Autor: antoniomartingarcia

METRAJE (L’amour fou)

Material sin editar que ha sido tomado originalmente mediante una cámara de vídeo, y que normalmente es editado para crear la película, el vídeo musical, el programa de televisión, u otros trabajos completos similares. Más vagamente, metraje puede hacer referencia a todas las secuencias usadas en la filmación y en la edición del vídeo. Algunos expertos lo llaman también pietaje o código de tiempo. El metraje cinematográfico se refiere a las medidas tradicionalmente utilizadas en los medios ligados al cine, para medir la longitud de una película. (Wikipedia)

«Ya sea de forma solitaria, en pareja o de forma grupal, el cine ha logrado introducir la poesía en su metraje, buscando pretextos que permitan emitir unos versos hacia el espectador.» (artículo Cine y poesía: 5 formas de recitar un poema en una película)
Rafael Vidal Sanz (1989-) Periodista español

L’AMOUR FOU (L’amour fou) – 1969

Director Jacques Rivette
Guion Jacques Rivette y Marilú Parolini
Fotografía Étienne Becker y Alain Levent
Música Jean-Claude Eloy
Producción Les Films Marceau/Cocinor/Sogexportfilm
Nacionalidad Francia
Duración 255m. B/N
Reparto Bulle Ogier, Jean-Pierre Kalfon, André S. Labarthe, Josée Destoop, Dennis Berry, Michèle Moretti, Yves Beneyton.
* Otis Redding – Fa-Fa-Fa-Fa-Fa (Sad Song)

«Siento que de repente me he despertado. ¿Entiendes? (…) ¿Crees que estoy loca?»

En su tercera película, Jacques Rivette puso en práctica sus principios experimentales al cimentar sobre la improvisación actoral este audaz y vasto discurso sobre el enigma de la creación artística, que irrumpe como una de sus obras más elogiadas y actúa como esencial preámbulo a la mastodóntica OUT 1: NOLI ME TANGERE (1971), de casi trece horas de duración. El ilustre ideólogo fundacional de la nouvelle vague entrelazaba con impecable progresión dramática el desmoronamiento conyugal entre una actriz de teatro (rutilante Bulle Ogier) y su vanguardista director, en plenos preparativos de una versión de la tragedia griega Andrómaca de Jean Racine, filmado con lentes de 35mm, con los propios ensayos de la puesta en escena, registrados cámara en mano de 16mm por un equipo televisivo a cargo de André S. Labarthe. Una apasionada, densa y sinuosa dialéctica entre realidad y ficción, que sería afortunadamente restaurada a partir de materiales de distintas procedencias después de que el negativo original acabara destruido en 1973 a causa de un incendio.

Otras obras cuyo METRAJE CINEMATOGRÁFICO sobrepasa las cuatro horas de duración

Shoah – Claude Lanzmann (1985) / 566m.
Sátántangó – Béla Tarr (1994) / 450m.
La flor – Mariano Llinás (2018) / 808m.

ILUSIONISMO (El truco final [El prestigio])

Popularmente denominado magia, es un arte escénico, subjetivo, narrativo y espectáculo de habilidad e ingenio, que consiste en producir artificialmente efectos en apariencia maravillosos e inexplicables mientras se desconoce la causa que los produce. Estos efectos (desapariciones, transformaciones, uniones, lecturas de la mente, etc), que fingidamente hacen parecer realidad lo imposible, se conocen como efectos, juegos de manos, ilusiones y vulgarmente como trucos de magia. (Wikipedia)

«El arte del ilusionismo es aquel con el que mediante la lógica se ha de conseguir la ilógica y emocionar con ello. Lo mágico es lo inexplicable, la sensación del imposible, pero ha de emocionar.»
Miguel Puga (1968-) Ilusionista español

EL TRUCO FINAL [EL PRESTIGIO] (The prestige) – 2006

Director Christopher Nolan
Guion Christopher Nolan y Jonathan Nolan
Fotografía Wally Pfister
Música David Julyan
Producción Touchstone Pictures/Warner Bros.
Nacionalidad Estados Unidos/ Reino Unido
Duración 130m. Color
Reparto Hugh Jackman, Christian Bale, Michael Caine, Scarlett Johansson, David Bowie, Piper Perabo, Andy Serkis, Rebecca Hall.

«Quiero que estés atento. ¿Ves esto? Nunca se lo digas a nadie. Te suplicarán que les cuentes el secreto, pero en cuanto lo descubras, se acabó todo, ¿entiendes? Te ignorarán. El secreto no impresiona a nadie. El engaño que has empleado, lo es todo.»

