Autor: antoniomartingarcia

PESIMISMO (Tiempo de amar, tiempo de morir)

1. Tendencia que tienen algunas personas a ver y a juzgar las cosas en su aspecto más negativo o desfavorable.
2. Doctrina metafísica según la cual el mundo es necesariamente malo y, por consiguiente, todo en la naturaleza y en la vida del hombre tiende a la producción y conservación del mal. (Larousse Editorial)

“El pesimismo es un juego seguro. Así no puedes perder nunca, solo puedes ganar. Es el único punto de vista desde el que nunca te sentirás decepcionado”
Thomas Hardy (1840-1928) Novelista y poeta inglés

TIEMPO DE AMAR, TIEMPO DE MORIR (A time to love and a time to die) – 1958

Director Douglas Sirk
Guion Orin Jannings
Fotografía Russell L. Metty
Música Miklos Rozsa
Productora Universal
Nacionalidad Estados Unidos
Duración 126m. Color
Reparto John Gavin, Liselotte Pulver, Jock Mahoney, Dieter Borsche, Charles Regnier, Keenan Wynn, Don Defore, Eric Maria Remarque.

«Disfruten de la guerra, la paz será mucho peor»

Conmovedora transposición a la gran pantalla de la antimilitarista novela homónima de Erich Maria Remarque, considerada con todos los honores como una pieza magistral tanto del melodrama bélico de raigambre clásica como del romanticismo cinematográfico más poético y desesperado. Ambientada en el invierno de 1944, en las postrimerías de la Segunda Guerra Mundial, esgrimía la profundidad emotiva que subyace de la imposible historia de amor entre un desconcertado soldado alemán del frente soviético y una antigua amiga de la infancia para sumergir al espectador en una ciénaga de penumbra, atrocidad y desesperanza que prorrateaba su ruindad moral entre un lapidario realismo premonitorio y una esencia onírica rociada de un lirismo casi espectral, del que surtían instantes tan bellos y pictóricos como la aparición del cadáver del teniente que llora por los efectos del deshielo o su turbador epílogo. No sería justo omitir que a todo ello contribuyó sobremanera la espléndida dirección artística de Alexander Golitzen y Alfred Sweeny, así como la grisácea fotografía en Cinemascope y Technicolor a cargo de Russell Metty.

Otras películas caracterizadas por su PESIMISMO

Gritos y susurros – Ingmar Bergman (1972)
La tormenta de hielo – Ang Lee (1997)
Babel – Alejandro González Iñárritu (2006)

KARAOKE (Lost in translation)

1. Aparato audiovisual con que se reproducen el fondo musical y, a la vez, las letras escritas de una serie de canciones ampliamente conocidas para que sean cantadas por una o varias personas como forma de entretenimiento.
2. Establecimiento público en el que se ha instalado este aparato, generalmente un bar musical o una discoteca con un escenario en que las personas salen a cantar. (google.es)

«El dueño regresó con un micro de karaoke y aunque la distancia que nos separaba no excedía los dos pasos se esmeraba en hablar por él. Nos dispusimos a presenciar un espectáculo atroz nacido en el tercer mundo del glamour» (novela Cuatro amigos)
David Trueba (1969-) Escritor, periodista, director de cine y guionista español

LOST IN TRANSLATION (Lost in translation) – 2003

Director Sofía Coppola
Guion Sofía Coppola
Fotografía Lance Acord
Música Brian Reitzell & Kevin Shields
Producción Focus Features/American Zoetrope/Elemental Films
Nacionalidad Estados Unidos
Duración 105m. Color
Reparto Bill Murray, Scarlett Johansson, Giovanni Ribisi, Anna Faris, Fumihiro Hayashi, Akiko Takeshita, Catherine Lambert.
* The Jesus and Mary Chain – Just like honey

«Lo entenderás. Cuanto más sepas quién eres y lo que quieres, menos dejarás que las cosas te afecten»

Las expectativas generadas por Sofía Coppola con su brillante debut cinematográfico, LAS VÍRGENES SUICIDAS (1999), fueron reafirmadas en esta comedia dramática de esencia melancólica y enjundioso trazo irónico acerca del romance inconcluso, sincero y cauteloso que brotaba en un hotel-rascacielos de la cosmopolita capital nipona entre la joven esposa de un fotógrafo de moda y un actor en horas bajas, dedicado a la publicidad y sumido en una galopante crisis de los cincuenta. Rehuyendo la profusión verbal en pos de una etérea placidez descriptiva cimentada en los silencios, las miradas u otros gestos de una espontánea e inmediata complicidad, la película vinculaba el aislamiento emocional, el hastío vital y la escasez de objetivos que aflige a esta fugaz e insomne pareja estadounidense a la incomprensión comunicativa que singulariza la sociedad contemporánea. Una parábola empática y conmovedora sobre la desesperada búsqueda de una reciprocidad afectiva, sobre la necesidad imperiosa de desear y ser deseado, que relanzó la hierática vis cómica de Bill Murray y determinó la definitiva consagración de su atractiva protagonista femenina.

