Drama psicológico

NÚMERO (El que recibe el bofetón)

Cada una de las partes o actuaciones de que se compone el programa de un espectáculo público. (RAE)
Los números circenses eran muy variados; trapecistas, payasos, funambulistas, jinetes, ilusionistas… que posibilitaban el estudio del espacio, del movimiento o del equilibrio. Se trataba de un espectáculo tremendamente físico e inmersivo, una magnífica ocasión para la exploración del cuerpo y el movimiento de los gimnastas. (carmenthyssenmalaga.org)

«Aborrezco los números de circo con animales engañados, tigres domesticados o leones que rugen de impotencia mientras dan zarpazos al aire y se tambalean sobre pequeños taburetes.» (libro El último tren a la zona verde)
Paul Theroux (1941-) Escritor estadounidense

EL QUE RECIBE EL BOFETÓN (He who gets slapped) – 1924

Director Victor Sjöström
Guion Victor Sjöström y Carey Wilson
Fotografía Milton Moore
Música William Axt
Producción Metro-Goldwyn-Mayer
Nacionalidad Estados Unidos
Duración 83m. B/N
Reparto Lon Chaney, Norma Shearer, Tully Marshall, Marc McDermott, Bartine Burkett, John Gilbert, Ford Sterling, Bela Lugosi.

“En la inexorable comedia de la vida, se ha dicho sabiamente que quien ríe último, ríe mejor.”

Traicionado al unísono por su infiel esposa y su supuesto benefactor, que se apropia torticeramente de su revolucionaria tesis de investigación sobre el origen de la humanidad, un desesperado científico francés (inconmensurable Lon Chaney) se enrola como clown en un circo donde triunfará con un masoquista número en el que revive a diario su traumática humillación dejándose abofetear por sesenta payasos. Victor Sjöstrom se resarció del fracaso de su primera película hollywoodiense, NAME THE MAN (1924), con esta retorcida adaptación del homónimo drama simbolista de Leonid A. Andreyev, que, más allá de alcanzar con celeridad la categoría de culto, supuso la primera producción de MGM (fusión de la compañía Metro Pictures con el estudio de Samuel Goldwyn y la empresa de Louis B. Mayer) y la película que inauguró su reconocible logotipo del león. Una folletinesca y retorcida fábula sobre las azarosas vueltas del destino, resuelta con amplitud poética, potencial emotivo y sensibilidad estética bajo una atmósfera malsana de alegórica ensoñación.

Otras películas que enfatizan la brillantez de un NÚMERO CIRCENSE

El circo – Charles Chaplin (1928) / funambulista
El gran domador – Kurt Neumann (1933)
Trapecio – Carol Reed (1956)

EXPERIMENTO (El rostro ajeno)

Procedimiento mediante el cual se trata de refutar una hipótesis o de explorar algo de un modo metódico. (Wikcionario)

«El ser humano es un experimento; el tiempo demostrará si valía la pena»
Mark Twain (1835-1910) Escritor estadounidense

EL ROSTRO AJENO (Tanin no kao) – 1966

Director Hiroshi Teshigahara
Guion Kôbô Abe
Fotografía Hiroshi Segawa
Música Tôru Takemitsu
Producción Toho/Teshigahara Productions
Nacionalidad Japón
Duración 124m. B/N
Reparto Tatsuya Nakadai, Machiko Kyô, Mikijiro Hira, Kyôko Kishida, Eiji Okada, Minoru Chiaki, Kunie Tanaka, Etsuko Ichihara.

«No eres el único hombre solitario. Ser libre siempre implica estar solo. Simplemente hay una máscara que puedes quitarte y otra que no.»

Drama psicológico de perturbador simbolismo y poético barniz surrealista, que, junto a LA MUJER DE LA ARENA, ambos basados en novelas homónimas de Kôbô Abe (y guionizados por él mismo), conforman la cumbre creativa como realizador vanguardista de Hiroshi Teshigahara. Película compleja, discursiva y plásticamente embriagadora, reflexionaba sobre la alienación del individuo y la crisis de identidad en la prejuiciosa y deshumanizadora sociedad contemporánea a través de dos líneas narrativas complementarias e independientes, que divulgaban dos posturas antagónicas de hacer frente a una deformidad física: por un lado, el consentimiento de un ingeniero con el rostro desfigurado a raíz de un accidente laboral en someterse a un experimento que le permita recuperar su autoestima, ocultando su semblante con la implantación de una especie de máscara biónica, y, por otro, la aceptación de una repudiada joven en mostrar sin tapujos sus rasgos quemados por la catástrofe nuclear de Nagasaki. Memorables interpretaciones y hermoso vals como partitura principal a cargo Toru Takemitsu.

