Drama familiar

APEGO (Madre e hijo)

Vinculación afectiva intensa, duradera, de carácter singular, que se desarrolla y consolida entre dos personas, por medio de su interacción recíproca, y cuyo objetivo más inmediato es la búsqueda y mantenimiento de proximidad en momentos de amenaza ya que esto proporciona seguridad, consuelo y protección. (Wikipedia)

“Las personas valen lo que vale el apego de la gente, y es de ahí que el maestro Pueblo sacó aquel adagio de que quien al feo ama bonito le parece”
Joaquim Machado de Assis (1839-1908) Escritor brasileño

MADRE E HIJO (Mat i syn) – 1997

Director Aleksandr Sokurov
Guion Yuri Arabov
Fotografía Aleksei Fedorov
Música Mikhail Ivanovich
Producción O-Film/Severny Fond/Zero Film
Nacionalidad Rusia/ Alemania
Duración 73m. Color
Reparto Aleksei Ananishnov, Gudrun Geyer.

«Fui preso de una pesadilla sofocante y me desperté aterrorizado y cubierto de sudor. Dios, morando en mi alma, afectaba solamente mi conciencia. El nunca se extiende hacia el mundo exterior al curso de las cosas. Mi corazón se apesadumbraba por tanta imperfección»

Virtuosa, hipnótica y aflictiva elegía al apego maternofilial que ejemplificaba la complejidad y el hermetismo cinematográfico del genial pupilo tarkovskiano y, de paso, inauguraba una suerte de trilogía inacabada sobre la estima propia de las relaciones familiares, proseguida con la igualmente abstracta, obsesiva y trascendental PADRE E HIJO (2003) y detenida en la presunta DOS HERMANOS Y UNA HERMANA, aún en trámites de producción. El hondo vínculo de amparo y compasión recíproca que sostienen una mujer moribunda y su complaciente hijo en un indefinido contexto campestre se sistematizaba en torno a la alternancia de planos secuencia cadenciosos y dilatados, de una parquedad dialéctica poco menos que agónica y una disposición paisajística directamente emparentada con la textura pictórica del enigmático romanticismo friedrichiano. La minuciosa e imponente captación del ruido agreste acrecentaba la magnitud emocional de estas evocadoras imágenes otoñales, afectadas por objetivos anamórficos que subrayaban la insondable esencia de la naturaleza.

Otras películas sobre el APEGO

Primavera tardía – Yasujiro Ozu (1949)
El soplo al corazón – Louis Malle (1971)
Yo soy Sam – Jessie Nelson (2001)

EMIGRACIÓN (Surcos)

Dejar el lugar de origen para establecerse en otro país o región, especialmente por causas económicas o sociales. (Wikipedia)

«Aprendí pronto que al emigrar se pierden las muletas que han servido de sostén hasta entonces, hay que comenzar desde cero, porque el pasado se borra de un plumazo y a nadie le importa de dónde uno viene o qué ha hecho antes»
Isabel Allende (1942-) Escritora chilena

SURCOS (Surcos) – 1951

Director José A. Nieves Conde
Guion José A. Nieves Conde, Gonzalo Torrente Ballester y Natividad Zaro
Fotografía Sebastián Parera
Música Jesús García Leoz
Producción Atenea Films
Nacionalidad España
Duración 90m. B/N
Reparto María Asquerino, Luis Peña, Marisa de Leza, Francisco Arenzana, Félix Dafauce, José Parada, Maruja Di, Francisco Bernal, Féliz Briones.
* Nati Mistral – Cantares de luna

«En el pueblo siempre será igual, en cambio en la ciudad le llega a uno la ganancia a las manos nada más querer»

A partir de una historia original de Eugenio Montes inspirada en el arduo fenómeno de la emigración campesina, tema silenciado por el gobierno franquista desde la guerra civil, Nieves Conde rubricó este drama social de vocación neorrealista y connotaciones de género negro que por méritos propios se ha instalado en la historia del cine español como una de sus películas más renovadoras e influyentes. El desarraigo y la hostilidad con las que el suburbio madrileño acoge a una familia de labradores, esbozo descaradamente transferido al asfalto milanés por Luchino Visconti para fraguar su magistral ROCCO Y SUS HERMANOS (1960), sirvió para tratar con firmeza, denuedo y convicción algunas de las hasta entonces inabordables vergüenzas del régimen, como la corrupción, la delincuencia juvenil o el espinoso problema de la vivienda. Macerada por una atmósfera de implacable y desgarradora turbiedad, cosechó en su día una tajante desaprobación por parte de la Iglesia y padeció la implacable mediación de la censura, que, entre otros ajustes, obligó a modificar la escena final.

