Autor: antoniomartingarcia

ACANTILADO (La hija de Ryan)

Accidente geográfico que consiste en una pendiente o vertical abrupta. Normalmente se alude a acantilado cuando está sobre la costa, pero también pueden ser considerados como tales los que existen en montañas, fallas y orillas de los ríos. Suelen estar compuestos por rocas resistentes a la erosión y al desgaste por la acción atmosférica, generalmente rocas sedimentarias como la limonita, arenisca, caliza, dolomita, aunque también pueden apreciarse rocas ígneas como el basalto o el granito en estas formaciones. (Wikipedia)

«Yo había saltado desde el borde del acantilado y justo cuando estaba a punto de dar contra el fondo, ocurrió un hecho extraordinario: me enteré de que había gente que me quería. Que le quieran a uno de ese modo lo cambia todo. No disminuye el terror de la caída, pero te da una nueva perspectiva de lo que significa ese terror.»
Paul Auster (1947-) Escritor estadounidense

LA HIJA DE RYAN (Ryan’s daughter) – 1970

Director David Lean
Guion Robert Bolt
Fotografía Freddie Young
Música Maurice Jarre
Producción Faraway Productions/Metro Goldwyn Mayer
Nacionalidad Gran Bretaña
Duración 187m. Color
Reparto Sarah Miles, Robert Mitchum, Trevord Howard, Christopher Young, Leo McKern, John Mills, Barry Foster, Arthur O’Sullivan.

«No hacer nada es una ocupación muy peligrosa.»

Vilipendiado en su momento por la crítica con una desmesura tal que provocó el aislamiento profesional de Lean durante más de una década, este regio y exuberante melodrama intimista emerge en la actualidad como un generoso compendio de su insólita facultad a la hora de aunar el preciosismo formalista con una esencia dramática basada en el análisis de los personajes y en la captación de emociones encontradas, latentes y contenidas. Un pueblo de la costa oeste irlandesa cercano a los acantilados de Kerry, azorado por las luchas mantenidas con el ejército británico de ocupación a principios del s. XX, sirve como escenario para enmarcar la insatisfacción amorosa, el fatalismo y la incomprensión social que circundan la doble relación sentimental que una romántica joven sostiene con su esposo, un tolerante y lánguido profesor veinte años mayor que ella, y un oficial inglés mutilado. Magistral música de Jarre, bellísima fotografía en SuperPanavision y espléndidas interpretaciones para un film que merece mucha mayor consideración de la que hasta ahora ha recibido.

Otras películas embellecidas por un ACANTILADO:

La mujer del teniente francés – Karel Reisz (1981)
El ojo de la aguja – Richard Marquand (1981)
Retrato de una mujer en llamas – Céline Sciamma (2019)

CAOS (Sopa de ganso)

Desorden o confusión muy grandes en un conjunto de cosas, una situación, un asunto, un lugar o una colectividad. (2016 Larousse Editorial)

«Donde ninguno manda, mandan todos. Donde todos mandan, nadie manda. Es el caos»
Jacques-Bénigne Bossuet (1627-1704) Clérigo, predicador e intelectual francés

SOPA DE GANSO (Duck soap) – 1933

Director Leo McCarey
Guion Bert Kalmar y Harry Ruby
Fotografía Henry Sharp
Música Arthur Johnston
Producción Paramount
Nacionalidad Estados Unidos
Duración 70m. B/N
Reparto Groucho Marx, Harpo Marx, Chico Marx, Zeppo Marx, Margaret Dumont, Louis Calhern, Raquel Torres, Edmund Breese.

«Recuerde, señor, que estamos luchando por el honor de esta mujer, probablemente mucho más de lo que ella nunca hizo por sí misma»

Delirante sátira socio-política, que, además de figurar entre las mejores películas de los míticos hermanos Marx, representa una de las obras cumbres del denominado humor surrealista o de lo absurdo. El calamitoso conflicto entre las caóticas e imaginarias repúblicas de Silvania y Freedonia servía de telón de fondo para perpetrar un feroz alegato contra el sinsentido de las guerras y los dictadores que las promueven, cuya devastadora insolencia levantó las iras del propio Mussolini y propició la rescisión del contrato que unía a sus desaforados protagonistas con la Paramount a raíz de su exiguo rendimiento comercial. Sin embargo, la posteridad acabaría contrastando su valía como artificio cómico de apoteósica magnitud y, consecuentemente, valorando la insólita asociación del anárquico y disolvente humor marxiano con el incuestionable talento para la comedia de Leo McCarey, corroborada en una efusión de ‘sketches’ verbales y visuales tan ingeniosos como la melódica asamblea ministerial, la célebre secuencia del espejo o los desaires del imprevisible Groucho a la cándida Miss Dumont.

