Drama fantástico

QUIRÓFANO (A vida o muerte)

Sala o habitación que se halla en sanatorios, hospitales o centros de atención médica y que está especialmente acondicionada para la práctica de operaciones quirúrgicas a aquellos pacientes que así lo demanden. Asimismo, en el quirófano, se pueden desplegar otras actividades relacionadas, tales como: el suministro de anestesia, una acción de reanimación, entre otras. (Wikipedia)

«Me hago la autopsia a mí mismo. Sin piedad. Me tumbo en la mesa del quirófano y examino todos mis sentimientos y mis recuerdos con la esperanza de que la culpa sea también mía, de que me haya equivocado, de que no haya amado a Anna, de que no la haya amado lo suficiente, de que no haya sido lo bastante hábil o astuto…, porque quizá necesitemos también astucia para el amor» (novela Divorcio en Buda)
Sándor Márai (1900-1989) Novelista, periodista y dramaturgo húngaro

A VIDA O MUERTE (A matter of life and death) – 1946

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Director Michael Powell y Emeric Pressburger
Guion Michael Powell y Emeric Pressburger
Fotografía Jack Cardiff
Música Allan Gray
Producción The Archers/Independent Producers/J.Arthur Rank Films
Nacionalidad Reino Unido
Duración 104m. B/N y Color
Reparto David Niven, Kim Hunter, Roger Livesey, Raymond Massey, Kathleen Byron, Marius Goring, Robert Coote, Richard Attenborough.

«En el universo nada es más fuerte que la ley, pero en la Tierra nada es más fuerte que el amor»

Un piloto británico de las fuerzas aéreas se debate entre la vida y la muerte en un quirófano, mientras su espíritu está siendo simultáneamente sometido a la consideración de un tribunal celestial con la esperanza de poder reanudar su amor con una radiotelegrafista norteamericana. Estimulados por la apremiante obligación del Ministerio de Información británico en frenar el progresivo deterioro de las relaciones anglo-estadounidenses, Powell y Pressburger crearon esta asombrosa, solemne e inaudita fantasía romántica en torno a la exaltación del amor más allá de las fronteras, que ha logrado superar la injusta indiferencia con la que fue recibida en su época para convertirse en una imperiosa obra de culto. Afectada por una narración dispersa y poco cohesionada, así como por una entonación algo pretenciosa, gozaría sin embargo de un tratamiento visual y escenográfico absolutamente prodigioso, en el que la espléndida fotografía de Jack Cardiff compaginaba el efervescente Technicolor de las escenas reales con un adecuado monocromo para subrayar los lances imaginarios.

Otras películas con momentos de QUIRÓFANO

Ojos sin rostro – Georges Franju (1960)
Plan diabólico – John Frankenheimer (1966)
M.A.S.H. – Robert Altman (1970)

SONAMBULISMO (El gabinete del doctor Caligari)

Las personas que presentan sonambulismo (un trastorno del sueño clasificado como parasomnia), también llamado noctambulismo, desarrollan actividades motoras automáticas que pueden ser sencillas o complejas. Un individuo sonámbulo puede salir de la cama, caminar, orinar o incluso salir de su casa, mientras permanecen inconscientes y sin probabilidad de comunicación. Es difícil despertarlos, aunque, en contra de lo que se cree comúnmente, no resulta peligroso. Los sonámbulos tienen los ojos abiertos, pero no ven como cuando están despiertos y suelen creer que están en otras habitaciones de la casa o en sitios completamente diferentes. Los sonámbulos tienden a volver a la cama por iniciativa propia y a la mañana siguiente no recuerdan haberse levantado por la noche. (Wikipedia)

“Las acciones más trascendentales de nuestra vida las ejecutamos en plena inconsciencia, casi como sonámbulos”
Pío Baroja (1872-1956) Escritor español

EL GABINETE DEL DOCTOR CALIGARI (Das kabinett des Dr. Caligari) – 1920

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Director Robert Wiene
Guion Carl Mayer y Hans Janowitz
Fotografía Willy Rameister
Producción Decla Bioscop
Nacionalidad Alemania
Duración 63m. B/N
Reparto Werner Krauss, Conrad Veidt, Lil Dagover, Friedrich Feher, Rudolf Klein-Rogge,Hans Heinrich von Twardowski, Rudolf Lettinger.

«Damas y caballeros, Cesare, el sonámbulo, responderá todas sus preguntas. Cesare conoce todos los secretos. Cesare conoce el pasado y ve el futuro. Juzguen ustedes mismos. ¡No te detengas, pregunta!»

