Estados Unidos

NAIF (El pirata)

Se aplica a la corriente artística caracterizada por la ingenuidad y espontaneidad, el autodidactismo de los artistas, los colores brillantes y contrastados y la perspectiva acientífica captada por intuición. En muchos aspectos, recuerda (o se inspira) en el arte infantil, muchas veces ajeno al aprendizaje académico. (Wikipedia)

«No me esperaba ganar un segundo Emmy tal vez porque soy naïf, pero no lo esperaba»
Jim Parsons (1973-) Actor estadounidense

EL PIRATA (The pirate) – 1948

Director Vincente Minnelli
Guion Albert Hackett y Frances Goodrich
Fotografía Harry Stradling
Música Lennie Hayton
Producción Metro Goldwyn Mayer
Nacionalidad Estados Unidos
Duración 102m. Color
Reparto Judy Garland, Gene Kelly, Walter Slezak, Gladys Cooper, Reginald Owen, George Zucco, Ellen Ross.
* Judy Garland – Love of my life

«No me digas que nunca has anhelado un príncipe en lugar de una calabaza»

El momento culminante de la unión artística entre Minnelli y su esposa Judy Garland se halla en esta vibrante e insólita adaptación de una comedia de S.N. Behrman, que, paradójicamente, y quizás por haberse adelantado en veinte años a su época (según acabaría manifestando el productor Arthur Freed) obtuvo una gélida acogida por parte de la crítica y el público. Aunque probablemente sea cierto que este homenaje musical al cine de aventuras marítimas, ambientado en una isla caribeña repleta de piratas, cómicos e ilusionistas, rezumara una vehemencia exótica demasiado osada en su afán por narrar con gracejo, frescura y sensualidad los amores entre una pretendida joven y un acrobático comediante, no es menos evidente que entroncaba realidad y ficción con suma elegancia y un cromatismo naif esplendoroso, beneficiado de la excelente fotografía de Harry Stradling. Por si fuera poco, las espléndidas canciones de Cole Porter y la coreografía de Kelly y Robert Alton redondearon la función al concebir números tan antológicos como Niña, Love of my life o el imperecedero Be a clown.

Otras películas adornadas con un estilo NAIF

Mi tío – Jacques Tati (1958)
Zazie en el metro – Louis Malle (1959)
Eduardo Manostijeras – Tim Burton (1990)

AUTODESTRUCCIÓN (Leaving Las Vegas)

Destrucción de sí mismo. (mivocabulario.com)
La tendencia autodestructiva es la conducta orientada hacia el suicidio ya sea en forma consciente o inconsciente. (Wikipedia)

“El ejercicio de buscar poder acumulativo como adrenalina es sensación de plenitud artificial hoy y autodestrucción mañana”
Jorge Mario Bergoglio, Papa Francisco (1936-) Papa de la Iglesia Católica

LEAVING LAS VEGAS (Leaving Las Vegas) – 1995

Director Mike Figgis
Guión Mike Figgis
Fotografía Declan Quinn
Música Mike Figgis
Producción Initial Productions/Lumière Pictures
Nacionalidad EEUU/ G.Bretaña/ Francia
Duración 112m. Color
Reparto Nicolas Cage, Elisabeth Shue, Julian Sands, Richard Lewis, Valeria Golino, Laurie Metcalf, Stephen Weber, Thomas Kopache.
* Sting – My one and only love

«No sé si mi mujer me dejó porque bebía, o bebo porque mi mujer me dejó»

La confirmación profesional del ecléctico Mike Figgis surgió de esta turbia, candente y económica adaptación de una novela semiautobiográfica de John O’Brien, quien acabaría quitándose la vida quince días después de haber firmado el contrato de su conversión al cine. En un afán por exponer hasta dónde puede llegar la consternación e indolencia del ser humano, el film rehuía todo sentimentalismo superfluo para presentar de forma áspera y penetrante el autodestructivo viaje a los infiernos del alcohol que un guionista hollywoodiense emprende en la capital mundial del juego y el metacrilato, acompañado de una prostituta sin porvenir ni capacidad emancipadora. La atmósfera sórdida y taciturna que desprende este romance maldito e incuriosamente poético se acomodó perfectamente a la banda sonora del propio cineasta inglés -como es costumbre apoyado por su amigo Sting- y se propagó con autenticidad gracias a la inspiración de la pareja protagonista y a la estilización de sus imágenes, beneficiada por el soberbio diseño artístico de Waldemar Kalinowski.

