Drama costumbrista

MIOPÍA (Cielo negro)

Defecto de refracción del ojo en el cual los rayos de luz paralelos procedentes del infinito convergen en un punto focal situado delante de la retina, en lugar de en la misma retina como sería normal; es el defecto inverso a la hipermetropía, en el que la que los rayos llegan a la retina antes de converger (…) Una persona con miopía tiene dificultades para enfocar bien los objetos lejanos, lo que provoca déficit de agudeza visual y puede conducir también a dolores de cabeza, estrabismo, incomodidad visual e irritación del ojo (…) La miopía se corrige con lentes divergentes, ya sean gafas o lentes de contacto. En algunos casos puede utilizarse la cirugía. (Wikipedia)

«A la gloria de los más famosos se adscribe siempre algo de la miopía de los admiradores»
Georg Christoph Lichtenberg (1742-1799) Científico y escritor alemán

CIELO NEGRO (Cielo negro) – 1951

Director Manuel Mur Oti
Guion Manuel Mur Oti
Fotografía Manuel Berenguer
Música Jesús García Leoz
Producción Intercontinental Films
Nacionalidad España
Duración 93m. B/N
Reparto Susana Canales, Fernando Rey, Luis Prendes, Teresa Casal, Manolo Morán, Inés Pérez Indarte, Julia Caba Alba, Mónica Pastrana.

«La alegrías matan menos que los disgustos, pero es que son más escasas»

Si bien el resto de su filmografía (para nada desdeñable) difiere bastante de lo que sería una obra digna de un «genio» como él mismo se calificó en su día, cierto es que Mur Oti perteneció a esa estirpe de cineastas lúcidos, renovadores e incorruptibles, cuya personalidad fílmica transgredía todo tipo de pautas establecidas, tal y como demuestra esta adaptación del relato corto Miopita de Antonio Zozoya, sin duda, su película más notoria y representativa. Localizada en el Madrid popular, narraba la desdicha de una joven romántica, apocada y vulnerable, víctima de un creciente trastorno ocular y una acentuada candidez que le impedían ver y advertir la alarmante insensibilidad de los seres que la rodeaban. El megalómano realizador apuntaló la elegante puesta en escena encaminando el matiz naturalista de su crónica social hacia un ejercicio estilístico de desmedido vigor dramático, que alcanzaba su punto culminante en el tempestuoso y prolongadísimo travelling que precede al metafórico epílogo de carácter religioso. Buenas interpretaciones y fotografía refinada y tersa del maestro Manuel Berenguer.

Otras películas sobre MIOPES

Ipcress – Sidney J. Furie (1965)
Un final made in Hollywood – Woody Allen (2002)
Harry Potter y el cáliz de fuego – Mike Newell (2005)

REVELACIÓN (Dublineses)

Acto de revelar, contar algo bueno u o malo (…) manifestar una verdad secreta u oculta. (Wikipedia)

«No puede haber una revelación más intensa del alma de una sociedad que la forma en que se trata a sus niños»
Nelson Mandela (1918-2013) Político y abogado sudafricano

DUBLINESES (The dead) – 1987

Director John Huston
Guion Tony Huston
Fotografía Fred Murphy
Música Alex North
Producción Channel 4/Delta Film/Liffey Films/Vestron Pictures /Zenith Entertainment
Nacionalidad Reino Unido/ Irlanda/ Estados Unidos
Reparto Anjelica Huston, Donal McCann, Dan O’Herlihy, Helena Carroll, Donal Donnelly, Cathleen Delany, Rachel Dowling, Frank Patterson.

«Uno a uno todos nos convertiremos en sombras. Es mejor pasar a ese otro mundo impúdicamente, en la plena euforia de una pasión, que irse apagando y marchitarse tristemente con la edad»

Arropado por dos de sus hijos, Tony en la elaboración del guion y una imponente Anjelica al frente del impecable reparto, John Huston se despidió de su oficio como realizador con esta sublime adaptación del último y más extenso relato de libro Dubliners de James Joyce (The dead), que, por el incomparable nivel de exquisitez que adquiere su condensada pulcritud y tersura, constituye una de las grandes obras maestras de la historia del cine. La reunión organizada durante las fiestas navideñas de 1904 por dos solteronas de Dublin revelaba con suaves apuntes de época o portentosas elipsis un modelo de sociedad en avanzado proceso de desaparición y abría paso a una melancólica reflexión sobre el paso del tiempo, desarrollada en un tono de armonía y placidez impropio del vigoroso carácter del realizador, pero común en alguien que intuía ya próxima su muerte (no en vano fallecería ese mismo año a causa de un enfisema pulmonar). Digno de mención resulta el calado poético y dramático del desenlace, desde la pulsional escucha del tradicional tema irlandés The lass of Aughrim hasta la mortuoria revelación amorosa que ésta desencadena.

