Autor: antoniomartingarcia

ENARDECIMIENTO (Hiroshima, mi amor)

1. Excitación de un sentimiento.
2. Excitación del deseo sexual. (Larousse Editorial)

“Y William volvió a casa con las estrellas del cielo girando ferozmente en la oscuridad como un torbellino y con el corazón enardecido, insistente, pero enardecido, como si tropezara con un obstáculo. Tenía ganas de destrozar algo” (novela El arco iris)
D.H. Lawrence (1885-1930) Escritor inglés

HIROSHIMA, MI AMOR (Hiroshima, mon amour) – 1959

Director Alain Resnais
Guion Marguerite Duras
Fotografía Michio Takahashi y Sacha Vierny
Música Giovanni Fusco y Georges Delerue
Producción Argos Films/Como Films/Daiei/Pathé
Nacionalidad Francia/ Japón
Duración 91m. B/N
Reparto Emmanuelle Riva, Eiji Okada, Bernard Fresson, Pierre Barbaud, Stella Dassas.

«¿Quién eres? Me estás matando. Me sanas. Eres mi vida. ¿Cómo iba a sospechar que esta ciudad estaba tallada a la medida del amor? ¿Cómo iba a sospechar que tú estabas tallado a la medida de mi propio cuerpo? (…) Devórame. Defórmame a imagen tuya para que nadie más, después de ti, pueda comprender ya nunca la razón de tanto deseo»

Inmaculado poema cinematográfico, concebido a partir de un hermoso texto de Marguerite Duras, cuya cautivadora excelsitud poética gravitaba en torno a la armonización narrativa de dos historias amorosas imposibles: por un lado, el fugaz romance entre un arquitecto japonés y una actriz francesa en Hiroshima y, por otro, la evocadora pasión adolescente que ésta mantuvo con un soldado alemán en Nevers, durante la ocupación nazi en Francia. Estos dos frentes romántico-pasionales con trasfondo bélico no sólo permitieron establecer una versada exploración de la irracional efervescencia erótica sino, que, unidos a una excoriante reminiscencia semidocumental sobre las trágicas consecuencias físicas y morales causadas por la bomba atómica, accedían a proclamar la imperiosa necesidad del recuerdo a través de dolorosas cicatrices históricas. Película de una contundente proclividad modernista, manifestada con la poderosa densidad dramática de sus prodigiosos diálogos, un impetuoso magnetismo visual y una asombrosa musicalidad, constituye la película más reconocida y perfecta de su autor, así como una de las cimas indiscutibles de la ‘nouvelle vague’.

Otras películas que ensalzan el ENARDECIMIENTO erótico

Sonrisas de una noche de verano – Ingmar Bergman (1955)
La hija de Ryan – David Lean (1970)
El marido de la peluquera – Patrice Leconte (1990)

DECONSTRUCCIÓN (Desmontando a Harry)

Término utilizado por el filósofo postestructuralista, nacido en Argelia, Jacques Derrida. Se basa en el estudio del método implícito en los análisis del pensador Martin Heidegger, fundamentalmente en sus análisis etimológicos de la historia de la filosofía. Consiste en mostrar cómo se ha construido un concepto cualquiera a partir de procesos históricos y acumulaciones metafóricas (de ahí el nombre de deconstrucción), mostrando que lo claro y evidente dista de serlo, puesto que los útiles de la conciencia en que lo verdadero en sí ha de darse, son históricos, relativos y sometidos a las paradojas de las figuras retóricas de la metáfora y la metonimia (…) no debe ser considerada como una teoría de crítica literaria ni mucho menos como una filosofía. Es una estrategia, una nueva práctica de lectura, un archipiélago de actitudes ante el texto. Investiga las condiciones de posibilidad de los sistemas conceptuales de la filosofía, pero no debe ser confundida con una búsqueda de las condiciones trascendentales de la posibilidad del conocimiento. (Wikipedia)

“La deconstrucción no es sólo (como su nombre parecería indicar) la técnica de una construcción trastocada, puesto que es capaz de concebir, por sí misma, la idea de construcción. Se podría decir que no hay nada más arquitectónico y al mismo tiempo nada menos arquitectónico que la deconstrucción”
Jacques Derrida (1930-2004) Pensador y filósofo francés nacido en Argelia

DESMONTANDO A HARRY (Deconstructing Harry) – 1997

Director Woody Allen
Guion Woody Allen
Fotografía Carlo Di Palma
Música Varios
Producción Sweetland Films/Fine Line Features
Nacionalidad Estados Unidos
Duración 97m. Color
Reparto Woody Allen, Kirstie Alley, Elisabeth Shue, Demi Moore, Judy Davis, Billy Crystal, Robin Williams, Amy Irving, Mariel Hemingway, Paul Giamatti.
* Annie Ross – Twisted