Otras películas que contienen alguna escena de KARAOKE

Aquel querido mes de agosto – Miguel Gomes (2008)
(500) días juntos – Marc Webb (2009)
Mommy – Xavier Dolan (2014)

DISCURSO (El gran dictador)

Mensaje que se pronuncia de manera pública. Se trata de una acción comunicativa cuya finalidad es exponer o transmitir algún tipo de información y, por lo general, convencer a los oyentes. (definicion.de)

“El secreto de un buen discurso es tener un buen comienzo, y un buen final, y luego tratar de que ambos estén lo más cerca posible”
George Burns (1896-1996) Cómico y actor estadounidense

EL GRAN DICTADOR (The great dictator) – 1940

Director Charles Chaplin
Guion Charles Chaplin
Fotografía Rollie Totheroh y Karl Struss
Música Charles Chaplin y Meredith Willson
Producción United Artists
Nacionalidad Estados Unidos
Duración 128m. B/N
Reparto Charles Chaplin, Paulette Goddard, Jack Oakie, Reginald Gardiner, Henry Daniell, Carter De Haven, Grace Hayle.

«Hemos progresado muy deprisa, pero nos hemos encarcelado a nosotros mismos. El maquinismo, que crea abundancia, nos deja en la necesidad. Nuestro conocimiento nos ha hecho cínicos. Nuestra inteligencia, duros y secos. Pensamos demasiado, sentimos muy poco»

Charles Chaplin introdujo el diálogo en su obra con esta implacable sátira política sobre el fascismo y sus nefastas consecuencias, realizada a principios de la Segunda Guerra Mundial, que supuso la definitiva despedida del universalmente conocido Charlot; en esta ocasión, metido en la piel de un amnésico barbero judío que es acosado por el dictador Adenoid Hynkel, en una acertada caricatura de Hitler que también encarnaba el propio autor. Gracias a una hábil combinación entre el «slapstick» y la parodia socio-política, la película conectó perfectamente con el público y desató una tremenda polémica mundial debido principalmente al detallado, vigente e inolvidable discurso final: toda una declaración de principios en contra de las dictaduras y en favor de la paz, la tolerancia y la libertad. Esta incuestionable obra maestra, determinada a perforar la conciencia humana y erigirse en obligatoria estación de paso para todo aficionado al cine, destacaba también por la memorable caracterización de Jack Oakie como Benito Mussolini u otras escenas realmente antológicas, como el afeitado al son de la Danza húngara de Brahms o el megalómano baile con la bola terráquea.

Otros películas evocadas por un gran DISCURSO

Caballero sin espada – Frank Capra (1939)
Julio César – Joseph L. Mankiewicz (1953)
El discurso del rey – Tom Hooper (2010)

CELULOIDE (Tren de sombras)

Nombre comercial del material plástico nitrato de celulosa, que se obtiene usando nitrocelulosa y alcanfor. Fue descubierto en 1863 o en 1868 (aún no hay un acuerdo al respecto) por John Wesley Hyat (…) El celuloide es un material flexible, transparente y resistente a la humedad, pero también es extremadamente inflamable, lo que limita su uso. En 1887, Hannibal Williston Goodwin utilizó el material como soporte para película fotográfica, con lo que revolucionó el campo de la fotografía y abrió el camino para el nacimiento del cine. (Wikipedia)

“Siempre he sospechado que muchos recuerdos de mi infancia proceden realmente de fotos antiguas, que son una combinación de instantáneas, un mosaico de imágenes de celuloide reconvertidas en una realidad recordada. La Kodak nos proyecta retrospectivamente. Tal vez sea mejor recordar el pasado de ese modo, ya que raras veces tomamos fotos de las ocasiones tristes”
Kathy Reichs (1948-) Antropóloga forense y escritora estadounidense

TREN DE SOMBRAS (Tren de sombras) – 1997

Director José Luis Guerín
Guion José Luis Guerín
Fotografía Tomás Pladevall
Música Albert Bover
Producción Films 59/Grup Cinema Art
Nacionalidad España
Duración Films 59/Grup Cinema Art
Reparto Simone Mercier, Celine Laurent, Marc Montserrat, Ivon Orvain, Carlos Romagosa, Anne Céline Auche, Juliette Gaultieur, René Flory.