Otras películas donde el protagonista se somete a un EXPERIMENTO

El hombre invisible – James Whale (1933)
El profesor chiflado – Jerry Lewis (1963)
La naranja mecánica – Stanley Kubrick (1971)

CUADERNO (Paterson)

Conjunto o agregado de algunos pliegos de papel, doblados y cosidos en forma de libro. (RAE)

“Siempre tengo un cuaderno abierto, donde anoto lo que voy pensando, pero no lo hago a diario. No todos los días suceden cosas dignas de ser anotadas. Si fuerzas esa tarea y la haces con cotidianidad, te expones a escribir textos que no son importantes.”
José Luis Sampedro (1917-2013) Escritor y economista español

PATERSON (Paterson) – 2016

Director Jim Jarmusch
Guion Jim Jarmusch
Fotografía Frederick Elmes
Música Sqürl
Producción Amazon Prime Video/K5 Film/Le Pacte/Animal Kingdom/Inkjet Production
Nacionalidad Estados Unidos/ Francia/ Bélgica
Duración 113m. Color
Reparto Adam Driver, Golshifteh Farahani, Sterling Jerins, Luis Da Silva Jr., Frank Harts, William Jackson Harper, Masatoshi Nagase.
* Willie West – I’m still a man (Lord have mercy)

“Cuando despierto primero que tú y estás girada hacia mi cara sobre la almohada con el pelo disperso, me aferro a ese momento y te observo, absorto de amor y temeroso que puedas abrir tus ojos y la luz del día huya de ti.”

Paterson es un afable, dócil, culto y pintoresco conductor de autobús que vive apaciblemente junto a su dulce, voluble e ingenua pareja en la localidad homónima de New Jersey. Aficionado a escribir poesía realista en su inseparable cuaderno, desvinculado de los medios de comunicación y reacio a las nuevas tecnologías, concluye cada jornada paseando a su perro y tomándose una cerveza en el mismo bar de siempre. A través de una calmosa e intimista narrativa espacio-temporal, pródiga en repeticiones, pausas y tiempos muertos (en ocasiones, coordinados con los versos del protagonista recitados en off y sobreimpresionados en pantalla), Jarmusch prescribe el proceso creativo como un estímulo liberador idóneo para aderezar la sencillez humilde y rutinaria de lo cotidiano. Un ejercicio costumbrista de acogedor e hipnótico carácter contemplativo, dividido en siete partes, equivalentes a cada uno de los días de la semana, que diagnostica el conformismo no como un signo de resignación a la mediocridad sino como complacencia ante una vida en común de cálida plenitud y paz interior.

Otras películas determinadas por la presencia de un CUADERNO

¿Dónde está la casa de mi amigo? – Abbas Kiarostami (1987)
El gran cuaderno – János Szász (2013)
El cuaderno de Tomy – Carlos Sorin (2020)

PARANOIA (Shutter Island)

Trastorno desordenado de la personalidad donde se siente suspicacia. Ahora bien, esta actitud no está justificada, sintiendo además que se planean cosas negativas en contra. Los pensamientos paranoicos hacen que la persona sufra y se auto defienda o ataque. Su estado de ánimo, por lo general es negativo, donde se combinan ansiedad, depresión y baja autoestima. También se combina con egocentrismo u orgullo. El paranoico tiene en su pensamiento la creencia de que todo lo que le pasa es debido a sucesos misteriosos. Hasta la persona cree que son causas sobrenaturales que él mismo no puede ver o explicar. Ahora bien, su discurso verbal es completamente normal, lógico y razonable. (centroserendipia.es)

«La paranoia es como el cinturón de seguridad: es cuando no te lo pones cuando sufres el accidente.» (novela The trail to buddha’s mirror)
Don Winslow (1953-) Escritor estadounidense

SHUTTER ISLAND (Shutter Island) – 2010

Director Martin Scorsese
Guion Laeta Kalogridis
Fotografía Robert Richardson
Música Varios
Producción Paramount/Phoenix Pictures/Sikelia Productions/Appian Way
Nacionalidad Estados Unidos
Duración 138m. Color
Reparto Leonardo DiCaprio, Mark Ruffalo, Ben Kingsley, Emily Mortimer, Michelle Williams, Max von Sydow, Elias Koteas.
* Max Richter – On the nature of daylight

«Sabes, este lugar me hace pensar (…) ¿Qué sería peor: vivir como un monstruo o morir como un buen hombre?»