«¿Lo ves? ¿Qué digo yo siempre? Las palabras más bonitas de nuestro idioma no son ‘te quiero’ sino ‘es benigno'»

Una de las comedias más creativas, vituperantes y divertidas de la inagotable factoría alleniana, que, en una especie de tributo paródico a la bergmaniana FRESAS SALVAJES (1957), ubicaba la narración en vísperas del homenaje que un neurótico escritor debe recibir en su vieja universidad para deconstruir con sublime procacidad nihilista una trayectoria vital caótica e inmersa en una profunda crisis anímica, profesional y afectiva. Nos hallamos ante una obra tan audaz como insólita, en cuya prodigiosa orfebrería estética y formal convivían seres ficticios (algunos tan geniales como el actor desenfocado interpretado por Robin Williams) con personajes reales, todos ellos representativos de la clase media neoyorquina, en vistas a alternar con absoluta clarividencia dialéctica hilarantes episodios literarios (destacable resulta el descenso a los infiernos en ascensor) con frenéticas situaciones cotidianas, delimitadas exclusivamente por el montaje sincopado de estas últimas. Una de las grandes películas de los noventa, nutrida de un soberbio conjunto de intérpretes, que desempolvaba además un purgante paralelismo con el ya entonces controvertido perfil público del cineasta.

Otras DECONSTRUCCIONES cinematográficas

Traité de bave et d’éternité – Isidore Isou (1951)
Policía, adjetivo – Corneliu Porumboiu (2009)
El árbol de la vida – Terrence Malick (2011)

POPULISMO (Tierra en trance)

En política, el populismo es un término usado para designar a la corriente ideológica que sostiene la reivindicación del rol del Estado como defensor de los intereses de la generalidad de una población a través del estatismo, el intervencionismo y la seguridad social con el fin de lograr la justicia social y el Estado de bienestar (…) en sentido positivo, lo que define es un sistema en el que el poder recaiga más en el pueblo que en sí mismo, no en que los políticos profesionales gobiernen para la mayor comodidad del pueblo (…) con una significación peyorativa, que es la principalmente usada, es el uso de «medidas de gobierno populares», destinadas a ganar la simpatía de la población, particularmente si ésta posee derecho a voto, aún a costa de tomar medidas contrarias al estado democrático. (Wikipedia)

“El populismo ama tanto a los pobres que los multiplica”
Mariano Grondona (1932-) Abogado, periodista, escritor y sociólogo argentino

TIERRA EN TRANCE (Terra em transe) – 1967

Director Glauber Rocha
Guion Glauber Rocha
Fotografía Luiz Carlos Barreto
Música Sérgio Ricardo
Producción Mapa Filmes
Nacionalidad Brasil
Duración 106m. B/N
Reparto Jardel Filho, Paulo Autran, José Lewgoy, Glauce Rocha, Modesto de Souza, Paulo Gracindo, Hugo Carvana, Jofre Soares.

«La locura es mi conciencia. Y mi conciencia está aquí, en el momento de la verdad ¡En la hora de la decisión, de la lucha, de la muerte!»

No sería fácil encontrar otra película que transcriba mejor el caótico desasosiego moral y político radicado en Brasil tras el golpe militar de 1964 que este cautivador, alegórico e intemperante breviario del sentimiento de postración y sacrificio instalado en su sociedad ante el vasallaje conservadurista del poder establecido y el estridente populismo izquierdista que pretendidamente trataba de combatirlo. En este sentido, el alevoso torbellino social y gubernativo que sacude el devenir cotidiano de un territorio ilusorio denominado El Dorado actuaba como una visionaria exhortación sobre el abuso del poder que tanto han esgrimido los regímenes latinoamericanos a lo largo de su historia. La crispación y visceralidad de su puesta en escena, si cabe acentuada por una narración desordenada, el indiscriminado uso de la cámara al hombro y la inserción (como casi siempre en Rocha) de extravagancias culturales y atávicos sortilegios afrobrasileños, acuñaban una estridencia dramática y una potencia visual avanzada a su época, por las que fue unánimemente reprobada e injustamente incomprendida.

Otras películas sobre POPULISMO

El político – Robert Rossen (1949)
Salvatore Giuliano – Francesco Rosi (1962)
Cocalero – Alejandro Landes (2007)

MOMIA (La momia)

Cadáver de un ser humano o de un animal que, mediante embalsamamiento o por circunstancias naturales, se ha mantenido en aceptable estado de conservación mucho tiempo después de la muerte. Existen regiones y lugares que por sus características de sequedad extrema, frialdad, alcalinidad, aislamiento de la intemperie o de los microorganismos, causan que un cadáver se momifique en lugar de que se degrade por completo, como sucede normalmente en casi cualquier parte de la biósfera terrestre. La noción de momia está asociada a la de un cadáver embalsamado o preparado con la intención de conservarlo el mayor tiempo posible, usualmente por razones religiosas (…) Algunas antiguas culturas han dado, en variadas ocasiones a lo largo de la historia, una gran importancia a la conservación de los cadáveres de sus difuntos como parte de sus ritos y costumbres funerarias. El Antiguo Egipto es el ejemplo más conocido de cultura que efectuaba la momificación ritual de sus muertos. (Wikipedia)