«Nos han visto»

Siempre a contracorriente, huyendo de cualquier presunción de convencionalismo, José Luis Guerín aportó con su tercer largometraje un ejercicio de estilo vanguardista supremo, cuya pureza y sensitiva esencialidad invocaba cual exhortación fantasmagórica el imperecedero placer por la contemplación de Dziga Vértov, la teoría del autor de Alexandre Astruc, la ontología de la imagen de André Bazin o la aromática poesía naturalista de Jean Renoir. Lo que en su primera mitad emergía como una entrañable reivindicación del espíritu cinematográfico en su concepción originaria de interrumpir el tiempo y plasmar en celuloide la realidad a partir de la presunta restauración de unas grabaciones familiares rodadas en 1930 junto al lago normando de Le Thuit por un abogado parisino, poco antes de su misteriosa desaparición; culminaba, tras unos interludios donde se retoman en color y sin palabras los escenarios del pasado, en una hermosa e inusitada estratagema formal de evidentes reseñas pictóricas, consignada a desentrañar la trastienda de la ficción a través de las conjeturas de un furtivo incidente amoroso.

Otras películas sobre el CELULOIDE

Cinema Paradiso – Giuseppe Tornatore (1988)
Cineastas contra magnates – Carlos Benpar (2005)
Celuloide colectivo – Óscar Martín (2009)

POSESIÓN (Madre Juana de los Ángeles)

1. Tenencia o propiedad de algo.
2. Dominio del espíritu del hombre por otro espíritu. (Espasa-Calpe)
Según determinadas religiones una persona es víctima de una posesión demoníaca cuando un espíritu inmundo o impuro entra en su cuerpo y le hace hablar y comportarse, no como ella quisiera, sino como el espíritu quiere. Este trastorno del comportamiento que se atribuye al apoderamiento del espíritu por uno o más demonios, desde el punto médico se considera un trastorno disociativo de la histeria.
El caso de las endemoniadas de Loudun es probablemente el más famoso caso de posesión diabólica colectiva que se conoce. Tuvo lugar en 1634 en la pequeña ciudad francesa de Loudun. Afectó a las monjas ursulinas del convento de la localidad, supuestamente hechizadas por el padre Urbain Grandier, quien fue acusado de brujería, de acuerdo con el testimonio de las endemoniadas, y condenado a morir en la hoguera. (Wikipedia)

«Sólo en casos rarísimos se debe aceptar la hipótesis de la posesión diabólica. Puede empezar a sospecharse sólo si en una persona aparecen contemporáneamente tres fenómenos: de orden psiquiátrico, parapsicológico y clara repulsión, con aversión hacia todo lo que es sagrado»
Corrado Balducci (1923-2008) Sacerdote, teólogo, ufólogo, demonólogo y exorcista italiano

MADRE JUANA DE LOS ÁNGELES (Matka Joanna od aniolow) – 1961

Director Jerzy Kawalerowicz
Guion Jerzy Kawalerowicz y Tadeusz Konwicki
Fotografía Jerzy Woljciz
Música Adam Walacinski
Producción Kadr
Nacionalidad Polonia
Duración 110m. B/N
Reparto Lucyna Winnicka, Mieczyslaw Voit, Maria Chwalibog, Kazimierz Fabisuak, Zygmunt Zintel, Anna Ciepielewska, Jerry Kaczmarek.

«Quizá el problema no sean los demonios, sino la ausencia de ángeles (…) Quizá sólo sea la naturaleza humana…»

Una de las principales obras de Jerzy Kawalerowicz y de la cinematografía polaca en general, basada en una novela homónima de Jaroslaw Iwaskiewicz sobre el célebre y enraizado caso de las monjas endemoniadas de Loudun en 1634, que en su momento suscitó una resonante controversia al toparse con el flagrante rechazo del Vaticano. Más allá del más del impacto que suscita su poderosa belleza formal, la película fascina por la sensatez, sobriedad descriptiva y consistente orientación naturalista que el renombrado cineasta imprimió a un bizarro asunto histórico que concentraba, en un contexto decrépito, machista e inhumano, temas tan escabrosos como la locura, el exorcismo, la obcecación religiosa o la frustración carnal. La categórica distinción de sus interpretaciones, especialmente las de las actrices Winnicka y Ciepielewska, acabaron de redondear una impresionante magnitud dramática y psicológica a la que el siempre excesivo Ken Russell no pudo, ni por asomo, aproximarse en la delirante versión de los hechos que formalizó del mismo tema en LOS DEMONIOS (1971).

Otras películas sobre una POSESIÓN demoníaca

La monja poseída – Peter Sykes (1976)
Fallen – Gregory Hoblit (1998)
Opium, diario de una mujer poseída – János Szász (2007)