Wim Wenders

CONTROVERSIA (Relámpago sobre agua)

Polémica pública en lo que respecta a un tema específico, generalmente de interés público. (enciclopedia.net)

“Nuestras controversias parecerán tan raras a las edades futuras, como las del pasado nos han parecido a nosotros.”
Jean-Jacques Rousseau (1712-1778) Escritor, filósofo, músico, botánico y naturalista franco-helvético

RELÁMPAGO SOBRE AGUA (Lightning over water/Nick’s film) – 1980

Dirección Wim Wenders y Nicholas Ray
Guion Wim Wenders y Nicholas Ray
Fotografía Edward Lachman y Martin Schäfer
Música Ronee Blakley
Producción Road Movies Filmproduktion/Viking Film/Wim Wenders Productions
Nacionalidad Alemania Federal/ Suecia
Duración 91m. Color
Reparto Nicholas Ray, Wim Wenders, Susan Ray, Tim Ray, Ronee Blakley, Gerry Bamman.

«Tenía muchas ganas de verte, porque necesito tu consejo. Me dijiste por teléfono que querías verme, pero yo también tenía miedo de venir (…) Pensé que podría encontrarme atraído por tu debilidad, o por tu sufrimiento, y… si me diera cuenta, creo que tendría que dejarte. Sería como abusar de ti… o traicionarte.»

En abril de 1979, Wim Wenders visitaba a un achacoso Nicholas Ray en su loft del Soho neoyorquino con el fin de rodar una película al alimón, pero ante el estado terminal del cáncer de pulmón que padecía el realizador de Wisconsin (fallecería dos meses después) optaron por transformar el proyecto en una intrépida experiencia pseudodocumental de perturbadora esencia testamentaria, que, aún hoy en día, sigue suscitando una más que justificada controversia. Manteniendo el título del proyecto original, aducido por una canción homónima de Ronee Blakley (por entonces esposa de Wenders), pactaron el reto moral de esculpir el sufrimiento y la agonía ante el implacable embate de la enfermedad (desgarradores resultan los desvaídos planos filmados con cinta de vídeo por Tom Farrell), conformando un ejercicio de cinefilia acérrima tan estremecedor e inquietante como aflictivo, veleidoso e irresponsable, atenuado con dos emotivas evocaciones a la obra del inquieto cineasta (la sublime HOMBRES ERRANTES y la vanguardista WE CAN’T GO HOME) y rematado con un epílogo del todo reprobable.

Otras películas que, en su momento, suscitaron una enorme CONTROVERSIA

La naranja mecánica – Stanley Kubrick (1971)
Saló o los 120 días de Sodoma – Pier Paolo Pasolini (1975)
La vida de Brian – Terry Jones (1979)

POLAROID (Alicia en las ciudades)

Cámara fotográfica que revela las fotos al instante y saca la copia impresa. (Espasa-Calpe)

«Creo que Dios es un gran tipo, con gran sentido del humor. Suelo verlo merodeando en las esquinas, sacando polaroid. Al cielo me voy» (canción Hablando con mi ángel)
Miguel Mateos (1954-) Cantautor y músico argentino

ALICIA EN LAS CIUDADES (Alice in den städten) – 1974

Director Wim Wenders
Guion Wim Wenders y Veit von Fürstenberg
Fotografía Robby Müller
Música Varios
Producción Filmverlag der Autoren/WDR
Nacionalidad Alemania Federal
Duración 110m. B/N
Reparto Rüdiger Vogler, Yella Rottländer, Lisa Kreuzer, Edda Köchl, Didi Petrikat, Ernest Böhm.
* Can – Alice

«Se pierde el norte cuando se pierde el sentido de la identidad, y eso te pasó hace mucho tiempo. Por eso necesitas pruebas, pruebas de que aún existes»

La consolidación de Wim Wenders como uno de los principales baluartes del denominado ‘nuevo cine alemán’ llegó con esta cautivadora vuelta de tuerca al tradicional concepto de ‘road-movie’, a su vez, arranque de una tan precoz como esencial trilogía de ritual iniciático sobre la carretera, completada en los dos siguientes años con FALSO MOVIMIENTO y EN EL CURSO DEL TIEMPO. Reafirmando una marcada predilección por los ambientes urbanos y preludiando su consustancial fascinación por la iconografía popular estadounidense, el cineasta renano enaltecía el fortuito vínculo emocional que se establece entre una adorable y curiosa niña neerlandesa, presumiblemente abandonada por su madre, y un periodista germano que conmuta su incapacidad para escribir un reportaje en Estados Unidos captando instantáneas con su polaroid de manera casi obsesiva. Una película agridulce, rodada en 16mm y blanco y negro entre Nueva York y Amsterdam, que cuestiona el concepto de identidad y estimula el instinto paternal a través de un astuto engranaje de abstracción, ternura y melancolía.