Otras películas sobre REVELACIONES

Los diez mandamientos – Cecil B. De Mille (1956)
Persona – Ingmar Bergman (1966)
Celebración – Thomas Vinterberg (1998)

SAKE (El sabor del sake)

Palabra japonesa que significa «bebida alcohólica», sin embargo en los países occidentales se refiere a un tipo de bebida alcohólica japonesa preparada de una infusión hecha a partir del arroz, y conocida en Japón como nihonshu. (Wikipedia)

«En Japón cuando florece el cerezo la gente va al campo alegre, a ver la flor del cerezo, se sienta bajo los árboles y hacen fiesta. Son felices, bebiendo sake y mirando las flores»
Masanobu Fukuoka (1913-2008) Agricultor, biólogo y filósofo japonés

EL SABOR DEL SAKE (Sanma no aji) – 1962

Director Yasujiro Ozu
Guion Yasujiro Ozu y Kogo Noda
Fotografía Yuharu Atsuta
Música Takanobu Saito
Producción Shochiku
Nacionalidad Japón
Duración 113m. Color
Reparto Chishu Ryu, Shima Iwashita, Keiji Sada, Mariko Okada, Kuniko Miyake, Noriko Maki, Sinichiro Mikani, Teruo Yoshida, Nobuo Nakamura

«Hay que aprovechar las buenas rachas. No malgastemos energías pensando en la eternidad, alcemos nuestra copa de sake»

Recapitulador epílogo a la característica homogeneidad espiritual, temática y estilística divulgada por Ozu a lo largo de su obra, y, particularmente inclusa en dos de sus títulos mayores, PRIMAVERA TARDÍA (1949), de la que puede considerarse un remake cromático, y su elegíaca variación OTOÑO TARDÍO (1960). Trasluciendo el dolor aún permanente por la cercana pérdida de su madre, con la que convivió toda su vida, y el desasosiego que irrumpe cuando se intuye la muerte próxima, que no tardó más de un año en llevárselo, el maestro de la contemplación cotidiana aprehendía mejor que nunca el apego del agotado viudo protagonista por el sake como bálsamo para conllevar la angustiosa premura en desposar a su hija de veinticuatro años y redimirla de su coartadora obligación de cuidarlo. La impavidez costumbrista y antropológica que su autor solía tejer para reflexionar sobre el inevitable paso del tiempo alcanzó aquí una excelsitud ceremoniosa, matizada con encajes de humor amable y rubricada con un epílogo de indefinible emoción. Como siempre, impresionante Chishu Ryu.

Otras películas sobre SAKE

Las hermanas de Gion – Kenji Mizoguchi (1936)
Crisantemos tardíos – Mikio Naruse (1954)
Los bajos fondos – Akira Kurosawa (1957)

LAVANDERÍA (Mi hermosa lavandería)

Negocio donde se limpia la ropa, comúnmente se emplea agua y detergentes, los tipos de lavanderías más comunes se clasifican en: pequeñas lavanderías, lavanderías industriales y lavanderías autoservicio. (Wikipedia)

Oigo el agua, las noches que consumo bebiendo y la tristeza se hace tan grande que la oigo en mi reloj, se vuelve pomos en la cómoda, se vuelve papel sobre el suelo, se vuelve calzador, ticket de la lavandería, se vuelve humo de cigarrillo escalando un templo de oscuras enredaderas (poema Culminación del dolor) Charles Bukowski (1920-1994) Escritor y poeta estadounidense nacido en Alemania

MI HERMOSA LAVANDERÍA (My beautiful laundrette) – 1985

Director Stephen Frears
Guion Hanif Kureishi
Fotografía Oliver Stapleton
Música Ludus Tonalis y Stanley Myers
Producción Channel Four/Working Title/SAF Productions
Nacionalidad Reino Unido
Duración 97m. Color
Reparto Daniel Day- Lewis, Saeed Jaffrey, Shirley Anne Field, Gordon Warnecke, Roshan Seth, Rita Wolf, Derrick Branche, Souad Faress.

