Drama intimista

SOPOR (La eternidad y un día)

El sopor es una condición en la que una persona está durmiendo. Existen dos tipos:
1. Superficial, si al estimularlo despierta, pero no se logra que llegue a la lucidez y actúa desorientado (como si estuviera obnubilado), respondiendo escuetamente preguntas simples. Al dejarlo tranquilo, la persona vuelve a dormirse.
2. Profundo, si es necesario aplicar estímulos dolorosos para lograr que abra los ojos o mueva las extremidades (respuesta de defensa). https://es.wikipedia.org/wiki/Sopor

“Conviene siempre esforzarse más en ser interesante que exacto; porque el espectador lo perdona todo menos el sopor”
Voltaire (1694-1778) Escritor, historiador, filósofo y abogado francés

LA ETERNIDAD Y UN DÍA (Mia eoniotita ke mia mera) – 1998

Director Theo Angelopoulos
Guión Theo Angelopoulos, Tonino Guerra y Petros Markaris
Fotografía Giorgios Arvantitis y Andreas Sinanos
Música Eleni Karaindrou
Producción Paradis Films/Intermedias/La Sept Cinema
Nacionalidad Grecia/ Italia/ Francia
Duración 130m. Color
Reparto Bruno Ganz, Isabelle Renauld, Achileas Skevis, Despina Bebedeli, Fabrizio Bentivoglio, Iris Chatziantoniou, Alexandra Ladikou.

«Mañana… ¿Qué es el mañana, Anna? Un día te pregunté: ¿Cuánto dura el mañana? Y me respondiste: La eternidad y un día»

Exploración melancólica e intimista del irrecuperable pasado y desorientado presente de un poeta heleno, que, en el ocaso de su existencia, rememora con angustia y extenuación su trayectoria vital, haciendo especial hincapié en el lamento por las oportunidades desaprovechadas y los deseos frustrados e insatisfechos. A través de sus habituales dispositivos estilísticos (narración laberíntica con un ritmo de abusiva premiosidad, serenos y dilatados planos secuencia, delicada composición del encuadre, una banda sonora superlativa e imprescindible comparecencia de la niebla, entre otros), Angelopoulos establecía un nítido y poético razonamiento sobre la correlación existente entre el paso del tiempo y la creación artística. La didáctica profundidad con la que se abordaba esta reflexión no impidió al eminente cineasta acercarse a temas como la escasez de afecto y comunicación que deteriora las relaciones humanas o, incluso, afrontar abiertamente los principales conflictos contemporáneos que azotaban a su país, como la emigración albanesa o el infame comercio de niños.

Otras películas, que, a pesar de su evidente calidad, inducen al SOPOR

Stalker – Andrei Tarkovsky (1979)
Armonías de Werckmeister – Béla Tarr y Ágnes Hranitzky (2000)
El árbol de la vida – Terrence Malick (2011)

MUSTANG (Vidas rebeldes)

Caballos salvajes de Norteamérica. En realidad se trata de caballos cimarrones (animales que se escapan o pierden y que se han readaptado a vivir en la naturaleza) puesto que el caballo se había extinguido en Norteamérica a finales del pleistoceno, y sólo fueron reintroducidos por los conquistadores españoles a partir del siglo XVI, de raza andaluza, árabe o hispano-árabe. Las inmensas llanuras estadounidenses y la ausencia de depredadores naturales contribuyeron a su rapidísima expansión. De hecho, una manada de mustangos puede doblar su tamaño cada cinco años. Han sido muy apreciados por aborígenes y pioneros por estar dotados de una gran resistencia y fortaleza, producto de un enorme desarrollo muscular. (Wikipedia)

«A los veinticinco robó un caballo mustang y con él dio vueltas y vueltas a la rueda del cielo. Jesús, padre mío, soy un forajido, asesino y bandido, y me detengo sólo para remendar mi dolor.» (canción Outlaw Pete)
Bruce Springsteen (1949-) Cantante, músico y compositor estadounidense

VIDAS REBELDES (The misfits) – 1961

Director John Huston
Guion Arthur Miller
Fotografía Russell Metty
Música Alex North
Producción United Artists
Nacionalidad Estados Unidos
Duración 124m. B/N
Reparto Clark Gable, Marilyn Monroe, Montgomery Clift, Eli Wallach, Thelma Ritter, Estelle Winwood, James Barton, Kevin McCarthy.

«Todos nos iremos en algún momento, con razón o sin ella. Morir es tan natural como vivir. El hombre que tiene miedo a morir tiene miedo a vivir.»

