LIBRETO (La flauta mágica)

Texto que se canta o se declama, o alternativamente se canta y se declama, en obras musicales líricas, sacras o escénicas, tales como óperas, operetas, zarzuelas, singspiele, actos de ballet, musicales etc. (…) Un buen libreto debe ser efectivo teatralmente y a la vez adaptarse a los requerimientos de la música. Algunas obras se han concebido a la vez que el libreto, pero lo más frecuente es que el libreto sea una idea original o una adaptación libre de una obra teatral o de una novela. (Wikipedia)

“De pelotudos que tienen la precisa sobre las virtudes y los males argentinos, el país está hasta el cuello. En esa no me anoto. Te repito que yo no soy ni gracioso, ni visionario. Soy un actor cómico de la nación. Cuando no tengo libreto, me callo la boca”
Tato Bores (1927-) Humorista y presentador de televisión argentino

LA FLAUTA MÁGICA (Trollflöjten) – 1975

Director Ingmar Bergman
Guion Ingmar Bergman
Fotografía Sven Nykvist
Música W.A. Mozart
Producción Sveriges Radio
Nacionalidad Suecia
Duración 135m. Color
Reparto Josef Köstlinger, Irma Urrila, Hakan Hagegard, Elisabeth Erikson, Kirsten Vaupel, Britt-Marie Aruhn, Birgitta Smiding, Ulrik Cold.
* Wolfgang Amadeus Mozart – The last trial

«El amor es una cosa maravillosa. Un mendigo puede sentirse como un rey»

El dificultoso maridaje entre ópera y cine no alcanzó resonancia ni visos de comercialidad hasta que Ingmar Bergman aceptó como encargo de la televisión sueca inmortalizar la última obra representada en vida por W.A. Mozart, utilizando como escenario el viejo teatro del Palacio de Drotningholm (Estocolmo) y al magistral Eric Ericson como director de una música interpretada por la Swedish Radio Choir y la Swedish Radio Symphony Orchestra. Del mismo modo que la Reina de la Noche requería la ayuda del enamoradizo príncipe Tamino para rescatar a su hija Pamina de la opresora soberanía del diácono Sarastro, según el libreto masónico original de Emanuel Schikaneder, el genial cineasta hizo lo propio con su fiel colaborador Sven Nykvist para que éste infundiera su prestancia con los contraluces en este cuento de hadas nutrido de referencias filosóficas, sociales y políticas, narrado con magia, dinamismo y sobriedad desde una perspectiva tan jovial como irónica. Destacar la visualización discontinua del público en la platea o escenas tan estilizadas como la superación de la prueba del fuego.

Otras representaciones cinematográficas de un LIBRETO musical

Porgy and Bess – Otto Preminger (1959)
El violinista en el tejado – Norman Jewison (1971)
Don Giovanni – Joseph Losey (1979)

PASIÓN (Duelo al sol)

1. Sentimiento muy intenso que domina la voluntad y puede perturbar la razón, como el amor, el odio, los celos o la ira.
2. Sentimiento de amor muy intenso manifestado con gran deseo sexual.
3. Afición o inclinación viva por alguien o algo. (Larousse Editorial)

“Los celos matan el amor, pero no el deseo. Este es el verdadero castigo de la pasión traicionada. Odias a la mujer que rompió el pacto de amor, pero sigues deseando porque su traición fue la prueba de su propia pasión”
Carlos Fuentes (1928-2012) Escritor, intelectual y diplomático mexicano

DUELO AL SOL (Duel at the sun) – 1946

Director King Vidor
Guion David O. Selznick y Oliver H.P. Garrett
Fotografía Lee Garmes, Harold G. Rosson y Ray Rennahan
Música Dimitri Tiomkin
Producción David O. Selznick
Duración 138m. Color
Reparto Jennifer Jones, Gregory Peck, Joseph Cotten, Lionel Barrymore, Lillian Gish, Walter Huston, Herbert Marshall, Charles Bickford.

