NACIONALIDADES

JUNCO (Onibaba)

Se conoce como junco a numerosas especies de plantas monocotiledóneas ligadas al agua o a zonas húmedas, de altura media (50 centímetros o más), casi siempre radicantes y rizomatosas, con tallos erectos o ascendentes, cilíndricos o comprimidos, y que están englobadas en varios géneros, sobre todo de las familias Juncaceae y Cyperaceae. (Wikipedia)

“Antes que corten los juncos del río contempla la luna”
Matsuo Basho (1644-1694) Poeta japonés

ONIBABA (Onibaba) – 1964

Director Kaneto Shindô
Guion Kaneto Shindô
Fotografía Kyomi Kuroda
Música Hikari Hayashi
Producción Toho
Nacionalidad Japón
Duración 103m. B/N
Reparto Nobuko Otowa, Jitsuko Yoshimura, Kei Sato, Jukichi Uno, Taiji Tonoyama, Sensho Matsumoto, Kentaro Kaji, Hosui Araya.

«Dicen que los infiernos existen de verdad (…) El castigo para el amor pecaminoso es el más severo»

Apremiado, quizás, por las enormes dificultades por las que atravesaba la industria cinematográfica de su país durante los años sesenta, Kaneto Shindô restringió su ingénita inspiración artística para encauzar su carrera por los derroteros de la comercialidad; determinación, que, sin embargo, permitió algún que otro arrebato de impetuosa creatividad estilística como este exótico, tentador e intenso drama con trasfondo terrorífico en torno a las ávidas, crueles y desesperadas estratagemas criminales y amatorias acometidas por una mujer y su suegra para sobrevivir en unos frondosos campos de juncos, cercados por las contiendas civiles del Japón medieval. Este restringido planteamiento argumental fue eficazmente dignificado a través de diversos componentes entroncados con la magna tradición cultural nipona, como sus metafóricas e ingeniosas pinceladas fantásticas o sus subyugantes e irracionales asomos de turbio erotismo, consiguiendo una magistral obra de culto en lo referente a su atmósfera enfermiza e inmunda, su abrumadora plasticidad o su espeluznante tratamiento de la violencia.

Otras películas aderezadas con JUNCOS

Los juncos salvajes – André Techiné (1994)
Zaman, el hombre de los juncos – Amer Alwan (2003)
La León – Santiago Otheguy (2007)

AUTODESTRUCCIÓN (Leaving Las Vegas)

Destrucción de sí mismo. (mivocabulario.com)
La tendencia autodestructiva es la conducta orientada hacia el suicidio ya sea en forma consciente o inconsciente. (Wikipedia)

“El ejercicio de buscar poder acumulativo como adrenalina es sensación de plenitud artificial hoy y autodestrucción mañana”
Jorge Mario Bergoglio, Papa Francisco (1936-) Papa de la Iglesia Católica

LEAVING LAS VEGAS (Leaving Las Vegas) – 1995

Director Mike Figgis
Guión Mike Figgis
Fotografía Declan Quinn
Música Mike Figgis
Producción Initial Productions/Lumière Pictures
Nacionalidad EEUU/ G.Bretaña/ Francia
Duración 112m. Color
Reparto Nicolas Cage, Elisabeth Shue, Julian Sands, Richard Lewis, Valeria Golino, Laurie Metcalf, Stephen Weber, Thomas Kopache.
* Sting – My one and only love

«No sé si mi mujer me dejó porque bebía, o bebo porque mi mujer me dejó»

La confirmación profesional del ecléctico Mike Figgis surgió de esta turbia, candente y económica adaptación de una novela semiautobiográfica de John O’Brien, quien acabaría quitándose la vida quince días después de haber firmado el contrato de su conversión al cine. En un afán por exponer hasta dónde puede llegar la consternación e indolencia del ser humano, el film rehuía todo sentimentalismo superfluo para presentar de forma áspera y penetrante el autodestructivo viaje a los infiernos del alcohol que un guionista hollywoodiense emprende en la capital mundial del juego y el metacrilato, acompañado de una prostituta sin porvenir ni capacidad emancipadora. La atmósfera sórdida y taciturna que desprende este romance maldito e incuriosamente poético se acomodó perfectamente a la banda sonora del propio cineasta inglés -como es costumbre apoyado por su amigo Sting- y se propagó con autenticidad gracias a la inspiración de la pareja protagonista y a la estilización de sus imágenes, beneficiada por el soberbio diseño artístico de Waldemar Kalinowski.