En 2006, con poco más de dos meses de diferencia, saltaron a la gran pantalla dos intrigantes dramas de época ambientados en el mundo de la magia: el romántico, elegante y algo previsible EL ILUSIONISTA de Neil Burger, basado en un relato corto de Steven Millhauser, y esta libre adaptación de la novela homónima de Christopher Priest, perceptiblemente superior en cuanto a complejidad estructural, dinamismo descriptivo y poderío visual. Ambientada en el Londres victoriano de finales del siglo XIX, empleaba múltiples giros de guion dentro de una narrativa no lineal para pormenorizar las artimañas, renuncias e imposturas que permutan dos ambiciosos magos de distinta condición social y personalidad artística en su obsesivo proceso de manifiesta e irrenconciliable enemistad. Un intrincado thriller de suspense con pinceladas fantásticas, beneficiado por unas valiosas interpretaciones y un impecable diseño de producción, que actúa como un completo prontuario de las señas de identidad que definen el artificioso pero efectivo estilo como cineasta de Christopher Nolan.

Otras películas sobre ILUSIONISMO

El gran Houdini – George Marshall (1953)
El gran Buck Howard – Sean McGinly (2008)
El gran simulador – Néstor Frenkel (2013)

PIETISMO (Ordet)

Movimiento dentro del cristianismo que intenta centrarse en la santidad individual y en una vida cristiana consistente. Generalmente está dirigido por laicos o pastores locales que se sienten frustrados por la hipocresía o la inconsistencia que se observa en la iglesia en general (…) El movimiento pietista intervino en la formación de la Iglesia luterana y, en la década de 1670, dio origen a un movimiento de reforma dentro de la Iglesia. (gotquestions.org)

«El pietismo socava la verdad ontológica de la Iglesia o la rechaza totalmente, pero sin cuestionar las formulaciones de esa verdad. Simplemente las descarta, tomándolas como formas intelectuales ajenas a la salvación del hombre, y las abandona a la jurisdicción de una teología académica autónoma.»
Christos Yannaras (1935-) Académico griego, profesor de filosofía, teología y escritor

ORDET (Ordet) – 1943

Director Gustaf Molander
Guion Rune Lindström
Fotografía Gösta Roosling
Música Sven Sköld
Producción Svensk Filmindustri
Nacionalidad Suecia
Duración 108m. B/N
Reparto Victor Sjöström, Holger Lowenadler, Rune Lindström, Wanda Rothgardt, Gunn Wållgren, Torsten Hillberg, Inga Landgré, Stig Olin.

«Creo que hay muchos pequeños milagros silenciosos. ¿No podría nuestro Señor ser capaz de realizar un milagro? ¿No es nuestro Señor más poderoso que la duda del hombre?»

Comprensiblemente eclipsada por la inconmensurable magnificencia de la adaptación homónima realizada por Carl Th. Dreyer en 1955, esta primera traslación a la gran pantalla de la obra teatral escrita por el pastor luterano Kaj Munk (detenido y asesinado por la Gestapo a principios de 1944) pervive como una cautivadora mezcla de drama religioso y comedia costumbrista, donde se constata la sobriedad como cineasta del entonces prestigioso Gustav Molander. Asentándose en un compacto guion y en una equilibrada cohesión entre sus patrones visuales y narrativos, describe las consecuencias que comporta la rivalidad espiritual entre la condescendiente doctrina protestante de una familia de granjeros y la fanática devoción pietista del pastor/sastre de la comunidad, avivada por la mutua oposición a aprobar el noviazgo de sus respectivos hijos. Una sustanciosa reflexión sobre el inmenso poder transformador de la fe, no muy comedida en el apartado interpretativo y plenamente alejada de la luminosa quietud y el trascendentalismo escénico ofrendados en la inimitable versión danesa.

Otras películas relacionadas con el PIETISMO

El festín de Babette – Gabriel Axel (1987)
Jerusalén – Bille August (1997)
La cinta blanca – Michael Haneke (2009)

GRANADA (El color de la granada)

Fruto del granado, de forma globosa, con diámetro de unos diez centímetros, y coronado por un tubo corto y con dientecitos, resto de los sépalos del cáliz; corteza de color amarillento rojizo, delgada y correosa, que cubre multitud de granos encarnados, jugosos, dulces unas veces, agridulces otras, separados en varios grupos por tabiques membranosos, y cada uno con una pepita blanquecina algo amarga. Es comestible apreciado, refrescante, y se emplea en medicina contra las enfermedades de la garganta. (RAE)

«La granada es corazón que late sobre el sembrado, un corazón desdeñoso donde no pican los pájaros. Un corazón que por fuera es duro como el humano, pero da al que lo traspasa olor y sangre de mayo.» (poema Canción oriental)
Federico García Lorca (1898-1936) Poeta, dramaturgo y prosista español

EL COLOR DE LA GRANADA (Sayat nova) – 1969

Director Sergei Parajanov
Guion Sergei Parajanov
Fotografía Suren Shakhbazyan
Música Tigran Mansuryan
Producción Armenfilm
Nacionalidad Unión Soviética
Duración 79m. Color
Reparto Sofiko Chiaureli, Spartak Bagashvili, Vilen Galstyan, Hovhannes Minasyan, Giorgi Gegechkori, Melkon Aleksanyan, Medea Djaparidze.