En muy pocas ocasiones el cine ha penetrado con tanta exactitud en el estado anímico personal de sus actores como lo hizo este elegíaco western crepuscular, donde la marchita, tambaleante y devastadora personalidad de sus personajes principales, tres desarraigados perdedores dedicados a cazar mustangs, ofrecía un claro paralelismo con las situaciones personales de sus protagonistas y presagiaba el trágico futuro que les aguardaba: Gable acusó la fatiga acumulada durante el rodaje y falleció poco después de finalizar el mismo, Marilyn quebró definitivamente su matrimonio con Arthur Miller (a la sazón, eminente guionista del filme) para acabar suicidándose al año siguiente, y Montgomery Clift evidenciaba ya en su rostro el irreversible proceso autodestructivo que acabaría con su vida. Pero, aparte de todas estas circunstancias extracinematográficas, esta amarga metáfora sobre el paso del tiempo, este maldito culto a la agonía de los heroismos, se beneficiaba del talento narrativo de Huston y de las hermosísimas imágenes del desierto de Nevada iluminadas por Russell Metty.

Otras películas donde aparecen caballos MUSTANG

Spirit, el corcel indomable – K.Asbury y L.Cook (2002)
Océanos de fuego – Joe Johnston (2004)
Flicka – Michael Mayer (2006)

EXABRUPTO (¿Quién teme a Virginia Woolf?)

Término que se utiliza para designar a todas aquellas expresiones o formas del lenguaje que se consideran exageradas, insolentes y maleducadas no sólo en cuanto al contenido (por ejemplo, a través del uso de malas palabras) si no también en el modo en que se comunica el contenido (por ejemplo, a través de gritos, exclamaciones, violencia verbal, etc.). Usualmente el exabrupto es considerado una agresión, aunque puede ser más común e incluso tolerado en ciertos ámbitos mientras que en otros será vistos como un desaire muy importante y serio. (definicionabc.com)

«Necesitamos exabruptos que expresen los ojos reventados de hambre, los dolores infinitos, los aullidos. Que exploten toda la impostura y de esos escombros el lenguaje nuevo. La belleza de los restos, poesía de los escombros. A la hoguera con los lenguajes viejos, olor a trampa, a impudicia, a corrupción por todos los rincones.»
Eduardo Pavlovsky (1933-) Psicoanalista, actor y dramaturgo argentino

¿QUIÉN TEME A VIRGINIA WOOLF? – Who’s afraid of Virginia Woolf? – 1966

Director Mike Nichols
Guión Ernest Lehman
Fotografía Haskell Wexler
Música Alex North
Producción Chenault Productions/Warner Bros.
Nacionalidad Estados Unidos
Duración 131m. B/N
Reparto Elizabeth Taylor, Richard Burton, George Segal, Sandy Dennis, Frank Flanagan.

«Así que aquí estoy, pegada a este desastre. A este pantano del Departamento de Historia, que se casó con la hija del decano… De quién se esperaba que fuera alguien, ¡no un don nadie! Una condenada y complaciente polilla que no es capaz de hacerse alguien. ¡Que le faltan agallas para ser el orgullo de alguien!»

Hasta entonces juzgada como cinematograficamente inaccesible por la escabrosidad de su temática y la áspera franqueza de sus diálogos, la homónima obra teatral de Edward Albee sirvió para oficializar el efervescente debut como realizador del paulatinamente disipado Mike Nichols. En lugar de encubrir el origen escénico del argumento, el director de origen berlinés acrecentó la aparatosidad dramática del mismo subordinando su labor al exuberante vedetismo de la pareja protagonista, que dejaba entrever la turbulenta situación marital por la que atravesaban en la vida real dando vida a unos amargados consortes burgueses (un alcoholizado profesor de Historia y la dominante hija del director de la Universidad de Nueva Inglaterra donde ejerce) que aprovechan la visita de otro joven matrimonio para evacuar sus frustrantes y rencorosas miserias a través de una oleada de insultos, desaires, amenazas, humillaciones y furibundos exabruptos etílicos. Un largometraje colérico, asfixiante y claustrofóbico, estupendamente fotografiado en blanco y negro, que formulaba un desabrido y penetrante análisis sobre las difíciles relaciones conyugales.

