Autor: antoniomartingarcia

PROGRESO (Lo viejo y lo nuevo)

Mejora, adelanto, en especial referido al adelanto cultural y técnico de una sociedad. (Espasa-Calpe)

«El hombre razonable se adapta al mundo; el irrazonable intenta adaptar el mundo a sí mismo. Así pues, el progreso depende del hombre irrazonable.»
George Bernard Shaw (1856-1950) Escritor irlandés

LO VIEJO Y LO NUEVO (Staroe i novoe) – 1929

Director Sergei M. Eisenstein y Grigori Aleksandrov
Guion Sergei M. Eisenstein y Grigori Aleksandrov
Fotografía Eduard Tisse
Música Taras Buyevsky
Producción Sovkino
Nacionalidad Unión Soviética
Duración 121m. B/N
Reparto Marfa Lapkina, Vasili Buzenkov, Mikhail Gomorov, Valeri Chukhmaryev, Ivan Yudin, Anatoli Neginkov, Nikolai Palej, Maksim Straukh.

«Y el toro de raza, ¿qué? ¿No preferís mejorar la especie?»

Impulsado por las nuevas consignas leninistas en torno a la reforma agraria, Eisenstein inició en 1926 este naturalista y formativo apólogo sobre la conveniencia de abonarse a los adelantos técnicos, llamado también LA LÍNEA GENERAL, pero una larga interrupción del rodaje en la que el cineasta (siempre escoltado en sus labores por Grigori Aleksandrov) tuvo que hacer frente al encargo oficial de OCTUBRE, y, al mismo tiempo, reescribir el guion debido a los continuos cambios en el ajuste de la colectivización agrícola hicieron, que el film no viera la luz hasta finales de 1929. La descripción del paso de una economía rural anclada en el minifundismo al progreso de una sociedad cooperativista e industrializada no resultó del agrado de Stalin a pesar de su apabullante belleza plástica, empapada de lirismo y simbología, de la que brotaban secuencias tan asombrosas como la fertilización del bovino semental, el erótico proceso de funcionamiento de la desnatadora o su exaltado epílogo tractorizado. En esta ocasión, la actriz Marfa Lapkina le arrebató el protagonismo a la masa y se erigió en la gran heroína del film.

Otras películas sobre el PROGRESO

Tiempos modernos – Charles Chaplin (1936)
El cuarto mandamiento – Orson Welles (1942)
Powaqqatsi – Godfrey Reggio (1988)

DELIRIO (Él)

Estado de alteración mental en el que se producen excitación, desorden de las ideas y alucinaciones. (Larousse Editorial)

«Cuando una persona sufre delirio, lo llamamos locura. Cuando mucha gente sufre el mismo delirio, lo llamamos religión»
Robert Maynard Pirsig (1928-) Escritor estadounidense

ÉL (Él) – 1953

Director Luis Buñuel
Guion Luis Buñuel y Luis Alcoriza
Fotografía Gabriel Figueroa
Música Luis Hernández Bretón
Producción Nacional Films
Nacionalidad México
Duración 91m. B/N
Reparto Arturo de Córdova, Delia Garcés, Luis Beristáin, Aurora Walker, Manuel Donde, Carlos Martínez Baena, Fernando Casanova.

«Nada parece guiado por la razón, sino por el sentimiento, la emoción, el instinto…»

Bajo la apariencia de un melodrama desaforado, Buñuel perfiló un cuadro clínico de patología psicótica partir del progresivo viaje al infierno de la pasión autodestructiva y los celos infundados que, desde su enlace matrimonial con una joven discreta y delicada, emprende un honorable caballero latifundista, beato y sexualmente impoluto a pesar de haber rebasado ya los cuarenta. Basada libremente en la novela homónima de Mercedes Pinto, constituye otra sátira feroz y subversiva acerca de las falsas apariencias y los frustrados anhelos que definen a la ociosa y reprimida burguesía mexicana, donde religión y fetichismo volvían a entroncarse al son de una narración cabal e impetuosa que retozaba con el flashback o la elipsis con insolente maestría, confiriendo instantes tan turbadores como la retorcida escena de la aguja, el hilo y las tijeras. La escenografía «art-nouveau» de Edward Fitzgerald y los contrastes lumínicos de Gabriel Figueroa contribuyeron a forjar la atmósfera malsana y onírica que dominaba esta irrecusable obra maestra, en su época vilmente postergada.

