Silvana Mangano

ARROZAL (Arroz amargo)

Terreno donde se realiza la ricicultura, es decir, el cultivo del arroz y la forma de vida organizada en torno a él, que constituye toda una cultura o civilización. La forma habitual de realizarlo son tierras de labrantío inundadas (…) Los arrozales se suelen construir cerca de recursos naturales como ríos, pantanos o, con menor frecuencia, en laderas escarpadas, requiriendo estas últimas mucho más trabajo manual y materiales para la construcción. Las plantaciones requieren cantidades abundantes de agua para la irrigación, proporcionando así, el agua esencial para el crecimiento de la cosecha. Por otro lado, el líquido también proporciona un ambiente favorable, desalentando el crecimiento de muchas especies de malas hierbas. (Wikipedia)

“El derecho de vivir poeta Ho Chi Minh, que golpea de Vietnam a toda la humanidad. Ningún cañón borrará el surco de tu arrozal. El derecho de vivir en paz” (canción El derecho de vivir en paz)
Víctor Jara (1932-1973) Músico, cantautor, profesor, director de teatro y activista político chileno

ARROZ AMARGO (Riso amaro) – 1949

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Director Giuseppe De Santis
Guion Giuseppe De Santis, Carlo Lizzani, Gianni Puccini, Corrado Alvaro e Ivo Perilli
Fotografía Otello Martelli
Música Goffredo Petrassi
Producción Lux Film
Nacionalidad Italia
Duración 108m. B/N
Reparto Silvana Mangano, Vittorio Gassman, Doris Dowling, Raf Vallone, Checco Rissone, Adriana Sivieri, Lia Corelli, Maria Grazia Francia.

“Lo importante es llevar arroz a casa. Tenemos que conseguirlo, porque estamos aquí para trabajar y no para robar”

Uno de los largometrajes más reputados de Giuseppe De Santis, habitualmente incluido entre las grandes obras del movimiento neorrealista, que fusionaba melodrama social y costumbrista de sustrato político, enjundia antropológica y desenfrenado erotismo para retratar una intriga criminal circunscrita a la cotidianeidad laboral de un colectivo de jornaleras, dedicadas a la recogida del arroz en la provincia piamontesa de Vercelli, en la desembocadura del río Po. El realizador transalpino ofreció un admirable retrato de las arduas condiciones de vida de aquellas mujeres, plasmado en secuencias de una inusual belleza, y sacó provecho de la pletórica y desbordante sensualidad de una Silvana Mangano (miss Roma 1946) convencida cambiar los cánones del erotismo cinematográfico con sus felinos contoneos y aquellas expresiones concupiscentes que cautivaron también durante el rodaje al que sería su futuro marido, el productor Dino De Laurentiis. Interesante duelo actoral entre sus dos antitéticos protagonistas masculinos: Raf Vallone, contrariado y responsable, y Vittorio Gassman, en su habitual rol de galán arrogante y bribón.

Otras películas cuyo argumento transcurre entre ARROZALES

A handful of rice – Paul Fejos (1939)
La gente del arrozal – Rithy Panh (1994)
Buffalo Boy – Minh Nguyen-Vo (2004)

HUÉSPED (Teorema)

Persona alojada en casa ajena. (RAE)

“El amor es como los huéspedes. Lo que importa no es creer en ellos, sino saberlos recibir cuando se presentan, aprovecharlos mientras están, y despedirlos con cortesía cuando se marchan”
Noel Clarasó (1899-1985) Escritor español

TEOREMA (Teorema) – 1968

Director Pier Paolo Pasolini
Guion Pier Paolo Pasolini
Fotografía Giuseppe Ruzzolini
Música Ennio Morricone y W.A. Mozart
Producción Aetos Produzioni Cinematografiche
Nacionalidad Italia
Duración 98m. Color y B/N
Reparto Terence Stamp, Silvana Mangano, Laura Betti, Massimo Girotti, Anne Wiazemsky, Ninetto Davoli, Andrés José Cruz, Susanna Pasolini.
* Ennio Morricone – Beat nº 3

“Si tenía algo era el instintivo amor por una vida estéril, como un jardín por el que nadie pasea. Este vacío estaba lleno de valores falsos y mezquinos, y de un horrendo cúmulo de ideas falsas. Ahora lo comprendo. Llenaste mi vida de un total y real interés. Tu partida no destruye nada de lo que ya estaba en mí, excepto una reputación de impoluta y casta mujer burguesa. ¿Qué me has dado? Un amor secreto en el vacío de mi vida. Dejándome, lo destruyes todo”