Otras películas sobre EMIGRACIÓN

Charlot emigrante – Charles Chaplin (1917)
América, América – Elia Kazan (1963)
Los emigrantes – Jan Troell (1971)

AFLICCIÓN (En la ciudad sin límites)

Sufrimiento físico, pena, tristeza. (Espasa-Calpe)

“La aflicción, más que un cordial, es un corrosivo para los males que no tienen cura”
William Shakespeare (1564-1616) Poeta, dramaturgo y actor inglés

EN LA CIUDAD SIN LÍMITES (En la ciudad sin límites) – 2002

Director Antonio Hernández
Guion Antonio Hernández y Enrique Brasó
Fotografía Unax Mendía
Música Víctor Reyes
Producción Zebra Producciones/Icónica/Patagonik Film
Nacionalidad España/ Argentina
Duración 120m. Color
Reparto Leonardo Sbaraglia, Fernando Fernán Gómez, Geraldine Chaplin, Ana Fernández, Roberto Álvarez, Adriana Ozores, Álex Casanovas.

«Los sueños se van vendiendo poco a poco, casi sin darte cuenta, y la vida te va envolviendo, llevándote. Por eso hay que seguir luchando»

Optimizando la premisa temática apuntada en la promisoria LISBOA (1999), es decir, la hipocresía, la codicia y la ruindad moral que enherbolan los lazos familiares, incluso acrecentándola aún más si cabe ante la problemática que siempre genera una sucesión empresarial y patrimonial, Antonio Hernández nutrió el enigma que se cierne alrededor de la aflicción terminal de un anciano patriarca hospitalizado en París a causa de un tumor cerebral (inmenso Fernán Gómez) para dirimir con una enfática e irascible audacia dramática la imposibilidad de cicatrizar las heridas del pasado. A partir de un guion de carácter autobiográfico de una consistente y equilibrada densidad, el cineasta salmantino homenajeaba a su difunto progenitor a través de una inmersión catártica que buceaba en las profundidades del remordimiento más desesperado, de la apesadumbrada frustración afectiva, del ingrato abandono ancianil, a cuyo radiante, profundo y absorbente flujo de emotividad únicamente podría imputársele un dudoso sentido de la heterogeneidad estética y una enfatización musical resueltamente desmesurada.

Otras películas sobre la AFLICCIÓN

Aflicción – Paul Schrader (1997)
La habitación del hijo – Nanni Moretti (2001)
Melancolía – Lars Von Trier (2011)

RESENTIMIENTO (Celebración)

Desazón, desabrimiento o queja que queda de un dicho o acción ofensiva que puede perdurar largo tiempo y reaparecer cuando se recuerda dicha ofensa. El tipo de sensación que causa puede ir de una ligera molestia temporal a un profundo malestar que puede dificultar o imposibilitar las relaciones con el ofensor (…) El resentimiento enquistado y agravado acaba produciendo rencor. (Wikipedia)

«El resentimiento es como tomar veneno esperando que la otra persona muera»
Carrie Fisher (1956-) Actriz, guionista y novelista estadounidense

CELEBRACIÓN (Festen) – 1998

Director Thomas Vinterberg
Guion Thomas Vinterberg y Mogens Rukov
Fotografía Anthony Dod Mantle
Música Lars Bo Jensen
Producción Nimbus Film/Danmarks Radio/SVT Drama
Nacionalidad Dinamarca/ Suecia
Duración 105m. Color
Reparto Ulrich Thomsen, Henning Moritzen, Thomas Bo Larsen, Birthe Neumann, Paprika Steen, Trine Dyrtholm, Helle Dolleris, Klaus Bondam.
* Niels Wilhelm Gade – Brudevalsen