Otras películas sobre DELIRIOS

Repulsión – Roman Polanski (1965)
Ed Wood – Tim Burton (1994)
Una mente maravillosa – Ron Howard (2002)

RADIACTIVIDAD (Lluvia negra)

Propiedad que poseen ciertos núcleos atómicos de modificarse espontáneamente emitiendo radiación. Cuando la radiactividad se produce en los cuerpos sin intervención de agentes externos recibe el nombre de «natural». Si ha sido provocada se llama «artificial». (Larousse Editorial)

«Como los impuestos, la radiactividad lleva mucho tiempo con nosotros y en cantidades cada vez mayores; no debe ser odiada ni temida, sino aceptada y controlada… Considere la radiación como algo que debe ser tratado con respeto, evitado cuando sea posible, y aceptado cuando sea inevitable»
Ralph Eugene Lapp (1917-2004) Físico nuclear estadounidense

LLUVIA NEGRA (Kuroi ame) – 1989

Director Shohei Imamura
Guion Shohei Imamura y Toshiro Ishido
Fotografía Takashi Kawamata
Música Tôru Takemitsu
Producción Imamura Productions/Hayashibara Group/Tokokashinsha Film. Co.
Nacionalidad Japón
Duración 123m. B/N
Reparto Yoshiko Tanaka, Kazuo Kitamura, Etsuko Ichihara, Hisako Hara, Shoichi Ozawa, Norihei Miki, Keisuke Ishida, Takashi Miike.

«Hace tiempo que me hago una pregunta, ¿Por qué Estados Unidos arrojó las bombas atómicas? Japón hubiera perdido la guerra igualmente…»

Incorruptible cronista de la historia contemporánea de su país, Shohei Imamura recuperó a partir de la novela homónima de Masuji Ibuse uno de sus episodios más desgarradores, atroces y tremebundos, como fue la exterminadora descarga nuclear que Hiroshima recibió en agosto de 1945 y, sobre todo, los trágicos e irrebatibles efectos radiactivos que ésta traía consigo. Sin ánimo de incurrir en una denuncia directa sobre tal fatídico incidente, se limitó a ofrecer una mirada impávida, calculadora y harto respetuosa sobre la dramática desesperación de sus supervivientes, utilizando como fondo argumental el paulatino desmoronamiento físico y moral de una familia afectada, especialmente el de la hija en edad de merecer. Recurriendo a una ejemplar contextura acronológica y a la aspereza de una imponente fotografía en blanco y negro, el más relevante cineasta japonés desde Kurosawa aplicó su instrucción como documentalista para propagar en toda su magnitud la consternación del Holocausto atómico y fraguar uno de los testimonios apocalípticos más conmovedores que nos ha proporcionado el cine.

Otras películas sobre RADIACTIVDAD

El increíble hombre menguante – Jack Arnold (1957)
La amenaza de Andrómeda – Robert Wise (1971)
Al filo de la oscuridad – Martin Campbell (2010)

MARGINALIDAD (El chacal de Nahueltoro)

Falta de integración de una persona o de una colectividad en las normas sociales comúnmente admitidas. (monografias.com)

«Cuando la televisión informa sobre cualquier hecho marginal, en ese momento deja de serlo»
Carl Bernstein (1944-) Periodista estadounidense

EL CHACAL DE NAHUELTORO (El chacal de Nahueltoro) – 1969

Director Miguel Littín
Guion Miguel Littín
Fotografía Héctor Ríos
Música Sergio Ortega
Producción Cine Experimental de la Universidad Chile/Cinematográfica Tercer Mundo
Nacionalidad Chile
Duración 88m. B/N
Reparto Nelson Villagrá, Carmen Valenzuela, Shenda Román, Héctor Noguera, Luis Melo, Marcelo Romo, Luis Alarcón, Pedro Villagrá.