Otras películas con protagonistas con TENDENCIA AUTODESTRUCTIVA

Taxi driver – Martin Scorsese (1976)
Teniente corrupto – Abel Ferrara (1992)
El club de la lucha – David Fincher (1999)

SWING (Música y lágrimas)

Estilo de jazz que se originó en Estados Unidos hacia finales de los años 1920, convirtiéndose en uno de los géneros musicales más populares y exitosos del país durante los años 1930. El swing utiliza instrumentos habituales en el jazz, como una sección rítmica formada por piano, contrabajo y batería; metales como trompetas y trombones; instrumentos de viento-madera, como saxofones y clarinetes; y muy ocasionalmente, instrumentos de cuerda como violín o guitarra. El swing utiliza preferentemente tempos medios y rápidos, generaliza los riffs melódicos y libera el rol del batería de ciertas restricciones que había tenido hasta entonces. El conjunto característico del estilo fue la big band, adquiriendo además cada vez mayor importancia el papel del solista. (Wikipedia)

“Ningún texto musical es swing. No se puede escribir swing, ya que el swing es lo que sacude al auditor y no hay swing en tanto que la nota no ha sonado. El swing es un fluido y aunque una orquesta haya tocado un trozo catorce veces, puede ocurrir que sólo lo swinguice a la decimoquinta vez”
Duke Ellington (1899-1974) Compositor, director y pianista estadounidense de jazz

MÚSICA Y LÁGRIMAS (The Glenn Miller story) – 1954

Director Anthony Mann
Guion Oscar Brodney y Valentine Davies
Fotografía William H. Daniels
Música Glenn Miller, Josep Gershenson y Henry Mancini
Producción Universal
Nacionalidad Estados Unidos
Duración 117m. Color
Reparto James Stewart, June Allyson, Charles Drake, George Tobias, Henry Morgan,
Sig Ruman, Barton McLane, Irving Bacon.
* Glenn Miller – Tuxedo junction

«¡Cuatro trombones y cuatro trompetas! ¿Cuándo estén tocando, qué es lo que va a sostener el techo? (…) Tal vez sea bueno o tal vez no, pero es radical»

La fructífera sociedad formada por Anthony Mann y James Stewart aparcó momentáneamente el western para pergeñar esta entusiasta y conmovedora biografía sobre el trompetista Glenn Miller, principal creador del llamado sonido genuinamente americano. Acentuando el obstinadamente cacareado ‘american dream’, el film recreaba con una sutil emotividad y un contagioso optimismo la trayectoria del legendario músico (enternecedor Stewart), desde sus inicios como trombonista provinciano hasta su trágica e inesperada desaparición, pasando por su arrollador triunfo neoyorquino en la época gloriosa del swing y las Big Bands y, sin desenlazar en ningún momento la hermosa historia de amor que mantuvo con su esposa (posiblemente la mejor interpretación de June Allyson). Una recopilación de sus grandes éxitos (In the mood, Moonlight serenade, etc.), una espléndida colaboración de Louis Armstrong, y otras melodías adicionales a cargo de Henry Mancini, completaban la formidable banda sonora de esta única incursión del realizador californiano en el género musical, que, a la postre, significó el mayor triunfo comercial de su carrera.

Otras películas sobre la música SWING

La historia de Benny Goodman – Valentine Davies (1956)
Rebeldes del swing – Thomas Carter (1993)
Las últimas rubias explosivas – Gillies MacKinnon (2000)

CONVERSACIÓN (El declive del imperio americano)

Diálogo entre dos o más personas que intervienen alternativamente expresando sus ideas o afectos sin seguir una planificación. Se establece una comunicación a través del lenguaje verbal (en una sala de chat y al hablar) y del lenguaje no verbal (…) puede girar en torno a uno o muchos temas y está condicionada por el contexto. En una situación informal, éstos pueden variar con facilidad y sin previa organización. Los dialogantes pueden expresar su punto de vista y discutir. (Wikipedia)

“Toda conversación tiene un momento favorable en que poder terminarla; no lo desperdicies. Las últimas palabras son de efectos más duraderos que las primeras, por lo que deben ser particularmente bien ponderadas”
José Ortega y Gasset (1883-1955) Filósofo y ensayista español

EL DECLIVE DEL IMPERIO AMERICANO (Le déclin de l’empire américain)- 1986

Director Denys Arcand
Guion Denys Arcand
Fotografía Guy Dufaux
Música François Dompierre
Producción Malofilm/NFB/Societé General Cinema Quebec/Téléfilm Canada/Societé Radio Cinema/M&M
Nacionalidad Canadá
Duración 101m. Color
Reparto Rémy Girard, Dominique Michel, Dorothée Berryman, Louise Portal, Pierre Curzi, Yves Jacquet, Geneviève Rioux, Gabriel Arcand.