Otras películas donde se utiliza una POLAROID

Veredicto final – Sidney Lumet (1982)
Shutter – Banjong Pisanthanakun y Parkpoom Wongpoom (2004)
La cámara de Claire – Hong Sang-soo (2017)

PEEPSHOW (París, Texas)

Exposición de fotografías, objetos o personas visualizada a través de una pequeña mirilla o lente de aumento.1 Puede tener su precedente en los entretenimientos proporcionados por artistas ambulantes y los espectáculos callejeros (…) En su uso contemporáneo, un peepshow es una presentación por partes de cine pornográfico o de un sex show en vivo que se ven a través de una mirilla o un visor, que se cierran después de que el tiempo pagado ha expirado. Tradicionalmente, las mirillas de visualización solían ser operadas por un dispositivo activado con monedas, o mediante el pago en un mostrador. (Wikipedia)

«El paseo los llevó indefectiblemente al barrio de las putas y los peepshows, y entonces ambos se pusieron melancólicos y se dedicaron a contarse el uno al otro historias de amores y desengaños» (novela 2666)
Roberto Bolaño (1953-2003) Escritor y poeta chileno

PARIS, TEXAS (Paris, Texas) – 1984

Director Wim Wenders
Guion Sam Shepard
Fotografía Robby Müller
Música Ry Cooder
Producción Argos/Channel Four/Fox/Pro-ject/Road Movies/WDR
Nacionalidad Alemania Federal/ Francia/ Reino Unido/ Estados Unidos
Duración 145m. Color
Reparto Harry Dean Stanton, Natassja Kinski, Dean Stockwell, Aurore Clément, Bernhard Wicki, Hunter Carson, Socorro Valdez.

«Podía oírte, verte, olerte (…) A veces, tu voz me despertaba. Me despertaba en medio de la noche como si estuvieras en la habitación conmigo. Después, eso se desvaneció. Ya no pude imaginarte nunca más. Intenté hablar contigo en alto como solía hacerlo, pero no había nada. No podía oírte. Entonces, me di por vencida, todo se paró. Tú… desapareciste. Ahora trabajo aquí… Y oigo tu voz todo el tiempo. Todos los hombres tienen tu voz.»

Insistiendo en reflejar aspectos sociales e iconográficos de su estimada América, Wenders tomó prestado un relato extraído del libro Motel Chronicles de Sam Shepard para inmortalizar esta poderosa, lacónica y apasionante combinación de melodrama familiar y road-movie en torno al desolador recorrido existencial que un misterioso hombre afectado de amnesia emprende a través del desierto de Texas para reencontrarse a sí mismo, expiar su culpa y recobrar el afecto perdido tanto de su esposa como de su hijo de cuatro años. Las excelentes interpretaciones de Harry Dean Stanton y Natassja Kinski, posiblemente las más importantes de sus respectivas carreras, los penetrantes y melancólicos acordes de guitarra de Ry Cooder y la deslumbrante fotografía de Robby Müller, crucial en la consecución de una riqueza visual muy poco común, enaltecen la psique de esta amarga y descorazonadora crónica sobre la incapacidad de cicatrizar las heridas pretéritas, narrada con una quietud e intensidad que invita a dejarse arrastrar por las emociones, tal y como evidencia el tenso, cálido y estremecedor plano secuencia final de quince minutos ubicado en un peepshow.

Otras películas donde aparece un PEEPSHOW

¿Por qué lo llaman amor cuando quieren decir sexo? – Manuel Gómez Pereira (1992)
La pianista – Michael Haneke (2001)
L’amour est une fête – Cedric Anger (2018)

BLUES (The soul of a man)

Género musical vocal e instrumental, basado en la utilización de notas de blues y de un patrón repetitivo, que suele seguir una estructura de doce compases. Originario de las comunidades afroamericanas del sur de los Estados Unidos a principios del siglo XX; para los años sesenta este género se convierte en una de las influencias más importantes para el desarrollo de la música popular estadounidense y occidental, llegando a formar parte de géneros musicales como el ragtime, jazz, bluegrass, rhythm and blues, rock and roll, funk, heavy metal, hip-hop, música country y pop. Este género se desarrolló a través de las espirituales, canciones de oración, canciones de trabajo, rimas inglesas, baladas escocesas e irlandesas narradas y gritos de campo. (Wikipedia)

«El blues es la música del diablo y nosotros somos sus hijos»
Walter Mosley (1952-) Escritor estadounidense