Polémico apólogo de trazo liberal, basado en una novela homónima del propio Pasolini, que encauzaba su temperamento psicológico hacia el vacío existencial y la descomposición ética de la burguesía neocapitalista, valiéndose de la aciaga tenencia lasciva y espiritual con la que un misterioso huésped de angelical apostura e irreprimible carisma trastocaba a todos los miembros de la pudiente familia milanesa que lo acogía, reconfigurando para siempre su confortable, anodina y desorientada cotidianeidad. Nos hallamos ante una inescrutable elegía social de cometido metafórico y disposición surrealista, expuesta con cierta parsimonia descriptiva pero henchida de matices y viveza cromática, que sería prohibida en Italia tras su exitosa presentación en el Festival de Venecia y condenada de inmoral por la iglesia católica debido a su acepción místico-religiosa y alto contenido sexual. Cabe destacar la inquietante presencia de Terence Stamp y una más que apreciable banda sonora, que alternaba fragmentos del Réquiem de Mozart con la ecléctica música disonante de Ennio Morricone.

Otras películas protagonizadas por un HUÉSPED

El hombre que vino a cenar – William Keighley (1942)
El silencio del mar – Jean-Pierre Melville (1949)
El pisito – Marco Ferreri (1959)

BALNEARIO (Ojos negros)

Lugar dedicado a la curación a través de la utilización de las aguas, sobre todo termales o minerales, con un edificio para el hospedaje (…) Cuando los baños son medicinales (Balnearios Europeos) se utilizan los agentes termales que son las aguas minero medicinales, sus vapores, sus gases y sus barros, con fines terapéuticos y previa prescripción médica (…) Cuando el agua se utiliza con fines no médicos (higiénicos o estéticos), existen variedad de productos y servicios que se pueden incorporar como masajes, saunas, rayos uva, solárium, gimnasio, camas de agua o tratamientos de belleza. (Wikipedia)

“La verdad es que en un balneario uno sólo ve mujercitas limpias, frescas, descansadas, dispuestas a reírse, a festejarlo todo. Claro que también en Montevideo hay mujercitas limpias; pero las pobres están siempre cansadas. Los zapatos estrechos, las escaleras, los autobuses las dejan amargadas y sudorosas. En la ciudad uno ignora prácticamente como es la alegría de una mujer. Y eso, aunque no lo parezca, es importante” (relato La familia Iriarte)
Mario Benedetti (1920-2009) Escritor, poeta y dramaturgo uruguayo

OJOS NEGROS (Oci ciorne / Ochi chyornye) – 1987

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Director Nikita Mikhalkov
Guión Nikita Mikhalkov, Aleksandr Adabashyan y Suso Cecchi D’Amico
Fotografía Franco Di Giacomo
Música Francis Lai
Producción Excelsior Film/RAI Uno/Adriana International
Nacionalidad Italia/ Unión Soviética
Duración 118m. Color
Reparto Marcello Mastroianni, Marthe Keller, Yelena Safonova, Silvana Mangano, Pina Cei, Vsevolod Larionov, Innokenti Smoktunovsky.

“Yo no me marcho, yo huyo. Huyo del encuentro con el amor. Huyo de lo que he esperado apasionadamente toda mi vida. Vuelvo a cumplir el papel de persona mediocre, que no puede pedir más de lo que tiene y debe seguir siendo el sustento de una familia desgraciada, con un padre alcohólico y dos hermanos pequeños. Por ayudarles, me casé con un hombre al que no amo, pero al que he sido siempre fiel hasta que te conocí. Contigo encontré la felicidad del amor del que ahora huyo”

A partir de un soberbio guión en el que intervino la acreditada Suso Cecchi D’Amico, donde se cohesionaban diversos relatos cortos de Anton Chejov (principalmente La dama y el perrito) hasta otorgarles una entidad narrativa propia, Mikhalkov compuso otro nostálgico canto de amor a la esplendorosa riqueza y brillantez de su tierra natal, que, gracias a la refinada pulcritud estética de su acabado formal y a la matizada composición actoral de Mastroianni, acabaría convirtiéndose en uno de los éxitos crítico-comerciales más contundentes e inesperados del cine europeo de los ochenta. Embellecida por una de las mejores partituras románticas de Francis Lai, convenientemente relevada por piezas clásicas y temas folklóricos rusos, esta sensible y melancólica remembranza a modo de flashback del desafortunado recorrido sentimental de un camarero italiano a principios del siglo XX invitaba a reflexionar con calma sobre el frustrante desasosiego que provoca la insatisfacción afectiva y la imperiosa esperanza que anida en todo mortal en encontrar un amor recíproco e imperecedero.

