Cine dentro del cine

ONIRISMO (Mulholland drive)

Actividad mental que se manifiesta en un síndrome de confusión que está especialmente caracterizado por alucinaciones visuales, que pueden indicar una disolución parcial o completa con la consciencia o la realidad. (Wikipedia)

«Cocteau hace bien algo que Lars Von Trier hace muy mal. Ese tipo de onirismo, poesía visual, que considero de un realismo completamente brutal»
Pedro Costa (1959-) Director de cine portugués

MULHOLLAND DRIVE (Mulholland drive) – 2001

Director David Lynch
Guion David Lynch
Fotografía Peter Deming
Música Angelo Badalamenti
Producción Les Films Alain Sarde/Asymetrical Production
Nacionalidad Estados Unidos/ Francia
Duración 147m. Color
Reparto Naomi Watts, Laura Elena Harring, Justin Theroux, Ann Miller, Robert Forster, Brent Briscoe, Jeannie Bates, Melissa George, Dan Hedaya.

«No creo que la gente acepte el hecho de que la vida no tiene sentido. Si lo hicieran, haría la vida terriblemente incómoda»

La febril, amenazadora e intricada percepción lynchiana sobre la sociedad estadounidense, jactanciosamente deformada a raíz del fenómeno televisivo TWIN PEAKS (1990-91), alcanzó las más altas cotas de provocación e irritante hermetismo en una especie de trilogía onírica ubicada en Los Ángeles e interrumpida en 1999 para alumbrar un respiro de franqueza y sensibilidad naturalista, UNA HISTORIA VERDADERA. Si tanto CARRETERA PERDIDA (1998) como INLAND EMPIRE (2006) naufragaban en el mar de la impostura por su afectado refinamiento visual y una abrupta ilógica narrativa tan egocéntrica como exasperante, este perturbador thriller psicológico ambientado en el desalmado Hollywood de los años cincuenta y procreado como el episodio piloto de una frustrada serie de televisión, proporcionaba un fugaz regreso a la evanescencia hipnótica de TERCIOPELO AZUL (1986) a través del pesadillesco e irracional vaivén de sensaciones y atmósferas que circundaba la arrebatadora historia de ilusión, amor y desencanto entre una aspirante a actriz y la amnésica superviviente de un accidente de coche.

Otras películas sumidas en un ambiente de ONIRISMO

Un perro andaluz – L.Buñuel y S.Dalí (1929)
Amarcord – Federico Fellini (1973)
El espejo – Andrei Tarkovsky (1975)

FILMACIÓN (Vida en sombras)

Acción de filmar y su consecuencia. En tanto por filmar se refiere a la actividad de tomar escenas, ya sea de paisajes, de personas o de cualquier otra cosa en movimiento, a partir de una video cámara especialmente destinada para tal tarea. (definicionabc.com)

«No filmar para ilustrar una tesis o para mostrar a hombres o mujeres limitados a su aspecto externo, sino para descubrir la materia de la que están hechos. Alcanzar ese ‘corazón’ que no se deja atrapar ni por la poesía, ni por la filosofía, ni por la dramaturgia»
Robert Bresson (1901-1999) Cineasta francés

VIDA EN SOMBRAS (Vida en sombras) – 1948

Director Lorenzo Llobet-Gracia
Guion Lorenzo Llobet-Gracia y Victorio Aguado
Fotografía Jesús García Leoz
Música Salvador Torres Garriga
Producción Castilla Films
Nacionalidad España
Duración 90m. B/N
Reparto Fernando Fernán Gómez, Maria Dolores Pradera, Félix de Pomés, Isabel de Pomés, Fernando Sancho, Mary Santpere.
* Franz Schubert – Ave Maria

«Los verdaderos creadores son el autor de la idea dramática y el intérprete. Si el director no es al mismo tiempo autor de la idea, su condición es la de simple capataz»

Uno de los largometrajes más insólitos, excepcionales e incomprendidos de la historia del cine español, por cuanto no llegó a estrenarse hasta cinco años después de su rodaje, con una difusión poco menos que ridícula, e incluso llegó a arruinar a su autor, que, por aquel entonces, pretendía introducirse en el campo profesional tras haberse labrado cierto prestigio como realizador aficionado. Sirviéndose del gran Fernando Fernán Gómez como claro álter-ego, Llobet Gracia hizo alarde de una suficiencia narrativa y formal ostensiblemente aventajada del mediocre producto nacional de la época, con elipsis y movimientos de cámara de una audacia por entonces poco menos que inaudita, para escenificar la trayectoria vital de un cinéfilo vocacional, cuyos incidentes afectivos y profesionales avanzaban paralelamente al desarrollo del mundo del celuloide y a las convulsiones políticas por las que atravesaba el país. Un sincero y efusivo homenaje al ejercicio de la filmación como arte, pasión y oficio, realizado de espaldas al sistema y con argumentos eminentemente neorrealistas, que contenía un sentido tributo a la REBECA de Alfred Hitchcock.