Otras películas instaladas en el CAOS

Cuando el destino nos alcance – Richard Fleischer (1973)
Pi, fe en el caos – Darren Aronofsky (1998)
V de Vendetta – James McTeigue (2005)

RETROSPECTIVA (Recuerdos)

1. Que se considera en su desarrollo anterior.
2. Dicho de una exposición o de una muestra, que presenta cronológicamente las obras de un artista o un grupo con el fin de mostrar cabalmente su trayectoria. (RAE)

«Cuando analizo las cosas en retrospectiva, me pregunto qué hicimos mal… Sin embargo estoy convencido de que no hay ningún conocimiento que sea terrible. Lo que es terrible, es lo que hacen los seres humanos con el conocimiento» (novela Hellson 2)
Aurora Seldon (1971-) Escritora peruana

RECUERDOS (Stardust memories) – 1980

Director Woody Allen
Guion Woody Allen
Fotografía Gordon Willis
Música Dick Hyman
Producción United Artists
Nacionalidad Estados Unidos
Duración 88m. B/N
Reparto Woody Allen, Charlotte Rampling, Jessica Harper, Marie-Christine Barrault, Tony Roberts, Daniel Stern, Amy Wright, Louise Lasser.
* Django Reinhardt – I’ll see you in my dreams

«Para ti soy un ateo, pero para Dios soy un miembro de la oposición»

Tal y como hizo con su idolatrado Ingmar Bergman en INTERIORES (1978), Woody Allen rindió tributo a su otro admirado maestro, Fellini, para lo que no dudó en adecuar a su talante mordaz y neurasténico el sinuoso esqueleto argumental que propició aquel portentoso razonamiento sobre las dificultades de la creación y las relaciones con el sexo femenino que entrañaba OCHO Y MEDIO (1963). Excusándose en la agotadora e incómoda visita de un exitoso cineasta (y axiomático alter-ego) a un hotel de Long Island para inaugurar una retrospectiva sobre su hilarante obra, el genio neoyorquino recapacitó, a medio camino entre lo burlesco, lo vital y lo narcisista, acerca de su perpetua inestabilidad afectiva, sus triviales inicios en la profesión y, cómo no, sobre sus fobias, temores e incertidumbres particulares. Sin dejar de ser la incomprendida película de transición que antecedía a su etapa con Mia Farrow, sobresale por su excentricidad temática, por la excelsa fotografía de Gordon Willis y por una extravagante nómina de actrices, entre las que figuraba la primera aparición cinematográfica de Sharon Stone.

Otras películas sobre RETROSPECTIVAS

Cinema Paradiso – Giuseppe Tornatore (1988)
No direction home: Bob Dylan – Martin Scorsese (2005)
Marina Abramovic: la artista está presente – Matthew Akers y Jeff Dupre (2012)

CARIDAD (Viridiana)

1. Una de las tres virtudes teologales, que consiste en amar a Dios sobre todas las cosas y al prójimo como a nosotros mismos.
2. Sentimiento que impulsa a las personas a la solidaridad con sus semejantes.
3. Limosna o auxilio que se da a los necesitados. (Espasa-Calpe)

«Tirarle el hueso al perro no es caridad. Caridad es compartir el hueso con el perro cuando se está tan hambriento como él»
Jack London (1876-1916) Escritor estadounidense

VIRIDIANA (Viridiana) – 1961

Director Luis Buñuel
Guión Luis Buñuel y Julio Alejandro
Fotografía José Fernández Aguayo
Música Gustavo Pittaluga
Producción Producciones Alatriste/UNINCI/Films 59
Nacionalidad España/ México
Duración 90m. B/N
Reparto Silvia Pinal, Fernando Rey, Francisco Rabal, Margarita Lozano, Victoria Zinny, José Calvo, Teresa Rabal, Joaquín Roa, Lola Gaos.
* Georg Friedrich Händel – El Mesías. Aleluya