Otras películas con protagonistas con TENDENCIA AUTODESTRUCTIVA

Taxi driver – Martin Scorsese (1976)
Teniente corrupto – Abel Ferrara (1992)
El club de la lucha – David Fincher (1999)

SWING (Música y lágrimas)

Estilo de jazz que se originó en Estados Unidos hacia finales de los años 1920, convirtiéndose en uno de los géneros musicales más populares y exitosos del país durante los años 1930. El swing utiliza instrumentos habituales en el jazz, como una sección rítmica formada por piano, contrabajo y batería; metales como trompetas y trombones; instrumentos de viento-madera, como saxofones y clarinetes; y muy ocasionalmente, instrumentos de cuerda como violín o guitarra. El swing utiliza preferentemente tempos medios y rápidos, generaliza los riffs melódicos y libera el rol del batería de ciertas restricciones que había tenido hasta entonces. El conjunto característico del estilo fue la big band, adquiriendo además cada vez mayor importancia el papel del solista. (Wikipedia)

“Ningún texto musical es swing. No se puede escribir swing, ya que el swing es lo que sacude al auditor y no hay swing en tanto que la nota no ha sonado. El swing es un fluido y aunque una orquesta haya tocado un trozo catorce veces, puede ocurrir que sólo lo swinguice a la decimoquinta vez”
Duke Ellington (1899-1974) Compositor, director y pianista estadounidense de jazz

MÚSICA Y LÁGRIMAS (The Glenn Miller story) – 1954

Director Anthony Mann
Guion Oscar Brodney y Valentine Davies
Fotografía William H. Daniels
Música Glenn Miller, Josep Gershenson y Henry Mancini
Producción Universal
Nacionalidad Estados Unidos
Duración 117m. Color
Reparto James Stewart, June Allyson, Charles Drake, George Tobias, Henry Morgan,
Sig Ruman, Barton McLane, Irving Bacon.
* Glenn Miller – Tuxedo junction

«¡Cuatro trombones y cuatro trompetas! ¿Cuándo estén tocando, qué es lo que va a sostener el techo? (…) Tal vez sea bueno o tal vez no, pero es radical»

La fructífera sociedad formada por Anthony Mann y James Stewart aparcó momentáneamente el western para pergeñar esta entusiasta y conmovedora biografía sobre el trompetista Glenn Miller, principal creador del llamado sonido genuinamente americano. Acentuando el obstinadamente cacareado ‘american dream’, el film recreaba con una sutil emotividad y un contagioso optimismo la trayectoria del legendario músico (enternecedor Stewart), desde sus inicios como trombonista provinciano hasta su trágica e inesperada desaparición, pasando por su arrollador triunfo neoyorquino en la época gloriosa del swing y las Big Bands y, sin desenlazar en ningún momento la hermosa historia de amor que mantuvo con su esposa (posiblemente la mejor interpretación de June Allyson). Una recopilación de sus grandes éxitos (In the mood, Moonlight serenade, etc.), una espléndida colaboración de Louis Armstrong, y otras melodías adicionales a cargo de Henry Mancini, completaban la formidable banda sonora de esta única incursión del realizador californiano en el género musical, que, a la postre, significó el mayor triunfo comercial de su carrera.

Otras películas sobre la música SWING

La historia de Benny Goodman – Valentine Davies (1956)
Rebeldes del swing – Thomas Carter (1993)
Las últimas rubias explosivas – Gillies MacKinnon (2000)

HOGAR (Desde que te fuiste)

El término hogar es utilizado muy corrientemente por las personas para denominar el lugar donde viven y que está estrechamente relacionado con una sensación de seguridad, confort, pertenencia y calma, en tanto, se eligió esta palabra y no otra por la otra acepción que también tiene el término, que es el sitio de la casa en el que se prende el fuego y en el cual solía reunirse la familia en el pasado cuando no existían las estufas o los splits frío/calor para calentarse y alimentarse. http://www.definicionabc.com/social/hogar.php

“Los mejores momentos de mi vida han sido aquellos que he disfrutado en mi hogar, en el seno de mi familia”
Thomas Jefferson (1743-1826) Tercer presidente de los Estados Unidos de América

DESDE QUE TE FUISTE (Since you went away) – 1944

Director John Cromwell
Guion David O. Selznick
Fotografía Stanley Cortez y Lee Garmes
Música Max Steiner
Producción United Artists
Nacionalidad Estados Unidos
Duración 172m. B/N
Reparto Claudette Colbert, Jennifer Jones, Shirley Temple, Joseph Cotten, Monty Woolley, Agnes Moorehead, Robert Walker, Lionel Barrymore.

