Drama fantástico

ESPADA (Excalibur)

Arma blanca de dos filos que consiste básicamente en una hoja recta cortante, punzante —o con ambas características—, con empuñadura, y de cierta envergadura o marca (…) En un sentido más amplio, aunque a veces erróneo, se tiende a entender por espada cualquier arma blanca de cierta envergadura, independientemente del estilo de la hoja. El diseño y la construcción de la espada puede variar mucho, según la longitud de la hoja, su forma, sus filos, sus empuñaduras, gavilanes, su procedencia, etc. De acuerdo con las características que poseen, reciben una determinada denominación que identifica, clasifica y encuadra al arma dentro de un tipo particular. (Wikipedia)

“Cada hombre mata lo que ama: unos, con mirada cruel; otros, con palabras amorosas; el cobarde, con un beso, y el valiente, con la espada”
Oscar Wilde (1854-1900) Escritor, poeta y dramaturgo inglés

EXCALIBUR (Excalibur) – 1981

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Director John Boorman
Guion John Boorman y Rospo Pallenberg
Fotografía Alex Thomson
Música Trevor Jones
Producción Orion/Warner Bros.
Nacionalidad Gran Bretaña/ Estados Unidos
Duración 140m. Color
Reparto Nigel Terry, Helen Mirren, Nicholas Clay, Gabriel Byrne, Nicol Williamson, Paul Geoffrey, Liam Neeson, Cheri Lunghi, Robert Addie.
* Carl Off – O Fortuna (Camina Burana)

«¡Frases! Las frases son para los amantes ¡Yo lo que quiero es una espada para ser rey!»

Tomando como base la novela La morte d’Arthur de Sir Thomas Malory, el relevante pero desigual John Boorman compuso esta ambiciosa recreación del célebre mito forjado en torno a los caballeros de la Mesa Redonda y su búsqueda del Santo Grial, desde los tiempos del reinado de Uther Pendragon hasta la batalla final contra el traidor Mordred. Para ello, dejó un poco de lado el misticismo y la heroicidad que identificaba este apólogo sobre el rencor y la codicia con el fin de profundizar más en su acepción esotérica y metafísica, evitando así no incurrir en los tópicos y rasgos estereotipados que siempre habían acompañado a las peripecias del mago Merlín, Perceval, Arturo de Cornwall, la reina Ginebra o Lancelot du Lac, entre otros. Sin la intención de subestimar su óptimo sentido de la narración, del que emerge una sugestiva utilización de la elipsis, la película fundamentaba su inapelable atractivo en una vigorizante y fascinadora concepción plástica, con una esmerada utilización de los paisajes irlandeses, y la perfecta conjunción de ésta con una magnífica banda sonora realzada con fragmentos wagnerianos o la gloriosa Carmina Burana de Carl Off.

Otras películas con protagonismo de una ESPADA

La espada del mal – Kihachi Okamoto (1966)
Conan, el destructor – Richard Fleischer (1984)
Tigre y dragón – Ang Lee (2000)

GOLEM (El golem)

Un golem es, en el folclore medieval y la mitología judía, un ser animado fabricado a partir de materia inanimada (normalmente barro, arcilla o un material similar). Normalmente es un coloso de piedra (…) La palabra gólem se da en la Biblia (Salmos 139:16) y en la literatura talmúdica para referirse a una sustancia embrionaria o incompleta. Como motivo, la figura del golem forma parte del imaginario hebraico del centro europeo y pertenece por consiguiente al arte asquenazí. El relato folclórico más famoso relativo al golem involucra al ilustre Rabbi Judah Loew, Judah Loew ben Bezalel, conocido como el Maharal de Praga, un conocido rabino del siglo XVI. Se le atribuye haberlo creado para defender el gueto de Praga de ataques antisemitas, así como para atender también el mantenimiento de la Sinagoga Vieja-Nueva (Altneuschul) (…) En la cultura moderna y, particularmente, en el marco coloquial, el golem es una figura metafórica estrechamente relacionada con el autómata, el ser descerebrado o el hombre masificado que, controlado, sirve desde un plano de conformismo, pero podría, bajo ciertas circunstancias, rebelarse. (Wikipedia)

«Sus ojos, menos de hombre que de perro y harto menos de perro que de cosa, seguían al rabí por la dudosa penumbra de las piezas del encierro. Algo anormal y tosco hubo en el Golem, ya que a su paso el gato del rabino se escondía» (poema El Golem)
Jorge Luis Borges (1899-1986) Escritor, poeta, ensayista, profesor y editor argentino

EL GOLEM (Der Golem, wie er in die welt kam) – 1920

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Director Paul Wegener y Carl Boese
Guion Paul Wegener y Henrik Galeen
Fotografía Karl Freund y Guido Seeber
Música Hans Landsberger
Producción Projektions/A.G.Union
Nacionalidad Alemania
Duración 80m. B/N
Reparto Paul Wegener, Albert Steinrük, Lyda Salmonova, Ernst Deutsch, Otto Gebühr, Lothar Müthel, Hanns Sturn, Max Kronent.

