteriormente versionado (entre otros) por Kenji Mizoguchi (1935), John Ford (1939), Robert Wise (1944) o Christian-Jacque (1945). Ambientada en la Francia de 1870, en plena ocupación del ejército prusiano, narraba parte del trayecto en diligencia desde Rouen hasta Le Havre que una rolliza y despreciada prostituta se obligada a compartir con dos parejas de comerciantes, otro matrimonio de aristócratas, un revolucionario y dos monjas, haciendo especial hincapié en la retención en una posada del carruaje por parte de un libidinoso oficial invasor. Una sátira social de apreciable pulso narrativo y valiosa fluidez expositiva, particularmente notoria en su preciso dominio del primer plano, que cumplía con su propósito de caricaturizar la mezquindad e hipocresía de la decadente sociedad burguesa de la época, por lo común resguardada bajo un manto de falsa devoción patriótica.

Otras películas tituladas con el APODO del personaje protagonista

Juan Nadie – Frank Capra (1941)
Mouchette – Robert Bresson (1967)
Toro salvaje – Martin Scorsese (1980)

VIOLA (Todas las mañanas del mundo)

Instrumento musical de cuerda frotada, similar en cuanto a materiales y construcción al violín pero de mayor tamaño y sonido más grave. Su tesitura se sitúa entre los graves y medios del violín y los agudos del violonchelo. La viola es considerada como el contralto o el tenor dramático de la familia de las cuerdas. (Wikipedia)

«En ninguna casa de la buena burguesía faltaba el conjunto de violas, que constaba casi siempre de seis instrumentos: contraltos, tenores y bajos, colocados en la antesala a disposición de las visitas que se aguardaban.»
Johannes Wolf (1869-1947) Musicólogo, archivero y profesor alemán

TODAS LAS MAÑANAS DEL MUNDO (Tous les matins du monde) – 1991

Director Alain Corneau
Guion Alain Corneau y Pascal Quignard
Fotografía Yves Angelo
Música Jordi Savall
Producción FR3 Films Production/Studiocanal/Sédif Productions/Divali Films
Nacionalidad Francia
Duración 115m. Color
Reparto Gérard Depardieu, Jean-Pierre Marielle, Anne Brochet, Caroline Silhol, Guillaume Depardieu, Michel Bouquet.

«El objetivo de la música es seducir el alma, hacer perder el sentido, conmover…»

Desvinculado ya de su primigenia y comprometida adscripción al género policíaco, Alain Corneau aportó a la cinematografía francesa de los noventa uno de sus más importantes éxitos de crítica y público con este refinado drama de época, basado en la prestigiosa novela homónima de Pascal Quignard. En un ceremonioso acercamiento a la esencia de la música como arte, pasión y sentimiento, la película esgrimía un amplio flashback con sosegada cadencia narrativa para evocar libremente la tumultuosa relación que Marin Marais, destacado violagambista de la corte de Luis XIV, mantuvo entre 1660 y 1669 con el genial maestro y compositor Monsieur de Sainte-Colombe, por entonces, inmerso en un decadente estado de melancolía y austero misticismo a raíz del fallecimiento de su esposa. Un largometraje de minuciosa recreación estética, majestuosas piezas musicales arregladas por Jordi Savall y conmovedora labor interpretativa de un impecable reparto, donde el díscolo y malogrado Guillaume Depardieu protagonizaba su primer gran papel compartiendo personaje con su progenitor.

Otras películas donde se interpreta la VIOLA

El cuarteto Basileus – Fabio Carpi (1983)
Kolya – Jan Sverák (1996)
El último concierto – Yaron Zilberman (2012)

SENSATEZ (Sentido y sensibilidad)

Cualidad que tienen las personas que muestran buen juicio, prudencia y madurez en sus actos y decisiones. (Oxford Languages)

“Un obstáculo capital del progreso del género humano es que la gente no escucha a quienes hablan con sensatez sino a quienes hablan más alto”
Arthur Schopenhauer (1788-1860) Filósofo alemán

SENTIDO Y SENSIBILIDAD (Sense and sensibility) – 1995

Director Ang Lee
Guion Emma Thompson
Fotografía Michael Coulter
Música Patrick Doyle
Producción Columbia/Mirage Entertainment
Nacionalidad Reino Unido/ Estados Unidos
Duración 135m. Color
Reparto Emma Thompson, Kate Winslet, Hugh Grant, Alan Rickman, Greg Wise, Emilie François, Imogen Stubbs, Imelda Staunton, Hugh Laurie.

