Drama costumbrista

JUVENTUD (Las cuatro hermanitas)

Período de vida que normalmente toma lugar entre la niñez y la adultez. De acuerdo a lo establecido por los organismos de las Naciones Unidas, a la hora de determinar exactamente el lapso de años en los que acontece la juventud, podríamos decir que ésta ocurre entre los 15 y los 25 años, siendo por lo tanto una de las etapas más importantes de la vida al definir intrínsecamente a la persona, sus intereses, sus proyectos y sus relaciones con el mundo que la rodea. (definicionabc.com)

“Toda hora perdida en la juventud es una probabilidad de desgracia en el porvenir”
Marlene Dietrich (1901-1902) Actriz y cantante alemana

MUJERCITAS (Little women) – 1933

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Director George Cukor
Guion Sarah Y. Mason y Victor Heerman
Fotografía Henry Gerrard
Música Max Steiner
Producción RKO
Nacionalidad Estados Unidos
Duración 110M. B/N
Reparto Katharine Hepburn, Joan Bennett, Edna May Oliver, Paul Lukas, Frances Dee, Jean Parker, Douglas Montgomery, Henry Stephenson.

«¿Por qué las cosas siempre tienen que cambiar cuando son perfectas?»

Entrañable adaptación de la novela de Louise May Alcott que constituye la primera versión sonora del universal clásico hogareño en torno a los distintos avatares cotidianos, que, en plena guerra de Secesión, vive una familia de Massachusets integrada por una mujer y cuatro hijas adolescentes sumidas en la inquietud de sus instintos vocacionales y la destemplanza de sus primeras experiencias afectivas. El magnífico guion del matrimonio Mason/Heerman adquiriría en manos de Cukor una admirable elegancia, pulcritud y sensibilidad gracias a una contextura dramática que mezclaba inteligentemente su particular vitalidad narrativa con el matiz rosado y emotivo que dimanaba del relato original, estableciendo todo un canto a la confraternización, la generosidad y la pasión por afrontar la vida con sencillez e ilusión. Posiblemente sea más conocida la aceptable versión dirigida por Mervyn Leroy en 1949, pero no cabe duda que esta producción no acreditada de David O. Selznick, con una jovencísima e insuperable Katharine Hepburn al frente del estupendo reparto, sobrevive como la adecuación más inspirada e imperecedera del texto.

Otras películas que narran las primeras experiencias de JUVENTUD de sus protagonistas

El año de las luces – Fernando Trueba (1986)
Cuenta conmigo – Rob Reiner (1986)
Esperanza y gloria – John Boorman (1987)

ALBAÑIL (La piel quemada)

El término albañil significa maestro u oficial de albañilería,​ y designa a la persona con conocimientos profesionales y experiencia que se dedica como oficio a la construcción, reforma, renovación y reparación de edificaciones en general. (Wikipedia)

“El poeta es un hombre como todos, un albañil que construye su muro: un constructor de puertas y ventanas.”
Nicanor Parra (1914-) Poeta, matemático y físico chileno

LA PIEL QUEMADA (La piel quemada) – 1967

Director Josep Maria Forn
Guion Josep Maria Forn
Fotografía Ricardo Albiñana
Música Federico Martínez Tudó
Producción P.C. Teide
Nacionalidad España
Duración 106m. B/N
Reparto Antonio Iranzo, Marta May, Silvia Solar, Angel Lombarte, Luis Valero, Carlos Otero, Juan Miguel Solano, Inés Guisado.
* Salvador Escamilla – No aconseguiran

«A mí que no me hable nadie mal de Catalunya. Porque es lo que yo digo, allí me moría de hambre y aquí encontré trabajo y comida. ¿De dónde es uno? Pues de donde ‘pué’ vivir.»