«Si no soy lo suficientemente buena para casarme, no soy lo suficientemente buena para besar»

El western acabó de armonizar la épica de sus orígenes con el melodrama desaforado y colorista gracias a esta desmesurada y moralmente ofensiva producción de David O. Selznick, basada en una ya polémica novela de Niven Busch, donde las pasiones cabalgaban a lomos de una atmósfera enfermiza y voluptuosamente fatalista para narrar la rivalidad de dos antagónicos hermanos por el amor de una arrolladora mestiza, con la contienda entre ganaderos y empleados del ferrocarril como trasfondo temático. El mítico productor cambió radicalmente la imagen de su entonces compañera sentimental Jennifer Jones, así como de Gregory Peck, finalizó el rodaje junto a William Dieterle y Josef Von Sternberg tras el abandono de un King Vidor amargado por sus continuas intromisiones (aun así consiguió dejar patente su refinada y enérgica caligrafía) y diseñó personalmente la antológica secuencia final, en torno a la cual se construyó el resto de la película: un auténtico desvarío de rencor y pasión desenfrenada en la rocosa Cabeza del Indio bajo las rojizas tonalidades de un sol abrumador.

Otras películas dominadas por una PASIÓN desenfrenada o irracional

Sangre y arena – Fred Niblo (1922)
Abismos de pasión – Luis Buñuel (1953)
El imperio de los sentidos – Nagisa Oshima (1976)

MATARRATAS (La chica de la fábrica de cerillas)

Sustancia venenosa que se usa para matar ratas y ratones. (google.com)

«Dejé la coca sin menor trauma, sin terapia ni ayuda, de un día para otro, los médicos se enfadan porque lo voy contando por ahí y dicen que todo el mundo pensará que es fácil y no lo es, pero pienso que la que tomábamos en España era tan mala que por eso fue tan fácil dejarlo, era matarratas»
Joaquín Sabina (1949-) Cantautor y poeta español

LA CHICA DE LA FÁBRICA DE CERILLAS (Tulitikkutehtaan tyttö) – 1990

Director Aki Kaurismäki
Guion Aki Kaurismäki
Fotografía Timo Salminen
Música Tchaikovski y otros
Producción Villealfa Filmproductions/Swedish Film Institute
Nacionalidad Finlandia/ Suecia
Duración 69m. Color
Reparto Kati Outinen, Elina Salo, Esko Nikkari, Vesa Vierikko, Silu Seppälä, Reijo Taipale.
* Pyotr Ilyich Tchaikovsky – Pathétique

«Cuando uno lo da todo y sólo recibe decepciones, el baúl de los recuerdos es cada vez más duro de llevar»

Ácida, lacónica e intensa fábula moral, lejanamente inspirada en el cuento La cerillerita de Hans Christian Andersen, que documentaba con cierta condescendencia el particular proceso catártico de una muchacha proletaria finlandesa, consternada ante el entorno hostil y atrozmente marginal que circunscribe su ridícula existencia. El cabecilla del denominado minimalismo, movimiento expresivo enfocado a redimir la esencia del cine para compensar la nimiedad latente en su contemporaneidad, rehuyó cualquier concesión histriónica u ornamental para verter con parvedad dialéctica y una firme e inalterable desnudez estilística este sórdido y cruel poema urbano, marcado por el más distante pesimismo, que traslucía una virtuosa y escalofriante disposición escénica para explotar la sustanciosa fragancia del fuera de campo y la elipsis. El tenaz cineasta rubricó aquí una de sus cúspides creativas y consumó su ‘trilogía del proletariado’, completada con SOMBRAS EN EL PARAISO (1986) y ARIEL (1988), arrastrando a su actriz fetiche, Kati Outinen, a componer el personaje femenino más áspero, patético y conmovedor de su filmografía.

Otras películas donde se utiliza MATARRATAS

La poison – Sacha Guitry (1951)
La criada – Kim Ki-young (1960)
El castillo de la pureza – Arturo Ripstein (1972)

RESISTENCIA (El ejército de las sombras)

1. Acción y efecto de resistir o resistirse.
2. Capacidad para resistir. (dirae.es)
Un movimiento de resistencia es un grupo o conjunto de grupos dedicados a oponerse a un invasor en un país ocupado o a un gobierno de un Estado soberano. Puede tratar de alcanzar sus objetivos bien mediante la resistencia no violenta (algunas veces llamada resistencia civil) o por medio del uso de la fuerza. (Wikipedia)

“En general la resistencia está en manos de aventureros que se proponen superar y desplazar a los jefes actuales”
William Burroughs (1914-1997) Novelista, ensayista y crítico social estadounidense

EL EJÉRCITO DE LAS SOMBRAS (L’armée des ombres) – 1969

Director Jean-Pierre Melville
Guion Jean-Pierre Melville
Fotografía Pierre L’Homme
Música Eric Demarsan
Producción Films Corona/Fono Roma
Nacionalidad Francia/ Italia
Duración 135m. Color
Reparto Lino Ventura, Paul Meurisse, Simone Signoret, Claude Mann, Jean-Pierre Cassel, Paul Crauchet, Christian Barbier, Serge Reggiani.