“¡Cultura y civilización, esto es, el cuerpo vivo y la momia de un ser animado!”
Oswald Spengler (1880-1936) Filósofo e historiador alemán

LA MOMIA (The mummy) – 1932

Director Karl Freund
Guion John L. Balderston
Fotografía Charles Stumar
Música James Dietrich y Piotr I. Tchaikovsky
Producción Universal
Nacionalidad Estados Unidos
Duración 73m. B/N
Reparto Boris Karloff, Zita Johann, David Manners, Arthur Byron, Edward Van Sloan, Noble Johnson, Bramwell Fletcher, Kathryn Byron.
* Pyotr Ilyich Tchaikovsky – El lago de los cisnes, Op.20

«Mi amor ha perdurado más que los templos de nuestros dioses. Ningún mortal ha sufrido tanto como yo por ti»

El primer título como realizador de uno de los directores de fotografía más brillantes de la historia del cine, habitual colaborador de F.W. Murnau, fue este clásico del cine de aventuras fantásticas que rompió moldes dentro del formulario de la Universal al introducir una arrebatadora historia de amor en su argumento, por cierto, original de Nina Wilcox Putnam y Richar Schayer. Más allá de su terrorífico e inolvidable arranque, como es la antológica escena en la que el cadáver momificado del sacerdote Im-ho-tep, tras estar enterrado en la tumba durante tres mil setecientos años, recobra la vida en la tienda de los arqueólogos profanadores, el film deviene una desesperada manifestación de poesía y romanticismo, urdida con una fascinación estética deudora del pasado expresionista de su autor. Cabe destacar la creación del malévolo y apasionado nigromante faraónico a cargo del mítico Boris Karloff, eficazmente maquillado por Jack Pierce, así como la intervención de la fugaz estrella Zita Johann. En 1959, Terence Fisher ofreció una convincente relectura homónima del tema, inclusa en pleno proceso de revitalización de los mitos del terror emprendido por la Hammer, mientras que Stephens Sommers retomó su espíritu en una ágil diversión al servicio de la infografía y los efectos especiales, THE MUMMY (1998).

Otras películas sobre MOMIAS

Los ojos de la momia – Ernst Lubitsch (1918)
La maldición de la momia – Michael Carreras (1964)
Adele y el misterio de la momia – Luc Besson (2010)

FRACASO (Fat City, ciudad dorada)

Falta de éxito o resultado adverso que una persona obtendrá como respuesta a alguna empresa, proyecto o trabajo que no tuvo el resultado positivo que se esperaba. (definicionabc.com)

«No sé cuál es la clave del éxito, pero la clave del fracaso es intentar agradar a todo el mundo»
Bill Cosby (1937-) Actor, cómico, productor y activista estadounidense

FAT CITY, CIUDAD DORADA (Fat City) – 1972

Director John Huston
Guión Leonard Gardner
Fotografía Conrad Hall
Música Marvin Hamlisch
Producción Columbia/Rastar Pictures
Nacionalidad Estados Unidos
Duración 100m. Color
Reparto Stacy Keach, Jeff Bridges, Susan Tyrrell, Candy Clark, Art Aragon, Curtis Cokes, Nicholas Colasanto, Sixto Rodríguez, Billy Walker.

«Hay mujeres que te quieren por lo que eres, pero eso no dura mucho»

La obra de John Huston había entrado en un período de apática fluctuación cuando, afortunadamente, acometió esta adaptación de la novela homónima de Leonard Gardner con la intención de ofrecer una primorosa declaración de amor al mundo del boxeo, y, de paso, desenterrar sus propias experiencias como púgil aficionado. Para llevar a cabo el proyecto explotó nuevamente la épica del fracaso, presentando un panorama humano absolutamente desolador, compuesto por perdedores natos que se amustiaban y envilecían empapándose de alcohol por los tugurios más desdeñables de la ciudad. Una desgarrada y sincera reflexión sobre la frustración y el desengaño, facturada con el particular brío narrativo del camaleónico cineasta, quien, por cierto, no quedó demasiado satisfecho del resultado, quizás debido a la enorme exigencia que le remitían sus amplios conocimientos sobre el tema. Stacy Keach, en la piel de un cándido y derrotado exboxeador de segunda fila, alcanzó el momento más álgido de su carrera en un soberbio drama urbano tan realista como asombrosamente intemporal.

Otras películas sobre el FRACASO

¿Quién teme a Virginia Woolf? – Mike Nichols (1966)
Sonata de otoño – Ingmar Bergman (1978)
Lloviendo piedras – Ken Loach (1993)