En su mejor film como realizador, probablemente junto al valioso drama policíaco LOS CULPABLES (1962), Josep Maria Forn contraponía con fogoso aliento post-neorrealista la dolorosa ingratitud del ejercicio migratorio interno al ocioso deleite anexo al fenómeno turístico costero, alternando entre descriptivos flashbacks la generosa jornada laboral de un albañil asentado en Lloret de Mar (Girona) con el arduo viaje en tren que el resto de su familia emprende para reunirse con él desde Guadix (Granada). Protagonizada por el habitualmente secundario Antonio Iranzo, proponía un retrato veraz y turbador de la España de los sesenta, preponderando el antagonismo entre la rotunda situación de empobrecimiento, conservadurismo y explotación latifundista del campo andaluz y la bulliciosa prosperidad económica del litoral norte mediterráneo, e, incluso, incidiendo con un valiente e inusual matiz catalanista en otras tesituras sociales, como la hostil reticencia autóctona al nuevo colectivo inmigrante. Aunque en un principio la censura demandó la eliminación del poco diálogo en catalán que contenía el guion, finalmente la cinta pudo ser exhibida con el simple requisito de cambiar alguna que otra escena supuestamente erótica.

Otras películas protagonizadas por un ALBAÑIL

Los albañiles – Jorge Fons (1976)
Trabajo clandestino – Jerzy Skolimowski (1982)
Riff-Raff – Ken Loach (1991)

ARROGANCIA (Sábado noche, domingo mañana)

1. Actitud de la persona orgullosa y soberbia que se cree superior a los demás.
2. Valor y decisión en la forma de actuar.
(Larousse Editorial)

«Existe una delgada línea entre la arrogancia y la confianza en uno mismo, y esta última, si es legítima, es un caballo ganador.»
Jack Welch (1935-) Empresario y escritor estadounidense

SABADO NOCHE, DOMINGO MAÑANA (Saturday night and Sunday morning) – 1960

Director Karel Reisz
Guion Allan Sillitoe
Fotografía Freddie Francis
Música Johnny Dankworth
Producción Bryandston/Woodfall
Nacionalidad Gran Bretaña
Duración 89m. B/N
Reparto Albert Finney, Shirley Ann Field, Rachel Roberts, Bryan Pringle, Robert Cawdron, Hylda Baker, Norman Rossington, Colin Blakely.
* Cleo Laine – Let’s slip away

«Casarse es demasiado caro: una buena suma de entrada y tu sueldo de por vida (…) Trabajo para la fábrica, para hacienda y para el seguro; de momento, ya es suficiente. Te roban el dinero por todas partes y cuando te han despellejado, te llaman a filas y te matan de un disparo.»

Un título fundamental en la consolidación del ‘free cinema’, basado en la novela homónima que Allan Sillitoe escribió acerca de las peripecias amorosas durante un fin de semana de un airado muchacho proletario de Notthingham, arquetipo de lo que por entonces se conocía como ‘angry young man’. En su primer largometraje y, sin duda, el más distinguido de su filmografía, Karel Reisz manifestó una sorprendente delicadeza y perspicacia cinematográfica al establecer una descripción del ambiente cotidiano de insólita precisión realista, que rechazaba cualquier influencia política para difundir con enorme autenticidad la desilusión generacional de un joven de clase obrera rebelde, desubicado y disconforme con el entorno en el que subsistía. La película conllevaría una repercusión oxigenadora para los enmohecidos esquemas del cine británico del momento y disparó la emergente carrera de Albert Finney, cuyo tosco aspecto e impetuosa virilidad se ajustaban perfectamente al arrogante personaje protagonista, asentando la imagen que ofrecería en sus futuras interpretaciones.

Otras películas protagonizadas por un tipo cargado de ARROGANCIA

Un tranvía llamado deseo – Elia Kazan (1951)
El buscavidas – Robert Rossen (1961)
Enrique V – Kenneth Branagh (1989)

INFORTUNIO (Vida de Oharu, mujer galante)

Suerte adversa que en ocasiones suelen experimentar los individuos por diversas circunstancias. (significados.com)

“De todos los infortunios que afligen a la humanidad el más amargo es que hemos de tener conciencia de mucho y control de nada”
Heródoto (484-425 a.C.) Historiador y geógrafo griego

VIDA DE OHARU, MUJER GALANTE (Saikaku ichidai onna) 1952

Director Kenji Mizoguchi
Guion Yoshikata Yoda
Fotografía Yoshimi Hirano
Música Ichiro Saito
Producción Shin Toho
Nacionalidad Japón
Duración 148m. B/N
Reparto Kinuyo Tanaka, Masao Shimizu, Tsukie Matsuura, Toshiro Mifune, Ichiro Sugai, Toshiaki Konoe, Kiyoko Tsuji.