Otras películas que enaltecen el arte de la FILMACIÓN

El cameraman – Buster Keaton y Edward Sedgwick (1928)
El hombre de la cámara – Dziga Vertov (1929)
Tren de sombras – José Luis Guerín (1997)

RODAJE (La noche americana)

Fase de la producción en la que se filma la película o serie, con actores en el set y cámaras rodando, a diferencia de la preproducción y la posproducción. El rodaje es casi siempre la fase más costosa de la producción cinematográfica, debido a que en esta etapa se establecen los salarios del actor, del director, y el elenco, así como los costos de ciertos sets, apoyos, y el set de efectos especiales. (Wikipedia)

«El director está obligado a preocuparse de los actores; es el punto fuerte del rodaje»
François Truffaut (1932-1984) Director, crítico y actor francés

LA NOCHE AMERICANA (La nuit américaine) – 1973

Director François Truffaut
Guion François Truffaut, Jean-Louis Richard y Suzanne Schiffman
Fotografía Pierre-William Glenn
Música Georges Delerue
Producción Les Films du Carrosse/PECF/PIC
Nacionalidad Francia/ Italia
Duración 115m. Color
Reparto François Truffaut, Jacqueline Bisset, Valentina Cortese, Jean-Pierre Aumont, Jean Champion, Nathalie Baye, Jean-Pierre Léaud.

«El rodaje de una película puede compararse con un proyecto en diligencia por el Oeste. Al principio todos esperan hacer un viaje estupendo, pero pronto empiezan a preguntarse si llegaran algún día a su destino»

Uno de los largometrajes más logrados y emblemáticos de esa especie de género al que se tiende a denominar «cine dentro del cine», así como uno de los trabajos más acreditados del prestigioso cineasta galo, que se esmeró en preservar su exposición de todo juicio ideológico para enaltecer y justificar su acentuada cinefilia por medio de un exhaustivo glosario de los contratiempos, premuras e incertidumbres que acostumbraban a invadir su querídisima actividad profesional. La película, de carácter coral y algo desacorde con el cine anterior propuesto por su autor debido a su palpable despreocupación en obtener un aspecto verosímil, descubría los artificios técnicos de un rodaje simuladamente dirigido por el propio Truffaut y, sobre todo, revelaba con destreza e ironía las interioridades laborales y afectivas que caracterizan la convivencia entre un estrafalario pero prototípico equipo cinematográfico, del que emergen personajes tan caricaturescos como reconocibles. Buenas interpretaciones y arrebatadora banda sonora de Georges Delerue para una cinta dedicada a la memoria de las hermanas Dorothy y Lillian Gish.

Otras películas donde asistimos al ambiente de un RODAJE

Cantando bajo la lluvia – S.Donen y G.Kelly (1952)
A través de los olivos – Abbas Kiarostami (1994)
State and main – David Mamet (2000)

FIGURANTE (La última orden)

Figurante o extra es aquel actor que aparece en las representaciones audiovisuales como figura de fondo. Generalmente no posee calificaciones artísticas, por lo que no suele realizar ningún otro papel que implique cantar, hablar o bailar. (Wikipedia)

«Es una mezcla de superstición y economía, en mi primera película no había presupuesto para figurantes».
Fernando Colomo (1946-) Director de cine español

LA ÚLTIMA ORDEN (The last command) – 1928

Director Josef Von Sternberg
Guion John F. Goodrich
Fotografía Bert Glennon
Producción Paramount
Nacionalidad Estados Unidos
Duración 88m. B/N
Reparto Emil Jannings, Evelyn Brent, William Powell, Jack Raymond, Nicholas Soussanin, Michael Visaroff, Fritz Feld, Alexander Ikonnikov.

«¿Se supone que esa barba es rusa? ¡Parece un anuncio de pastillas para la tos!»

En medio de ese substancial tríptico sobre el crimen en los bajos fondos conformado por LA LEY DEL HAMPA (1927), LA REDADA (1928) y LOS MUELLES DE NUEVA YORK (1928), Von Sternberg dirigió este potente y algo olvidado drama de trasfondo bélico, basado en un argumento original de Ernst Lubitsch, que confrontaba en un dilatado flashback el atosigado menester de los figurantes hollywoodienses con la tenaz lucha revolucionaria en la Rusia imperial para narrar el intempestivo reencuentro de un director de cine soviético con el excomandante en jefe y primo del zar Nicolás II, que, hace casi una década, lo mancilló por su instinto agitador y por la efervescencia sensual que le sugería su atractiva camarada. Capoteando las profusas contrariedades emanadas del desmedido divismo de Emil Jannings, en otro de sus característicos roles de individuo ultrajado tanto social como sentimentalmente, el realizador vienés forjó una puesta en escena de especial firmeza y exuberancia visual, donde armonizaba un fogoso registro épico con una feroz autocrítica hacia la Meca del cine.

Otras películas protagonizadas por un FIGURANTE

El extra – Miguel M. Delgado (1962)
RoGoPaG (episodio La Riccota) – Pier Paolo Pasolini (1963)
El guateque – Blake Edwards (1968)