«Me alisté porque mi vida me parecía insulsa y quería tener diversión y emociones. Y me reía en sueños de esos tipos que se enrolaban por causas nobles, por la libertad y todo lo demás, pero descubrí que todo se resumía en una simple y rancia frase de la que no me podía reir: ‘Hogar, dulce hogar'»

Superlativa adaptación de la novela Since you went away: Letters to a soldier from his wife de Margaret Buell Wilder, que, con casi toda seguridad, merece ser considerada como el exponente más perfecto, ambicioso y enternecedor de aquel coyuntural subgénero melodramático con trasfondo bélico y decididas intenciones propagandísticas gestado en Hollywood durante la Segunda Guerra Mundial. Las amargas vicisitudes cotidianas por las que atraviesa una familia de clase media tras la llamada a filas del cabeza de la misma conformaban un cuadro costumbrista idóneo para enaltecer los valores clásicos del hogar norteamericano y, de paso, consolar a las muchísimas mujeres que se tambaleaban entre el desasosiego y la esperanza mientras aguardaban el retorno de los suyos. El infravalorado John Cromwell confirió al estupendo guión del mismísimo David O’Selznick una puesta en escena de acrisolada intensidad dramática, primorosa plasticidad y un pertinente sentido del humor; factores, que, yuxtapuestos a su insuperable reparto y a la oscarizada música de Steiner acababan consagrándola como una de las grandes películas americanas de la década.

Otras películas consignadas a enaltecer la fuerza del HOGAR

Las cuatro hermanitas – George Cukor (1933)
¡Qué verde era mi valle! – John Ford (1941)
Primavera tardía – Yasujiro Ozu (1949)

FERROCARRIL (El caballo de hierro)

1. Medio de transporte que consiste en una serie de vagones arrastrados por una locomotora y que circulan por raíles.
2. Conjunto de instalaciones, equipos, vehículos y empleados que hacen funcionar ese medio de transporte. (Larousse Editorial)

«¿Qué es nuestra imaginación comparada con la de un niño que intenta hacer un ferrocarril con espárragos?»
Jules Renard (1864-1910) Escritor, dramaturgo y crítico literario francés

EL CABALLO DE HIERRO (The iron horse) – 1924

Director John Ford
Guion Charles Kenyon y John Russell
Fotografía George Schneiderman y Burnett Guffey
Música Erno Rapee
Producción Fox
Nacionalidad Estados Unidos
Duración 133m. B/N
Reparto George O’Brien, Madge Bellamy, Charles Edwall Bull, Fred Kohler, Will Walling, Gladys Hulette, Cyril Chadwick.

«Fiel y exacta en la recreación de los hechos y la atmósfera es esta película sobre la construcción del primer ferrocarril transcontinental estadounidense»

Impulsado por William Fox con el propósito de homenajear el cometido unificador de Abraham Lincoln, este mítico western con trasfondo histórico centrado en la titánica construcción de un acoplamiento entre las líneas ferroviarias de la Union Pacific y la Central Pacific fue adquiriendo progresivamente un carácter épico/dramático de tal envergadura que acabó por transformar un género, que, durante muchos años, evolucionaría con inusitado vigor gracias a su preeminente influencia. Las múltiples adversidades por las que atraviesa un colectivo de personas unidas por una empresa común, enlazar los dos océanos que bañan la nación estadounidense, cobraron en manos de John Ford un temperamento, una belleza y una emotividad pocas veces igualada en el cine silente; erigiéndose, además, en una poderosa y entusiasta parábola del irrefrenable designio evolutivo del ser humano. Quince años después, Cecil B. De Mille recuperaría los hechos en su espectacular aunque obviamente inferior UNIÓN PACIFICO, con Barbara Stanwyck y Joel McCrea al frente del reparto.

Otras películas sobre el FERROCARRIL

El maquinista de la general – B.Keaton y C.Bruckman (1926)
Turksib – Victor A. Turin (1929)
El ferroviario – Pietro Germi (1956)