«¿Puede el alma estar realmente satisfecha con afectos tan afables? Amar es arder, estar en llamas, como Julieta, Ginebra o Eloísa (…) ¿Patético? ¿Morir por amor? ¿Cómo puedes decir eso? ¿Qué podría ser más glorioso?»

Constatando, una vez más, su enorme talento como actriz, Emma Thompson destapó grandes dotes como guionista al adaptar con meticulosidad y un loable poder de síntesis la homónima primera novela de Jane Austen, trasladada a imágenes por el taiwanés Ang Lee con armonía, delicadeza y una irónica observación costumbrista, que revelaba un singular paralelismo entre los ritos sociales anglosajones y la protocolaria ceremoniosidad oriental. Ambientada en la campiña inglesa de principios del s. XIX, narraba el súbito desamparo económico de una viuda y sus tres hijas en el prejuicioso e intransigentemente clasista ámbito de la alta sociedad, esgrimiendo la antagónica conducta sentimental de las dos hermanas casaderas para elucubrar sobre si la sensatez en materia amorosa consiste en dominar los impulsos del corazón con templanza o, por el contrario, abandonarse a ellos con sensibilidad y entusiasmo. Impecable diseño de producción, cadenciosa banda sonora de Patrick Doyle y extraordinario trabajo interpretativo, a excepción de la insípida y poco creíble presencia de Hugh Grant.

Otras películas sobre la SENSATEZ en materia amorosa

Desengaño – William Wyler (1936)
Los puentes de Madison – Clint Eastwood (1995)
Carol – Todd Haynes (2015)

FRONTALIDAD (Francisca)

Posición de estar situado de frente con respecto a alguien o algo. (universojus.com)
Se denomina Ley de frontalidad a un principio fundamental de la escultura arcaica (en Eurasia y la cuenca del Mediterráneo) que se observa casi invariablemente desde el Paleolítico hasta fines del Neolítico. Impide la flexión lateral de las representaciones de los cuerpos si están figurados en esculturas aisladas, lo que hace que tales esculturas sean altamente simétricas según su eje vertical (…) En el teatro también se aplica un criterio similar al frontalismo, pues los actores no deben dar la espalda a los espectadores. En el cine se aplicó en sus inicios, pero gracias a la movilidad de la cámara, que permite el uso de los más diversos ángulos de visión, se abandonó rápidamente el frontalismo. (Wikipedia)

«El arte de representar la figura humana en el mundo antiguo comienza y termina con la frontalidad»
Arnold Hauser (1892-1978) Historiador del arte húngaro

FRANCISCA (Francisca) – 1981

Director Manoel de Oliveira
Guion Manoel de Oliveira
Fotografía Elso Roque
Música João Paes
Producción V.O. Filmes
Nacionalidad Portugal
Duración 160m. Color
Reparto Teresa Menezes, Diogo Dória, Mário Barroso, Manuela de Freitas, Rui Mendes, Isabel de Castro, Duarte de Almeida.

«Poco sabe de tristeza quien le dice al triste que se alegre. Los dolores profundos crecen con la consolación. Aliviarlos parece una afrenta»

Excepcional adaptación de un turbio episodio real ocurrido en la vida del literato romántico Camilo Castelo Branco, resucitado por Agustina Besa Luis para componer la que sería su última novela Fanny Owen, que constituye una obra esencial y definitoria del tan particular como identificable estilo a contracorriente de Manoel de Oliveira. La obsesiva y funesta historia de honor, decadencia y pasión a tres bandas que aconteció a caballo entre Oporto y Santa Cruz de Douro, a mediados del siglo XIX, entre el impulsivo escritor lisboeta, su taciturno amigo y rival José Augusto y una delicada joven de origen inglés progresa con evanescente dramatismo a través de una sombría puesta en escena de inspiración teatral y sensibilidad pictórica, estructurada en una sucesión de capítulos introducidos con breves y elípticos rótulos explicativos. Frontalidad del encuadre, interpelaciones a cámara o repetición inmediata de textos, entre otros singulares recursos estilísticos, determinan esta apuesta erudita, densa y chocante, donde el entonces ya septuagenario cineasta luso afianzaba su profunda y arraigada ilación con la literatura.

Otras películas donde destaca la FRONTALIDAD y el estatismo del plano

La palabra – Carl Th. Dreyer (1955)
El Gran Hotel Budapest – Wes Anderson (2014)
El reverendo – Paul Schrader (2017)