«Sé que todos ustedes, sobre todo mis hijos, me odiaran por el resto de sus vidas»

Con casi toda seguridad, la más congruente manifestación surgida del drástico, controvertido y afortunadamente perecedero DOGMA95; un desafiante movimiento presuntamente concebido para reivindicar la pureza originaria del cine y sublevarse ante el superfluo esteticismo que lo extorsiona mediante una decena de absurdas y espartanas normas estilísticas. En esta ocasión, la inexorable estética de la doctrina impulsada en su momento por Thomas Vinterberg y Lars Von Trier se ajustó como anillo al dedo a un patético y destemplado drama consanguíneo, encauzado a pormenorizar la conmemoración del sexagésimo aniversario del patriarca de una familia burguesa para extraer toda la ruindad e hipocresía que en ella residía y desvelarnos de manera casi furtiva sus enigmáticos y dolorosos resentimientos. La certera, categórica e inquieta filmación de largos planos-secuencia con cámara al hombro y sonido directo, intensificó la densa atmósfera claustrofóbica de una catarsis terapéutica que se adentraba con criterio en la grandeza y las miserias de la condición humana.

Otras películas sobre la improductiva fuerza del RESENTIMIENTO

¿Qué fue de Baby Jane? – Robert Aldrich (1962)
Sonata de otoño – Ingmar Bergman (1978)
Aflicción – Paul Schrader (1997)

CLAN (El héroe sacrílego)

1. Grupo o comunidad de personas con una ascendencia común en la que tienen gran importancia los lazos familiares y la obediencia a un jefe.
2. Grupo restringido de personas unidas por vínculos o intereses comunes. (Espasa-Calpe)

“Como el sistema feudal de clan predomina en todos los distritos, y como todas las familias en una o incluso varias aldeas llevan por lo común un mismo apellido, ha de pasar un tiempo bastante largo antes de que las masas adquieran conciencia de clase y el espíritu de clan sea superado en las aldeas”
Mao Zedong (1893-1976) Político y estadista chino

EL HÉROE SACRÍLEGO (Shin heike monogatari) – 1955

Director Kenji Mizoguchi
Guion Yoshikata Yoda, Masashige Narusawa y Kyuichi Tsuji
Fotografía Kazu Miyagawa
Música Fumio Hayasaka y Masaru Sato
Producción Daiei
Duración 103m. Color
Nacionalidad Japón
Reparto Raizo Ichikawa, Yoshiko Kuga, Narutoshi Hayashi, Michiyo Kogure, Ichijiro Oya, Eijiro Yanagi, Eitaro Shindo, Tatsuya Ishiguro.

«Un samurái debe vivir en la pobreza para seguir siendo un guerrero valeroso»

Adaptación de la novela por entregas de Eiji Yoshikawa Heike monogatari (El cantar de los Taira), que reproducía el intemperante proceso existencial de un joven samurái por desenmascarar su verdadero linaje en el turbulento contexto feudal del siglo XII, marcado por las luchas que la ascendente casta guerrera sostenía contra la degenerada aristocracia Heian y las dominantes órdenes religiosas del momento. Por segunda y última vez en su filmografía, Mizoguchi recurrió a una esplendorosa armonía cromática para modelar la fatalista grandeza épica y dramática que circundaba esta implacable espiral de insurrecciones jerárquicas, traiciones palaciegas y elípticas batallas a sable, conocida también con el título NUEVA HISTORIA DEL CLAN TAIRA, cuyo éxito comercial depararía un año más tarde dos secuelas a cargo de Teinosuke Kinugasa y Kôji Shima. El vigor, la elegancia y el aplomo de su puesta en escena podría sintetizarse en un plano tan absolutamente sobrecogedor como la espectral partida nocturna a través del bosque de centenares de monjes sublevados.

Otras películas sobre CLANES

El clan de los sicilianos – Henri Verneuil (1969)
El padrino – Francis Ford Coppola (1972)
El clan de los irlandeses – Phil Joanou (1990)