«¿Alguna vez pensaste que acabarías de esta manera? Tengo entendido que trabajaste en la Corte. ¿Qué te llevo a acabar así?»

El irrepetible talento de Mizoguchi hizo su entrada triunfal en el mercado occidental gracias a este portentoso melodrama fatalista, inspirado en la clásica obra literaria de Saikaku Ihara La vida de una libertina, que constituye el origen de la sucesión de obras maestras que finiquitaron su dilatada filmografía, y, que, hoy en día, perduran como una de las grandes cúspides creativas de la cinematografía japonesa. Incidiendo en su particular mirada de ira, reproche y compasión hacia el denigrante papel que le ha tocado vivir a la mujer en la historia de su país, el magistral realizador describía con apabullante disposición estética, notable intensidad psicológica y una pesadumbre lírica sin ningún recodo de benevolencia la infortunada trayectoria vital de la hija de un samurái en la jerarquizada sociedad feudal nipona del siglo XVII, haciendo gala de su virtuosa capacidad a la hora de elaborar planos-secuencia o jugar con la elipsis y el fuera de campo. Por otro lado, arrancó una de las mejores composiciones de la gran Kinuyo Tanaka (una de sus actrices fetiche) al frente de un reparto absolutamente soberbio.

Otras películas determinadas por el INFORTUNIO del personaje protagonista

Cielo negro – Manuel Mur Oti (1951)
La Strada – Federico Fellini (1954)
El renacido – Alejandro González Iñárritu (2015)

SOBREIMPRESIÓN (Corazón fiel)

Imagen, texto sobreimpreso sobre una imagen ya impresa. (google.es)
En el lenguaje del cine, sobreimpresión es cuando se impresiona dos veces el mismo fragmento de film, filmando cada vez imágenes diferentes que adquieren significado con la superposición. (ite.educacion.es)

«Las escenas siguientes introducen un tema que Méliès repetirá con frecuencia: la revista de los planetas y de las constelaciones, la Osa Mayor personificada por seis bellas jóvenes que llevan sendas estrellas (…) Los astros se suceden en sobreimpresión sobre el fondo negro de una escenografía, mientras que los exploradores, tumbados, duermen y sueñan.» (sobre Viaje a la Luna)
Georges Sadoul (1904-1967) Historiador cinematográfico

CORAZÓN FIEL (Coeur fidèle) – 1923

Director Jean Epstein
Guion Jean Epstein y Marie Epstein
Fotografía Paul Guichard
Producción Pathé
Nacionalidad Francia
Duración 97m. B/N
Reparto Léon Mathot, Gina Manès, Edmond Van Daële, Claude Benedict, Marie Epstein, Madame Maufroy, Madeleine Erickson.

«El amor todo lo puede olvidar.»

El intrépido y presuntuoso talento estético de Jean Epstein fue presentado en sociedad gracias a este manido relato melodramático de carácter naturalista acerca de la rivalidad que consignan dos hombres de distinto talante, condición e intenciones por el amor de una joven huérfana, adoptada y explotada por el despótico dueño de un mísero bar del puerto de Marsella. El realizador de origen polaco se apoyaría en una crónica cotidiana de admirable pulcritud para dar rienda suelta a su poderosa creatividad visual y a una inventiva empírica sin parangón, que flirteaba con las sobreimpresiones, el desenfoque o el ralentí en las escenas de mayor dramatismo, y, cuyo punto culminante, residía en la antológica secuencia de la feria, donde se aglutinaban con exaltación y lirismo numerosas técnicas como el montaje rítmico, la cámara subjetiva o el encuadre oblicuo. En su momento, la conmovedora osadía vanguardista de la cinta causó un enorme impacto y levantó enérgicas polémicas, y, en la actualidad, cabe considerarla como una de las creaciones más significativas de aquel movimiento de obvio trasfondo psicológico y honda formación intelectual llamado impresionismo.

Otras películas mudas en las que se utiliza la técnica de la SOBREIMPRESIÓN

La carreta fantasma – Victor Sjöström (1921)
Amanecer – F.W. Murnau (1927)
Cuatro hijos – John Ford (1928)