«La hora ha llegado. El curso de las estrellas favorece el hechizo.»

La popular leyenda medieval checa sobre la corpulenta criatura de arcilla que el rabino hechicero Loew consigue hacer vivir para proteger al gheto judío de Praga, en tiempos de Rodolfo II de Habsburgo, dio lugar a un relato fantástico-esotérico de Gustav Meyrink y a dos contundentes versiones fílmicas dirigidas e interpretadas por Paul Wegener. Si bien la primera, co-dirigida con Henrik Galeen en 1915, significó un substancial antecedente del expresionismo alemán, fue en esta segunda y más difundida traslación donde se revelaron con mayor rotundidad las marcadas particularidades de dicho movimiento, descuidando de forma premeditada el decorado pictórico para ampararse más en su concluyente lenguaje arquitectónico; capítulo para el que Hans Poelzig idearía un laberíntico suburbio formado por sinuosas y angostas calles, a su vez unificadas por retorcidas casas de interiores distorsionados. La asombrosa fotografía reforzaba aún más si cabe su potencia visual hasta establecer una atmósfera alucinante, que lograba extraer del más puro horror un virtuoso lirismo dramático.

Otras películas inspiradas en la figura del GOLEM

Le golem – Julien Duvivier (1936)
It! – Herbert J. Leader (1967)
Golem – Piotr Szulkin (1980)

AFROAMERICANO (Una cabaña en el cielo)

El término afroamericano se emplea fundamentalmente para referirse a las personas de con raíces africanas, nacidas en el continente americano. El término se originó por los propios afrodescendientes en los Estados Unidos y poco a poco se fue extendiendo por otros territorios de todo el continente americano (…) comenzó a utilizarse en EE. UU. en la década de 1960, por la misma población con ascendencia africana derivada de la esclavitud con o sin mestizaje, para revindicar el orgullo de sus raíces africanas. (Wikipedia)

«Hoy los afroamericanos han infiltrado el sistema. Ahora son ellos quienes mandan en la cultura, el lenguaje, la música, el estilo y lo han hecho como un virus saludable para la sociedad porque han podido impulsar sus creencias y su cultura.»
Toni Morrison (1931-) Escritora estadounidense

UNA CABAÑA EN EL CIELO (Cabin in the sky) – 1943

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Director Vincente Minnelli
Guion Joseph Schrank
Fotografía Sidney Wagner
Música Vernon Duke y Harold Arlen
Producción Metro Goldwyn Mayer
Nacionalidad Estados Unidos
Duración 99m. B/N
Reparto Eddie Rochester Anderson, Ethel Waters, Lena Horne, Rex Ingram, Oscar Polk, Kenneth Spencer, John W. Sublett, Mantan Moreland.

«A veces, cuando luchas contra el diablo, tienes que atacarle con su propia medicina.»

Minnelli, contratado por Arthur Freed para transferir al mundo del cine el talento revelado en sus musicales de Broadway, debutó con esta versión del exitoso ejemplar teatral de Vernon Duke (música), John Latouche (letras) y Lynn Root (libreto basado en su relato Little Joe), que, pese a la modestia de sus planteamientos, vislumbraba ya la línea a seguir por el género en los sucesivos años, especialmente en lo referente al dinamismo de su puesta en escena. Esta parábola moralista en torno a la fuerza de voluntad que la devoción proporciona para mitigar la tentación impenitente, centrada en la disputa entre Lucifer y los emisarios divinos para agenciarse el alma de un bribonzuelo de tres al cuarto, no era más que un ingenuo pretexto onírico para glosar un espectáculo de naturaleza ‘jazz’, con matices líricos y costumbristas e íntegramente interpretado por actores de color. Su desarrollo garantizaba apariciones tan estelares como Lena Horne, Louis Armstrong, Duke Ellington o Cab Calloway, números coreografiados por el gran Busby Berkeley y buenas canciones como Taking a chance on love, Happiness is a thing called Joe o Life full o’consequence.

Otras películas interpretadas íntegramente por AFROAMERICANOS

Aleluya – King Vidor (1929)
Carmen Jones – Otto Preminger (1954)
Nola Darling – Spike Lee (1986)

TELETRANSPORTE (La mosca)

Proceso de mover objetos o partículas de un lugar a otro instantáneamente. Según la narración de que se trate, puede realizarse, o no, utilizando una máquina llamada teletransportador. Literalmente quiere decir «desplazar a distancia», lo que puede ser entendido como un desplazamiento que se produce sin necesidad de establecer contacto físico directo con el objeto para que éste se mueva. (Wikipedia)

«Ya podemos teletransportar átomos y fotones, pero eso no son personas. Quizá dentro de una década consigamos teletransportar la primera molécula, como H2O o alguna similar. Pero el teletransporte real de un humano nos llevará siglos»
Michio Kaku (1947-) Físico teórico estadounidense

LA MOSCA (The fly) – 1986

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Director David Cronenberg
Guion David Cronenberg y Charles Edward Pogue
Fotografía Mark Irwin
Música Howard Shore
Producción 20th. Century Fox/Brooks Films
Nacionalidad Estados Unidos/ Canadá
Duración 95m. Color
Reparto Jeff Goldblum, Geena Davis, John Getz, Joy Boushell, Michael Copeman, Leslie Carlson, George Chuvalo, David Cronenberg.