Título cumbre en la historia del cine fantástico primitivo y honorable antecesor de una forma de crear cine de terror grotesca, exaltada, pero de una calidad artística indudable, que pormenorizaba las tropelías criminales cometidas por una sonámbula criatura de feria e inducidas por el malsano poder hipnótico de un siniestro prestidigitador. Película de un formidable impacto visual y un absoluto vanguardismo expresivo, supuso en su momento una trascendental revolución dentro del lenguaje cinematográfico por fundamentar su estética sobre artimañas teatrales maravillosamente estilizadas para la consecución de una atmósfera delirante y pesadillesca, agravada si cabe por sus retorcidas e irascibles interpretaciones, que revelaba la tenebrosidad de una Alemania fracturada y presagiaba con inquietante precisión el próximo régimen hitleriano. A su audaz tratamiento pictórico contribuyó de manera fundamental la escenografía recortada, laberíntica y radicalmente asimétrica del diseñador Walter Reimann y los decoradores Walter Roehrig y Hermann Warm, todos ellos integrantes del movimiento expresionista berlinés ‘Der Sturm’.

Otras películas sobre SONAMBULISMO

Seria de día, coqueta de noche – Richard Sale (1951)
Papá está en viaje de negocios – Emir Kusturica (1985)
Sonámbulo (no cierres los ojos) – Johannes Runeborg (2000

IMPROVISACIÓN (Céline y Julie van en barco)

La improvisación consiste en concebir y ejecutar cualquier acción de forma simultánea. Así, mantener una conversación sin unas directrices previas, como un guion, es improvisar, aunque pueda estar carente de una intención artística. De forma semántica, improvisar significa realizar algo sin haberlo preparado con anterioridad (…) Son los valores estéticos o comunicativos de cada individuo lo que determinará la calidad artística del resultado. (Wikipedia)

“Quiero volver a los orígenes del cine: a la improvisación; eliminar esa Gestapo que es el guión, para que de cada plano crezca un pedazo de universo”
Luis García Berlanga (1921-2010) Guionista y director de cine español

CÉLINE Y JULIE VAN EN BARCO (Céline et Julie vont en bateau) – 1974

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Director Jacques Rivette
Guion Jacques Rivete, Juliet Berto, Eduardo de Gregorio, Dominique Labourier, Bulle Ogier y Marie-France Pisier
Fotografía Jacques Renard
Música Jean-Marie Sénia
Producción Action/Christian Fechner/Les Films 7/Saga/Films du Losange/Renn/ Simar/V.M. Nacionalidad Francia
Duración 193m. Color
Reparto Juliet Berto, Dominique Labourier, Bulle Ogier, Marie-France Pisier, Nathalie Asnar, Barbet Schroeder, Marie-Thérèse Saussure.

«Siempre me dejo vencer por incontenibles oleadas de sentimiento»

Uno de los más apasionantes estallidos de libertad surgidos de la incorruptible mirada fílmica de Jacques Rivette, producido por el también actor y posteriormente realizador Barbet Schroeder, donde los particulares universos de Jean Racine, Lewis Carroll o Jean Cocteau confluían para apelmazar un pletórico e inaudito amasijo de fabulación, magia y onirismo. El profundo entramado de complicidad, enmascaramiento y dependencia que conlleva la compleja relación entre una cómica y una bibliotecaria, unida a la hermética ficción familiar en la que ambas se introducen da lugar a un alucinógeno entretenimiento de configuración espiral e inconclusa, accesible a la más absoluta improvisación argumental e interpretativa. Desarrollada con el cadencioso fluir narrativo que caracteriza a su autor, deviene sin embargo una de sus creaciones más accesibles al espectador tradicional, cuya mirada de melancólico costumbrismo recaló en el público sin infundir el rechazo sistemático que sus películas están acostumbradas a suscitar.

Otras películas marcadas por la IMPROVISACIÓN

Al final de la escapada – Jean-Luc Godard (1960)
Maridos – John Cassavetes (1970)
A nuestros amores – Maurice Pialat (1983)

KINESTASIS (La jetée)

Obra audiovisual (o una secuencia en una obra mayor) compuesta por una serie de imágenes fijas que se presentan en una secuencia de montaje. (Wikipedia)

«Las secuencias de kinestasis, en las que la narración avanza a base de fotografías o fotogramas congelados, tienen un antecedente histórico de largo recorrido, las narraciones pictóricas por episodios de hechos del Antiguo o el Nuevo Testamento o los relatos de las vidas de santos en frescos de iglesias o catedrales» (libro El montaje cinematográfico. Del guión a la pantalla)
Joan Marimón (1960-) Director y guionista de cine

LA JETÉE (La jetée) – 1962

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Director Chris Marker
Guion Chris Marker
Fotografía Chris Marker y Jean Chiabaut
Música Trevor Duncan
Producción Argos Films
Nacionalidad Francia
Duración 28m. B/N
Reparto Jean Négroni, Hélène Chatelain, Davos Hanich, Jacques Ledoux, Pierre Joffroy, André Heinrich, Jacques Branchu, Étienne Becker.