«Malos recuerdos, sed no obstante bienvenidos. Sois mi lejana juventud…»

Amparándose en la novela homónima de Joseph Kessell y esgrimiendo sus reminiscencias personales de la época, Melville regresó al tema de la ocupación nazi, uno de los predilectos de su ferviente filmografía, para realizar un thriller político alejado de toda compostura ceremoniosa, romántica o exhibicionista, que mostraba con una minuciosidad, aspereza y un rigor compositivo cercano al documental los subterráneos entresijos de la Resistencia Francesa durante la Segunda Guerra Mundial. Partiendo de la salida de un campo de concentración de uno de sus principales líderes, traicionado por uno de sus colaboradores, describía mediante una excesiva utilización de la voz en off una trama dominada por los temores y las contradicciones morales de un expugnable colectivo humano encomendado a sacrificar sus desamparadas vidas con el propósito de salvaguardar a ultranza la integridad de su territorio. Con la esplendorosa compostura que siempre transmitió, Simone Signoret acompañaba a un generoso y diamantino reparto masculino, encabezado por el gran Lino Ventura.

Otras películas sobre movimientos de RESISTENCIA

Los verdugos también mueren – Fritz Lang (1943)
La travesía de París – Claude Autant-Lara (1956)
Sophie Scholl: Los últimos días – Marc Rothemund (2005)

ATAÚD (Vampyr, la bruja vampiro)

Caja, ordinariamente de madera, donde se deposita un cadáver para llevarlo a enterrar.1 Se utiliza en ritos funerarios de muchas culturas desde la antigüedad. (Wikipedia)

«A menudo el sepulcro encierra, sin saberlo, dos corazones en un mismo ataúd»
Alphonse de Lamartine (1790-1869) Escritor, poeta y político francés

VAMPYR, LA BRUJA VAMPIRO (Vampyr, der Traum des Allan Grey) – 1932

Director Carl Th. Dreyer
Guion Carl Th. Dreyer y Christen Jul
Fotografía Rudolph Maté y Louis Née
Música Wolfgang Zeller
Producción Tobis
Nacionalidad Alemania/ Francia
Duración 75m. B/N
Reparto Julian West, Maurice Schutz, Rena Mandel, Sybille Schmitz, Jan Hieronimko, Henriette Gérard, Albert Bras, Jane Mora, N.Babanini

«Era una misteriosa noche lunática. Luces y sombras, voces y rostros, se mezclaban tomando un significado oculto. Allan Gray sintió que la penumbra tomaba el control. En vano intentó protegerse del indecible terror, y el miedo a lo intangible perseguía su sueño inquieto»

La primera película sonora (parcialmente) de Dreyer fue este portentoso e impactante experimento críptico en torno al relato Carmilla de Sheridan LeFanu y su historia de amor, esperanza y lucha, dominada íntegramente por las fuerzas satánicas y sobrenaturales. El virtuoso misticismo del creador danés sirvió para extraer lirismo de la más sofocante y fantasmagórica malignidad, asentándose en una narración pletórica de percepciones intrínsecas e inspiradores silencios y en un tratamiento visual concebido a base de evidentes influencias expresionistas. Escenas como el sepelio visto por el difunto a través de la mirilla del ataúd ponían de manifiesto la extremada y privativa genialidad de una obra cuyo estrepitoso fracaso económico motivó el regreso del cineasta a su país natal, lugar donde permaneció inactivo durante once años hasta que decidió cambiar definitivamente de estilo y planificación en la igualmente sublime DIES IRAE. En un reparto formado totalmente por actores no profesionales, destacaba la presencia de Rena Mandel, modelo fotográfica distinguida por sus insinuantes desnudos.

Otras películas donde puede verse al protagonista dentro de un ataúd

Drácula – Tod Browning (1931)
La obsesión – Roger Corman (1962)
Buried (Enterrado) – Rodrigo Cortés (2010)