«El descubrimiento más impactante de la Tierra: el que anula todo concepto de transporte, de límites y fronteras de tiempo y espacio»

Flamante e innovadora versión del homónimo clásico de serie B dirigido por Kurt Neumann en 1958 que contribuiría considerablemente a la renovación del cine fantástico, erigiéndose en uno de los productos capitales del género durante la década de los ochenta. El evolutivo proceso de degeneración orgánica y cerebral que padece un despistado científico (indudablemente la caracterización más importante en la carrera de Jeff Goldblum) tras sus aterradores experimentos de desintegración y teletransporte de materia, devino un material más que apropiado para que el entonces creativo David Cronenberg (siempre dispuesto a indagar en la malsana aprensión del ser humano por la transformación física) imprimiera su particular mirada a través de una atmósfera enfermiza, claustrofóbica y aderezada con carices eróticos, es decir, idónea para atrapar al espectador y ejercer sobre él una atracción tan indiscreta como morbosa. Los espléndidos efectos especiales y de maquillaje corrieron a cargo de un inspirado Chris Wallas, quien tres años más tarde no tuvo reparos en dirigir una desalentadora e innecesaria secuela.

Otras películas donde se practica el TELETRANSPORTE

Star Trek, la película – Robert Wise (1979)
Doom – Andrzej Bartkowiak (2005)
Jumper – Doug Liman (2008)

ALFARERÍA (Cuentos de la luna pálida de agosto)

Arte de elaborar objetos de barro o arcilla y, por extensión, el oficio que ha permitido al hombre crear toda clase de enseres y artilugios domésticos a lo largo de la historia. En el Occidente culturalmente tecnológico la alfarería popular, cacharrería ruda y evocadora obra de artesanos barreros, ha pasado en gran medida a convertirse en artículo decorativo y de coleccionismo y en materia de interés etnográfico, sumado a su valor arqueológico (…) Popularmente, alfarería es sinónimo de cerámica, si bien suele denominarse y aplicarse el término cerámica a un conjunto de técnicas más depuradas en que intervienen varias cocciones de la pieza, esmaltados más sofisticados y decoración más fina. (Wikipedia)

«La belleza viene del corazón y se derrama por los dedos del alfarero»
Bernard Leach (1887-1979) Alfarero de estudio y profesor de arte británico

CUENTOS DE LA LUNA PÁLIDA DE AGOSTO (Ugetsu monogatari) – 1953

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Director Kenji Mizoguchi
Guion Matsutaro Kawaguchi y Yoshikata Yoda
Fotografía Kazuo Miyagawa
Música Fumio Hayaska, Tamekichi Mochizuki e Ichiro Saito
Producción Daiei
Nacionalidad Japón
Duración 96m. B/N
Reparto Machiko Kyo, Masayuki Mori, Kinuyo Tanaka, Eitaro Ozawa, Sugisaku Aoyama, Ikio Sawamura, Mitsuko Mito, Kikue Mori, Eigoro Onoe.

«No, no hay ningún secreto que no pueda contar. Todo es cuestión de experiencia. Son muchos años trabajando el barro y cociendo el esmalte»

Presentar una película como la gran obra maestra de Mizoguchi equivale a considerarla como una de las cumbres, no ya del cine japonés, sino de la historia del Séptimo Arte. Y es precisamente en esa jerarquía donde merece ser ubicada esta exquisita fábula moral sobre los infaustos efectos de la guerra, basada en dos narraciones fantásticas de Akinari Ueda (Asaji ga yado y Jasei no in) y el cuento Décoré de Guy de Maupassant, que pormenorizaba los desbaratamientos conyugales de un avaricioso alfarero y su humilde cuñado campesino, provocados por el patético idilio del primero con una enigmática princesa y el desmesurado afán por convertirse en samurái del segundo. Con delicadeza ambiental, intensidad dramática y una dimensión poética de un paroxismo sin precedentes, el film establecía una sublime paradoja ilusoria que ensamblaba la más áspera realidad cotidiana con un impenetrable misticismo romántico, metafísico y sobrenatural, del cual emergían elipsis e instantes tan sutiles y prodigiosos como la espectral escena del lago o la hermosa secuencia del baño.

Otras películas donde se practica la ALFARERÍA

La guerra santa (La cristiada) – Carlos Enrique Taboada (1977)
Los favoritos de la luna – Otar Iosseliani (1984)
Ghost: más allá del amor – Jerry Zucker (1990)