«Le explicó sosegadamente que la raza humana estaba condenada, que el Espacio estaba prohibido, que la única esperanza para sobrevivir estaba en el Tiempo»

Escueto ejercicio cinematográfico de carácter experimental y adherido al género de la ciencia-ficción, localizado en un futuro París postapocalíptico, cuya rigurosa poesía descriptiva versaba en la tentativa de viaje en el tiempo al que es sometido un reo obsesionado por unas imágenes fragmentadas de su infancia en las que asocia el rostro de una misteriosa mujer al desplome de un cuerpo en la inmensa terraza del aeropuerto de Orly. Esta súbita reflexión sobre el deseo permanente e inaccesible del ser humano por recuperar momentos del pasado, que inspiró la cáustica e imaginativa pesadilla futurista de Terry Gilliam DOCE MONOS (1995), gestionaba su magnetismo técnico y estilístico a través de una sucesión de fotogramas fijos y un breve plano en movimiento, concediendo mayor protagonismo a la narración en off y a la cadena de extraños sonidos que la guarnecía. La asombrosa vibración sensitiva que desprende la frialdad premeditada del original montaje justifica por sí sola la condición de obra de culto que ostenta este palpitante apólogo metafísico sobre la memoria.

Otros ejemplos de KINESTASIS

La pasajera – Andrzej Munk (1963)
Now! – Santiago Álvarez (1969)
Tren de sombras – José Luis Guerín (1997)

ATAÚD (Vampyr, la bruja vampiro)

Caja, ordinariamente de madera, donde se deposita un cadáver para llevarlo a enterrar.1​ Se utiliza en ritos funerarios de muchas culturas desde la antigüedad. (Wikipedia)

«A menudo el sepulcro encierra, sin saberlo, dos corazones en un mismo ataúd»
Alphonse de Lamartine (1790-1869) Escritor, poeta y político francés

VAMPYR, LA BRUJA VAMPIRO (Vampyr, der Traum des Allan Grey) – 1932

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Director Carl Th. Dreyer
Guion Carl Th. Dreyer y Christen Jul
Fotografía Rudolph Maté y Louis Née
Música Wolfgang Zeller
Producción Tobis
Nacionalidad Alemania/ Francia
Duración 75m. B/N
Reparto Julian West, Maurice Schutz, Rena Mandel, Sybille Schmitz, Jan Hieronimko, Henriette Gérard, Albert Bras, Jane Mora, N.Babanini

«Era una misteriosa noche lunática. Luces y sombras, voces y rostros, se mezclaban tomando un significado oculto. Allan Gray sintió que la penumbra tomaba el control. En vano intentó protegerse del indecible terror, y el miedo a lo intangible perseguía su sueño inquieto»

La primera película sonora (parcialmente) de Dreyer fue este portentoso e impactante experimento críptico en torno al relato Carmilla de Sheridan LeFanu y su historia de amor, esperanza y lucha, dominada íntegramente por las fuerzas satánicas y sobrenaturales. El virtuoso misticismo del creador danés sirvió para extraer lirismo de la más sofocante y fantasmagórica malignidad, asentándose en una narración pletórica de percepciones intrínsecas e inspiradores silencios y en un tratamiento visual concebido a base de evidentes influencias expresionistas. Escenas como el sepelio visto por el difunto a través de la mirilla del ataúd ponían de manifiesto la extremada y privativa genialidad de una obra cuyo estrepitoso fracaso económico motivó el regreso del cineasta a su país natal, lugar donde permaneció inactivo durante once años hasta que decidió cambiar definitivamente de estilo y planificación en la igualmente sublime DIES IRAE. En un reparto formado totalmente por actores no profesionales, destacaba la presencia de Rena Mandel, modelo fotográfica distinguida por sus insinuantes desnudos.

Otras películas donde puede verse al protagonista dentro de un ataúd

Drácula – Tod Browning (1931)
La obsesión – Roger Corman (1962)
Buried (Enterrado) – Rodrigo Cortés (2010)