«Yo no tuve nunca enseñanza de «naiden». No tuve nunca… educación, ninguna cosa»

Ópera prima de Miguel Littín y uno de los matrices generadores de la fugaz eclosión del denominado Nuevo Cine Chileno, alumbrado en 1969 con evidentes designios sociales y políticos gracias al apogeo del Festival de Viña del Mar y echado al traste poco después por el general Pinochet y su tremebundo golpe de estado. A través de una narración fragmentada en cinco segmentos (La infancia de José, Andar de José, Persecución y apresamiento, Educación y amansamiento y La muerte de José) documentaba con actas judiciales, partes informativos e imágenes rodadas cámara al hombro en los escenarios reales una crónica criminal de 1960 tan cruda y escabrosa como fue el asesinato múltiple en Chillán de una lugareña y sus cinco hijas a manos de un campesino analfabeto y mendicante con el que convivían de forma eventual. Contrapunteada con la voz en léxico rural de su inmenso protagonista, la película apelaba con animosa credibilidad al compromiso social ante semejante escenario de desarraigo y marginalidad mientras discernía sobre los nebulosos mecanismos del procedimiento judicial.

Otras películas sobre MARGINALIDAD

Los olvidados – Luis Buñuel (1950)
El odio – Mathieu Kassovitz (1995)
Rosetta – Jean-Pierre y Luc Dardenne (1999)

MATRIMONIO (Te querré siempre)

Institución social, que puede adoptar forma religiosa, y que crea un vínculo conyugal entre personas naturales. Este lazo es reconocido socialmente, ya sea por medio de disposiciones jurídicas o por la vía de los usos y costumbres. El matrimonio establece entre los cónyuges —y en muchos casos también entre las familias de origen de estos— una serie de obligaciones y derechos que también son fijados por ley, que varían, dependiendo de cada sociedad. (Wikipedia)

“El matrimonio es una barca que lleva a dos personas por un mar tormentoso; si uno de los dos hace algún movimiento brusco, la barca se hunde”
León Tolstói (1828-1910) Novelista ruso

TE QUERRÉ SIEMPRE (Viaggio in Italia) – 1954

Director Roberto Rossellini
Guion Roberto Rossellini y Vitaliano Brancati
Fotografía Enzo Serafin
Música Renzo Rossellini
Producción Titanus/Italia/Junior/Sveva/SEC/SCG/Ariane
Nacionalidad Italia/ Francia
Duración 79m. B/N
Reparto Ingrid Bergman, George Sanders, Maria Mauban, Anna Proclemer, Natalia Rai, Leslie Daniels, Paul Müller, Françoise Arnoul.

«En ocho años de matrimonio no nos conocemos. En casa todo parecía perfecto, y ahora que estamos lejos de Inglaterra…»

Asistiendo como atónito testigo a las vicisitudes afectivas de un hastiado matrimonio inglés que viaja a Nápoles para resolver los trámites de una herencia, Rossellini rubricó una penetrante disección de los sentimientos afectivos que concomitaba de forma estremecedora con su propia crisis conyugal con Ingrid Bergman. El genial cineasta manejó con efectividad los tiempos muertos, captó con refulgente luminosidad la naturaleza meridional e hizo especial hincapié en un entorno social y cultural pletórico de manifestaciones antropológicas, como el rescate de los amantes petrificados en las ruinas de Pompeya, hasta formalizar un melodrama de profundo calado humano y moral que sorteaba toda concesión folletinesca para ahondar sin reticencias en los elementos alteradores del estado de ánimo de sus protagonistas. Severamente incomprendida en su momento, figura hoy como una de las obras que más han repercutido en el cine moderno, influyendo decisivamente a la Nouvelle Vague y anticipando el realismo anímico que Antonioni divulgaría con su célebre trilogía sobre la incomunicación.

Otras películas que diseccionan la institución del MATRIMONIO

Secretos de un matrimonio – Ingmar Bergman (1973)
Maridos y mujeres – Woody Allen (1992)
Eyes wide shut – Stanley Kubrick (1999)