“La mentira es la base de la vida amorosa y el cimiento de la vida social”

Las mordaces, oblicuas e intelectuales conversaciones entre cuatro hombres y cuatro mujeres, en su mayoría académicos o profesores de historia en la Universidad de Québec, en torno a sus insatisfacciones personales y afectivas, sus fantasías sexuales o las frágiles escaramuzas adulterinas en las que incurren para atemperar su integración a la capciosa y retorcida sociedad del bienestar conforman el grueso argumental de este insospechado éxito de crítica y público con el que Denys Arcand rindió un incisivo, sensible y, al mismo tiempo, irreverente tributo a su propia generación. Diecisiete años después, el francófono realizador canadiense se rindió al amargo sabor de la melancolía y convocó al mismo plantel de actores para que retomaran sus hedonistas personajes con motivo de la enfermedad terminal de uno de ellos y, con un análogo registro discursivo, punzante y confraternizador e, incluso, todavía mayor frescura dialéctica, reflexionaran en torno a la amistad o al hastío psicológico y moral que se acentúa con el envejecimiento en LA INVASIONES BARBARAS.

Otras películas con un profuso dominio de la CONVERSACIÓN

La mamá y la puta – Jean Eustache (1973)
Secretos de un matrimonio – Ingmar Bergman (1973)
Antes del amanecer – Richard Linklater (1995)

HOGAR (Desde que te fuiste)

El término hogar es utilizado muy corrientemente por las personas para denominar el lugar donde viven y que está estrechamente relacionado con una sensación de seguridad, confort, pertenencia y calma, en tanto, se eligió esta palabra y no otra por la otra acepción que también tiene el término, que es el sitio de la casa en el que se prende el fuego y en el cual solía reunirse la familia en el pasado cuando no existían las estufas o los splits frío/calor para calentarse y alimentarse. http://www.definicionabc.com/social/hogar.php

“Los mejores momentos de mi vida han sido aquellos que he disfrutado en mi hogar, en el seno de mi familia”
Thomas Jefferson (1743-1826) Tercer presidente de los Estados Unidos de América

DESDE QUE TE FUISTE (Since you went away) – 1944

Director John Cromwell
Guion David O. Selznick
Fotografía Stanley Cortez y Lee Garmes
Música Max Steiner
Producción United Artists
Nacionalidad Estados Unidos
Duración 172m. B/N
Reparto Claudette Colbert, Jennifer Jones, Shirley Temple, Joseph Cotten, Monty Woolley, Agnes Moorehead, Robert Walker, Lionel Barrymore.

«Me alisté porque mi vida me parecía insulsa y quería tener diversión y emociones. Y me reía en sueños de esos tipos que se enrolaban por causas nobles, por la libertad y todo lo demás, pero descubrí que todo se resumía en una simple y rancia frase de la que no me podía reir: ‘Hogar, dulce hogar'»

Superlativa adaptación de la novela Since you went away: Letters to a soldier from his wife de Margaret Buell Wilder, que, con casi toda seguridad, merece ser considerada como el exponente más perfecto, ambicioso y enternecedor de aquel coyuntural subgénero melodramático con trasfondo bélico y decididas intenciones propagandísticas gestado en Hollywood durante la Segunda Guerra Mundial. Las amargas vicisitudes cotidianas por las que atraviesa una familia de clase media tras la llamada a filas del cabeza de la misma conformaban un cuadro costumbrista idóneo para enaltecer los valores clásicos del hogar norteamericano y, de paso, consolar a las muchísimas mujeres que se tambaleaban entre el desasosiego y la esperanza mientras aguardaban el retorno de los suyos. El infravalorado John Cromwell confirió al estupendo guión del mismísimo David O’Selznick una puesta en escena de acrisolada intensidad dramática, primorosa plasticidad y un pertinente sentido del humor; factores, que, yuxtapuestos a su insuperable reparto y a la oscarizada música de Steiner acababan consagrándola como una de las grandes películas americanas de la década.

Otras películas consignadas a enaltecer la fuerza del HOGAR

Las cuatro hermanitas – George Cukor (1933)
¡Qué verde era mi valle! – John Ford (1941)
Primavera tardía – Yasujiro Ozu (1949)