«Con esa gente va a conseguir poco, muy poco. Esos tiempos ya pasaron (…) Con socorrer a esos pocos entre tantos miles no arregla nada»

Corroborando que su talento para desvencijar el puritanismo y la intransigencia seguía intacto tras casi veinticinco años de exilio, Buñuel regresó a su país natal para filmar esta corrosiva y excitante parábola sobre la dudosa utilidad del ejercicio de la caridad, que, sin duda, constituye una de esas grandes obras maestras de trayecto maldito que proliferan en la cinematografía española. El frustrado instinto misericordioso que se instala en una novicia tras el suicidio de su solitario, fetichista y acaudalado tío, del que cree haber sido violada, deparaba un esperpéntico y demoledor catálogo de conjeturas sociales, eróticas y religiosas (célebre deviene la sacrílega y goyesca escenificación de La última cena de Leonardo da Vinci con un hatajo de pordioseros bailando sevillanas al son del Aleluya de Haendel), que, a pesar de triunfar en Cannes, no eludió la tajante repulsa del Vaticano ni su consecuente prohibición (hasta 1977) por parte del gobierno español. Sugestiva presencia de Silvia Pinal, entonces esposa del productor Gustavo Alatriste, principal artífice del proyecto.

Otras películas sobre la CARIDAD

Arsénico por compasión – Frank Capra (1944)
Francisco, juglar de Dios – Roberto Rossellini (1950)
Il villagio di cartone – Ermanno Olmi (2011)

AZUL (Nubes pasajeras)

Color como el del cielo sin nubes o como el del mar en un día soleado; es el quinto color del espectro solar. (google.es)

«¿Qué hace falta para ser feliz? Un poco de cielo azul encima de nuestras cabezas, un vientecillo tibio, la paz del espíritu»
André Maurois (1885-1967) Novelista y ensayista francés

NUBES PASAJERAS (Kauas pilvet karkaavat) – 1996

Director Aki Kaurismäki
Guion Aki Kaurismäki
Fotografía Timo Salminen
Música Markku Pätilä u Jukka Salmi
Producción Sputnik/Pandora/Pyramide
Nacionalidad Finlandia/ Alemania/ Francia
Duración 96m. Color
Reparto Kati Outinen, Kari Väänänen, Elina Salo, Sakari Kuosmanem, Matti Onnismaa, Markku Peltola, Outi Mäenpää, Shelley Fisher.
* Shelley Fisher – Lonesome traveller

«Todo lo que puedo hacer es esperar. Pero las nubes son pasajeras, tratas de alcanzarlas en vano. Las nubes son pasajeras, y yo estoy aquí…»

Aki Kaurismäki se acercó con su tajante minimalismo expresivo al tema de la recesión económica y, abordó, con una increíble capacidad de persuasión, una de las principales lacras sociales de su país: el desempleo. Las consecuencias que acarrea el despido laboral en un matrimonio integrado por un conductor de tranvía y la ‘maîtresse’ de un rancio restaurante de lujo fueron plasmadas a través de una puesta en escena de una categórica austeridad escandinava, cuya armónica multiplicidad de registros transitaba de una sigilosa pesadumbre a la ironía más soterrada y esperanzadora sin ningún tipo de reparos. Un sentido del encuadre tan imponente como matemático, su tenue pero meticulosa utilización del fuera de campo, un sistema lumínico/colorista de gozosa irrealidad (con una singular profusión del azul) y la turbadora e inaudita rigidez interpretativa que acostumbra a reclamar de sus intérpretes constituyen argumentos suficientes para ensalzar este cuento cotidiano dedicado a Matti Pellonpää, actor que debía protagonizarlo pero que falleció a causa de un infarto dos meses antes del rodaje.

Otras películas con predominio del color AZUL

El gran azul – Luc Besson (1988)
Tres colores: azul – Krzysztof Kieslowski (1993)
Hana-Bi (Flores de fuego) – Takeshi Kitano (1997)