THE SOUL OF A MAN (The soul of a man) – 2003

Director Wim Wenders
Guion Wim Wenders
Fotografía Lisa Rinzler
Música Varios
Producción Cappa Productions/Emotion Pictures/Jigsaw Productions
Nacionalidad Estados Unidos/Alemania
Duración 103m. Color y B/N
* Nick Cave & The Bad Seeds – I feel so good

«Skip sencillamente desapareció. Las escasas grabaciones que habían salido al mercado se convirtieron en codiciadas piezas de coleccionista y el nombre de Skip James en un mito entre los aficionados al blues. Lo malo es que Skip ni lo sospechaba»

Con el fin de conmemorar el declarado «año del blues» estadounidense, Scorsese produjo una serie de siete largometrajes de sustrato documental bajo el título general de THE BLUES, que echaba una ojeada a las raíces culturales del género, a su evolución y pluralidad de estilos y a la categórica influencia que todos ellos tuvieron en el devenir de la música a lo largo del siglo XX. Entre todos los capítulos del proyecto, Wim Wenders descollaba con esta apasionante aproximación a la figura de sus tres más admirados bluesmen: Skip James (Devil got my woman), Blind Willie Johnson (Dark was the night) y J.B. Lenoir (I feel so good), narrada por el actor Laurence Fishburne y presentada con éxito en el Festival de Cannes. El director de BUENA VISTA SOCIAL CLUB (1999) conexionaba una brillante reconstrucción en imágenes de los ambientes de la América profunda y sus minorías negras (debido a la ausencia de filmaciones reales) con un inestimable material de archivo y distintas versiones de sus temas a cargo de un distinguido conjunto de intérpretes contemporáneos, entre ellos, Lou Reed, Nick Cave, Beck, Eagle Eye Cherry, Los Lobos o Bonnie Raitt.

Otras películas sobre el BLUES

Leadbelly – Gordon Parks (1976)
Granujas a todo ritmo – John Landis (1980)
Cruce de caminos – Walter Hill (1986)

ÁNGEL (El cielo sobre Berlín)

Ser mitológico inmaterial o espiritual presente en algunas religiones cuyos deberes son asistir y servir a Dios (…) Según las tres principales religiones monoteístas, los ángeles además actúan como mensajeros, ejecutando los juicios de Dios y sirviendo a los creyentes. Desde este punto de vista, los ángeles son normalmente considerados como criaturas de gran pureza destinadas en muchos casos a la protección de los seres humanos. (Wikipedia)

“No sé si alguna vez habéis visto llorar a un ángel. Si no es así, es una experiencia que no os recomiendo. Las lágrimas de un ángel son mucho más perturbadoras que la risa de un demonio”
Laura Gallego García (1977-) Escritora española de literatura infantil

EL CIELO SOBRE BERLÍN (Der himmel über Berlin) – 1987

Director Wim Wenders
Guion Wim Wenders y Peter Handke
Fotografía Henri Alekan
Música Jürgen Knieper
Producción Argos Films/WDR/Road Movies Filmprod.
Nacionalidad Alemania Federal/ Francia
Duración 127m. B/N y Color
Reparto Bruno Ganz, Solveig Donmartin, Peter Falk, Otto Sander, Hans Martin Stiers, Lajos Kovacs, Curt Bois, Elmar Wilms, Sigurd Rachman.

«Mirar desde arriba no es mirar. Hay que mirar a la altura de otros ojos»

Sempiterno paradigma de autor experimental, cosmopolita y filosófico, Wim Wenders halló en un escritor habituado a tratar temas como la incomunicación o la tristeza de la soledad como Peter Handke al perfecto aliado para expulsar esa singular gama de simbolismos poéticos y reflexiones metafísicas que atesoraba su entelequia fílmica. La mejor prueba de ello la hallamos en esta especie de metáfora visionaria sobre la destrucción material del muro que seccionaba Alemania, que narraba el desamparo que aflige a dos ángeles guardianes de la ciudad, sobre todo a uno que suspira por sacrificar su condición a cambio de una carnalidad que le confiera la facultad de amar y ser amado. Enaltecida por los poemas de Rainer Maria Rilke, la esmerada fotografía de Henri Alekan o la aparición del malsano Nick Cave interpretando la envolvente The carny y la excitante From here to eternity, deviene un alucinante, barroco y fascinador derroche de romanticismo elegíaco, pletórico de bellas imágenes y geniales movimientos de cámara, que propició una insípida prolongación a cargo del propio autor, ¡TAN LEJOS, TAN CERCA! (1993), y fue objeto de un soporífero e innecesario remake de Brad Silberling en 1998, CITY OF ANGELS.

Otras películas con presencia de un ÁNGEL

¡Qué bello es vivir! – Frank Capra (1946)
Angel-A – Luc Besson (2005)
Constantine – Francis Lawrence (2005)