Otras películas con predisposición al EXABRUPTO

El desencanto – Jaime Chávarri (1976)
Éxito a cualquier precio – James Foley (1992)
Malditos bastardos – Quentin Tarantino (2009)

DIFERENCIA (La encajera)

1. Cualidad, característica o circunstancia que hace que dos personas o cosas no sean iguales entre sí.
2. Falta de acuerdo, oposición de ideas o disputa entre personas o grupos. (Larousse Editorial)

«La única diferencia que existe entre un capricho y una pasión eterna es que el capricho es más duradero»
Oscar Wilde (1854-1900) Escritor, poeta y dramaturgo irlandés

LA ENCAJERA (La dentellière) – 1977

Director Claude Goretta
Guion Claude Goretta, Pascal Lainé y Joachim Kunzendorf
Fotografía Jean Boffety
Música Pierre Jansen
Producción Citel/Action/FR3/Janus
Nacionalidad Francia/ Suiza/ Alemania
Duración 102m. Color
Reparto Isabelle Huppert, Yves Beneyton, Florence Giorgetti, Anne-Marie Düringer, Michel de Ré, Renata Schroeter, Monique Chaumette.

«Él había pasado por su lado sin verla. Porque ella era de esas almas que no hacen ninguna señal, pero que hay que cuestionar pacientemente y sobre las cuales hay que saber posar la mirada. Un pintor la habría tomado como modelo. Habría sido lavandera, aguadora… o encajera»

Aflictiva e intensa reflexión sobre la soledad y la desesperanza afectiva, basada en la exitosa novela homónima de Pascal Lainé, que difundió popularmente las sensibles y radiantes facultades interpretativas de Isabelle Huppert y, además, realzó de forma fugaz el particular talante intimista de un autor cuyas propuestas estilísticas se difuminaron en consonancia con la paulatina lasitud con la que progresó su obra posterior. La desigualdad social, cultural e intelectual que obstaculiza y quebranta la relación amorosa entre un pusilánime estudiante de letras parisino y una reservada y candorosa aprendiz de peluquería era glosada por el cineasta suizo a través de una distinguida puesta en escena, compuesta por fragmentos descriptivos de una metódica tenuidad y silencios tan emotivos como dramáticos. La sobresaliente contextura plástica de sus imágenes acababa de realzar la delicada plenitud de un largometraje apasionante, que versaba sobre la imposibilidad de alcanzar el amor absoluto a través de una crudeza premiosa y contemplativa rematadamente conmovedora.

Otras películas sobre relaciones lastradas por una DIFERENCIA de cultura o clase social

La piel suave – François Truffaut (1964)
Así habla el amor – John Cassavetes (1971)
Amor bajo el espino blanco – Zhang Yimou (2010)

RECONCILIACIÓN (Ricas y famosas)

Acción y consecuencia de reconciliar, es decir, dejar atrás una pelea o un enfrentamiento, retomando una amistad u otro vínculo que se encontraba interrumpido por una desavenencia. (definicion.de)

“Si te sientes propenso a la reconciliación, pregúntate, ante todo, qué es lo que te ha hecho tan manso: la mala memoria, la comodidad o la cobardía”
Arthur Schnitzler (1862-1931) Narrador y dramaturgo austríaco

RICAS Y FAMOSAS (Rich and famous) – 1981

Director George Cukor
Guion Gerald Ayres
Fotografía Don Peterman
Música Georges Delerue
Producción Metro Goldwyn Mayer
Nacionalidad Estados Unidos
Duración 117m. Color
Reparto Jacqueline Bisset, Candice Bergen, David Selby, Hart Bochner, Matt Lattanzi, Meg Ryan, Steven Hill, Daniel Faraldo, Nicole Eggert.

“¿Has conocido a alguien tan enamorado de ti que subiera las escaleras corriendo por no esperar el ascensor?»

Encomiable puesta al día de la obra teatral Old Acquaintance de John Van Druten, previamente adaptada en 1943 por Vincent Sherman (con Bette Davis y Miriam Hopkins como protagonistas), que Cukor se aventuró a dirigir tras ver como Robert Mulligan abandonaba el rodaje a causa de unas imprecisas discrepancias artísticas con la actriz y coproductora Jacqueline Bisset. El arrinconamiento sufrido por parte de la industria en su última etapa profesional motivó que el octogenario realizador utilizara su último film para desafiar a una industria hollywoodiense lastrada por las producciones efectistas, confiriendo al relato un clasicismo narrativo tan anacrónico como placentero, y, posibilitando, como ordenaba su consabido renombre como director de actrices, la composición más emotiva y temperamental jamás firmada por sus dos protagonistas. Historia de aprecio, rivalidad, avenencia, rencor, complicidad y reconciliación entre dos mujeres radicadas en el ambiente literario neoyorquino, deviene un canto a la subsistencia de la amistad a través de los años, encauzado en un tono entre agridulce y melancólico y dotado de unos ocurrentes diálogos.

Otras películas que exploran un proceso de RECONCILIACIÓN

Junior Bonner – Sam Peckinpah (1972)
Comer, beber, amar – Ang Lee (1994)
Una historia verdadera – David Lynch (1999)