Otras películas en las que aparece un BALNERARIO

Los masajistas y una mujer – Hiroshi Shimizu (1938)
Los jueves, milagro – Luis García Berlanga (1957)
La juventud – Paolo Sorrentino (2015)

INTERIOR (Confidencias)

1. Que está o queda dentro.
2. Perteneciente a los pensamientos o sentimientos íntimos de una persona.
Interiores Parte de una película que se rueda dentro de un estudio o edificio.
(Larousse Editorial)

“Cuando envejecemos, la belleza se convierte en cualidad interior”
Ralph Waldo Emerson (1803-1882) Escritor, filósofo y poeta estadounidense

CONFIDENCIAS (Gruppo di famiglia in un interno) – 1974

gruppo

Director Luchino Visconti
Guion Luchino Visconti, Suso Cecchi D’Amico y Enrico Medioli
Fotografía Pasquale De Santis
Música Franco Mannino
Producción Rusconi Film/Gaumont
Nacionalidad Italia/ Francia
Duración 101m. Color
Reparto Burt Lancaster, Silvana Mangano, Helmut Berger, Claudia Marsani, Romolo Valli, Stefano Patrizi, Elvira Cortese, Philippe Hersent.

“Viviendo entre los hombres, está uno obligado a pensar en los hombres en vez de en sus obras. A sufrir por ellos, a ocuparse de ellos…”

Inmovilizado en una silla de ruedas a causa de la trombosis sufrida durante el rodaje de LUIS II DE BAVIERA (1972), Visconti echó su penúltimo vistazo a la decadencia de la aristocracia transalpina en esta solemne reflexión sobre la vejez, que pudo llevar a cabo gracias a la decisiva mediación de Burt Lancaster en el proyecto. El actor, en una especie de alter-ego del cineasta, encarnaba con su vigor y empaque habitual a un longevo y acaudalado profesor que veía trastornada su pacífica y solitaria existencia al aceptar como inquilinos a una extravagante familia perteneciente a la pujante burguesía industrial, con los que mantendrá un complejo vínculo de encrespada incomprensión y fascinador afecto. La complejidad de un rodaje exclusivo en suntuosos decorados interiores propició la creación de esa atmósfera enrarecida y claustrofóbica que reivindicaba este áspero, sutil y perturbador melodrama intimista, que permanece hoy en día como uno de los largometrajes europeos más sugestivos y denodados de principios de los setenta. Reseñar las breves apariciones de Dominique Sanda Y Claudia Cardinale.

Otras películas rodadas íntegramente en INTERIORES

Cómicos – Juan Antonio Bardem (1954)
Las amargas lágrimas de Petra Von Kant – Rainer W. Fassbinder (1972)
Amor – Michael Haneke (2012)

BELLEZA (Muerte en Venecia)

Noción abstracta ligada a numerosos aspectos de la existencia humana. Esto es estudiado principalmente por la disciplina filosófica de la estética, pero también es abordado por otras disciplinas como la historia, la sociología y la psicología social. Vulgarmente la belleza se define como la característica de una cosa que a través de una experiencia sensorial (percepción) procura una sensación de placer o un sentimiento de satisfacción. (Wikipedia)

“La belleza no hace feliz al que la posee, sino a quien puede amarla y adorarla”
Hermann Hesse (1877-1962) Escritor, poeta, novelista y pintor alemán

MUERTE EN VENECIA (Morte a Venezia) – 1971

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Director Luchino Visconti
Guión Luchino Visconti y Nicola Badalucco
Fotografía Pasquale De Santis
Música Franco Mannino
Producción Alfa/PECF
Nacionalidad Italia/ Francia
Duración 130m. Color
Reparto Dirk Bogarde, Romolo Valli, Björn Andersen, Silvana Mangano, Marisa Berenson, Mark Burns, Nora Ricci, Franco Fabrizi.

“La creación de la belleza y la pureza es un acto espiritual”

Majestuosa y flemática adaptación de la novela homónima de Thomas Mann, que representa uno de los puntos más álgidos de la solemne obra viscontiniana, y, por consiguiente, constituye uno de los clásicos ineludibles de la cinematografía transalpina. Con el propósito de identificar al protagonista (portentoso Bogarde) con Gustav Mahler, cuya quinta sinfonía destaca y embellece la capacidad emotiva del relato, el cineasta milanés reemplazó la figura del maduro profesor universitario por la de un agónico e insigne compositor, desesperadamente ofuscado por la atracción que le infunde un blondo efebo. El infructuoso anhelo por alcanzar la belleza ante los despiadados estragos que ocasiona el paso del tiempo se erigía en el tema cardinal de una parábola heterogénea ostentada con aptitud de destemplada y dolorosa intimidad bajo una exacerbada minuciosidad esteticista. El conmovedor escenario veneciano, convergido alrededor del ampuloso “Grand Hotel des Bains” e iluminado con penetrante refulgencia por Pasquale de Santis, acababa transformándose en un estremecedor cuadro de la decadente y rutinaria pretenciosidad que imperaba en la clase social aristocrática.

Otras películas sobre la BELLEZA

El retrato de Dorian Gray – Albert Lewin (1945)
Orfeo – Jean Cocteau (1950)
La bella mentirosa – Jacques Rivette (1991)