Tenebroso, perturbador e irrespirable thriller psicológico, basado en la homónima novela de intriga de Dennis Lehane, que proponía un complejo recorrido por los meandros del inconsciente a partir de la llegada de dos agentes federales a la siniestra isla del título, ubicada en la bahía de Massachusetts, para investigar la misteriosa desaparición de una paciente interna en el hospital psiquiátrico Ashecliffe, centro penitenciario para peligrosos criminales perturbados. Ambientada a mediados de los años cincuenta, en pleno apogeo de la Guerra Fría y la histeria anticomunista, formulaba un retorcido y pesadillesco descenso al abismo de la paranoia a través de una desasosegante atmósfera de suspense con trazos de terror gótico, nutrida de impactantes giros de guion y rematada con un epílogo de rotunda ambigüedad. Suntuosa brillantez visual y absoluto protagonismo de Leonardo Di Caprio, en su cuarta colaboración con Scorsese, dando vida a un enigmático personaje con múltiples e intensas aristas, atormentado por su abrumadora estancia en el campo de concentración de Dachau.

Otras películas sobre la PARANOIA

La semilla del diablo – Roman Polanski (1968)
La conversación – Francis Ford Coppola (1974)
Cisne negro – Darren Aronofsky (2010)

EXPRESIVIDAD (Ménilmontant)

Capacidad para manifestar con viveza sentimientos o pensamientos. (Espasa-Calpe)

«Nadie niega que la expresividad es buena y saludable, pero si se exagera es hostigante y perniciosa.» (libro Deshojando margaritas)
Walter Riso (1951-) Doctor en psicología, escritor y conferencista italiano

MÉNILMONTANT (Ménilmontant) – 1926

Director Dimitri Kirsanoff
Guion Dimitri Kirsanoff
Fotografía Dimitri Kirsanoff y Léonce Crouan
Producción Dimitri Kirsanoff
Nacionalidad Francia
Duración 38m. B/N
Reparto Nadia Sibirskaïa, Yolande Beaulieu, Guy Belmont, Jean Pasquier, Maurice Ronsard.

«Dimitri Kirsanoff desarrolló una técnica que sugiere el movimiento conocido en pintura como futurismo» (Pauline Kael)

Tras sorprender a la crítica con su primera creación, THE IRONY OF FATE (1921), clasificada como perdida en la actualidad, Dimitri Kirsanoff reafirmó su personalidad polifacética e influyente autofinanciándose este ejercicio de estilo virtuoso, adelantado a su tiempo e imprescindible para todo aquel que ame el cine o pretenda algún día plasmar una historia en la gran pantalla. Apoyándose en una imaginería visual tan perturbadora e intensa como subyugante en su idoneidad para transmitir emociones e irradiar poesía, mostraba sin la ayuda de intertítulos explicativos la dramática orfandad de dos hermanas de origen rural, devoradas por la depredadora e inmisericorde ruindad miserabilista del París suburbial. Un revelador e impulsivo uso del flashback o la elipsis, deslumbrantes movimientos de cámara o mañosas superposiciones de imágenes, entre otros recursos henchidos de simbolismo y onírica musicalidad, despuntaban al servicio de la frágil, sofisticada y arrebatadora expresividad actoral de Nadia Sibirskaïa, primera esposa y musa del incomparable cineasta estonio.

Otras películas realzadas por la EXPRESIVIDAD de su actriz o actrices protagonistas

Vacaciones en Roma – Audrey Hepburn (1953) / Audrey Hepburn
Los puentes de Madison – Clint Eastwood (1995) / Meryl Streep
La favorita – Yorgos Lanthimos (2018) / Rachel Weisz y Emma Stone