«Los libros deben ser bien conservados y leídos, porque los libros son el Alma y la Vida. Sin libros, el mundo no habría sido testigo más que de ignorancia.»

Considerado hoy como la obra maestra de su autor, este abstracto biopic del poeta y trovador (ashik) del siglo XVIII Sayat Nova fue en su día prohibido y mutilado por la censura, además de desatar un acoso oficial al cineasta por parte de las autoridades soviéticas, que no cesaron en perseguir su instinto subversivo o su bisexualidad hasta condenarlo a un gulag siberiano en 1973 durante cuatro años e impidiendo su regreso a la actividad profesional hasta mediados de los ochenta. Alfombras y ropajes tradicionales del pueblo hutsul, instrumentos (tambor, kamanché) y animales (caballos, gallinas, ovejas…) o la recurrente presencia de la granada como símbolo nacional de la cultura armenia, entre otros elementos/motivos de alegórico misticismo, componían una sucesión de hieráticos cuadros vivientes para escenificar los episodios más significativos en la vida del errante bardo caucásico. El reestreno en Cannes 2014 de la versión original restaurada por la Cineteca de Bolonia y la Film Foundation permite hoy disfrutar en todo su esplendor cromático de esta ensoñadora y subyugante experiencia sensorial.

Otras películas con presencia de alguna que otra GRANADA

El balneario de Battle Creek – Alan Parker (1994)
La favorita – Yorgos Lanthimos (2018)
Cometas en el cielo – Marc Forster (2007)

INTERCAMBIO (De tal padre, tal hijo)

Acción o efecto de cambiar algo de modo recíproco entre varias personas o seres. (wiktionary.org)
La identificación del recién nacido es un derecho reconocido y la correcta identificación del paciente constituye una prioridad dentro de las políticas de mejora de la seguridad de la asistencia sanitaria. Es, por tanto, responsabilidad del personal sanitario de los hospitales con Maternidad el garantizar dicho derecho y ello a través de un sistema de identificación adecuado del recién nacido (…) El intercambio de bebés es excepcional, pero aún así varios estudios calculan que se produce un caso de confusión de identidad entre neonatos por cada 75.000 partos. (pediatriabasadaenpruebas.com)

“Si un intercambio entre dos partes es voluntario, no tendrá lugar a menos que ambas partes crean que se beneficiarán de él. La mayoría de las falacias económicas derivan del perder de vista esta simple reflexión”
Milton Friedman (1912-2006) Economista, estadístico y académico estadounidense

DEL TAL PADRE, TAL HIJO (Soshite chichi ni naru) – 2013

Director Hirokazu Koreeda
Guion Hirokazu Koreeda
Fotografía Mikiya Takimoto
Música Takeshi Matsubara, Junichi Matsumoto y Takashi Mori
Producción GAGA/Amuse/Bun-Buku/Fuji Television Network
Nacionalidad Japón
Duración 120m. Color
Reparto Masaharu Fukuyama, Yoko Maki, Jun Kunimura, Machiko Ono, Lily Franky, Keita Ninomiya, Shôgen Hwang, Pierre Taki.
* Johann Sebastian Bach – Goldberg Variations, BWV 988 Aria

«Basta con convivir. La sangre es lo de menos. Si quieres a la otra persona, acabas pareciéndote a ella. Estoy convencida. Ocurre entre las parejas casadas, y probablemente pase lo mismo con los niños.»

Insistiendo en su penetrante exploración costumbrista de la relaciones familiares, en ocasiones, atisbada desde la vulnerable intimidad del universo infantil, Hirokazu Koreeda cuestionaba el verdadero concepto de la paternidad y sus difusos vínculos consanguíneos a través de un drama doméstico refinado, calmoso y envolvente, dispuesto a plantear interrogantes con emotiva precisión y naturalidad. Dos matrimonios de distinta posición social y contrapuesto estilo educativo son informados por el hospital donde nacieron sus respectivos hijos de seis años, que, debido a una presunta confusión, éstos fueron intercambiados al poco de nacer. Armonizando placidez expositiva, profundidad dramática e introspección psicológica, la película describe cómo esta peliaguda circunstancia trastoca el orden y la estabilidad emocional de los progenitores, induciéndoles a tomar decisiones tan difíciles como irrevocables. Una obra impregnada de sensatez y emotividad, con unas interpretaciones más que correctas, que funciona además como una crítica a las consecuencias del capitalismo en la moderna sociedad japonesa.

Otras película que abordan el tema del INTERCAMBIO DE BEBÉS

El hijo del otro – Lorraine Levy (2012)
Hijos de la medianoche – Deepa Mehta (2012)
Madres paralelas – Pedro Almodóvar (2021)