«En este maldito país que amamos y odiamos puedes conseguir todo lo que quieras. Todo está a nuestra disposición, por eso creo en Inglaterra. Tienes que saber cómo sacarle provecho al sistema»

Perspicaz retrato costumbrista que figura como el más distinguido y emblemático exponente de esa serie de tragicomedias suburbiales, multirraciales y realistas que proliferaron en la cinematografía anglosajona durante la segunda mitad de los años ochenta y que el gobierno conservador de Miss Tatcher aboliría progresivamente por sentirse contrariado con su proclama. Stephen Frears, sin duda el realizador que mejor supo explotar dicha tendencia (dos años más tarde cuajó otro lúcido exponente con la ácida biografía del dramaturgo homosexual Joe Orton en ÁBRETE DE OREJAS) buceó en los ambientes marginales londinenses para ofrecer una primorosa historia de amor frente a la intransigencia y la marginación social, considerada hoy en día como una de las cimas del cine ‘gay’ contemporáneo. Sin entrar a fondo en el tema del desarraigo cultural, el film gravitaba el peso de la narración en la algo más que afectuosa relación entre un pakistaní homosexual y un punki neofascista interpretado por Daniel Day-Lewis, quien consiguió el papel con una carta al realizador en la que lo amenazaba físicamente.

Otras películas parcialmente ambientadas en una LAVANDERÍA

Cosas que nunca te dije – Isabel Coixet (1996)
Quills – Philip Kaufman (2000)
Las hermanas de la Magdalena – Peter Mullan (2002)

HUMILLACIÓN (Los santos inocentes)

Acto por medio del cual una persona es avergonzada generalmente en público. Se considera humillación cualquier tipo de acto que denigre públicamente de las creencias de un ser humano, al igual que su cultura, sexo, raza, religión, pensamiento, nivel económico, conocimiento, etc. (Wikipedia)

«Siempre ha sido un misterio para mí cómo puede haber hombres que se sientan honrados con la humillación de sus semejantes.»
Mahatma Ghandi (1869-1948) Abogado, político y pensador indio

LOS SANTOS INOCENTES (Los santos inocentes) – 1984

Director Mario Camus
Guion Mario Camus, Antonio Larreta y Manuel Matji
Fotografía Hans Burman
Música Antón García Abril
Producción Ganesh P.C./TVE
Nacionalidad España
Duración 107m. Color
Reparto Alfredo Landa, Francisco Rabal, Terele Pávez, Agustín González, Manuel Zarzo, Juan Diego, Agata Lys, Mary Carrillo, Maribel Martín.

«Todos tenemos que aceptar una jerarquía, unos debajo y otros arriba. Es ley de vida, ¿no?»

Celebrada transposición fílmica de la novela homónima de Miguel Delibes acerca de la humillante explotación de la que eran objeto una familia de campesinos de Extremadura, víctimas de las estructuras arcaicas heredadas del feudalismo que subsistían en la sociedad rural española de los sesenta. A pesar del paroxismo de su predisposición esperpéntica y un posicionamiento moral demasiado evidente y reduccionista, Mario Camus evidenció sus dotes como narrador a través de la inspiración áspera y doliente de una puesta en escena encomendada a hurgar en la afrentosa inclemencia del caciquismo, alcanzando uno de los mayores éxitos de crítica y público de la historia del cine español. Segmentada en capítulos atemporales, rotulados con los nombres de los vejados hortelanos, radicaba gran parte de su carga emocional en sus actuaciones, tanto en la aportación de los secundarios como en la inmensa labor de sus protagonistas: Landa, Pávez y Rabal, dando vida respectivamente al cabeza de familia, su servil esposa y su cuñado Azarías, con evidente retraso mental.

Otras películas donde se refleja un caso de HUMILLACIÓN

Cautivo del deseo – John Cromwell (1934)
La chaqueta metálica – Stanley Kubrick (1987)
Dogville – Lars Von Trier (2003)