ESTIGMA (La mujer marcada)

Marca de deshonra o mala reputación. (RAE)
En sociología, estigma es una condición, atributo, rasgo o comportamiento que hace que la persona portadora sea incluida en una categoría social hacia cuyos miembros se genera una respuesta negativa y se la vea como inaceptable o inferior (…) Las personas estigmatizadas son enviadas al ostracismo, devaluadas, rechazadas y vilipendiadas (…) El estigma social afecta no sólo la salud psicológica sino también la salud física de la persona que sufre la condición. (Wikipedia)

“Yo he tenido que luchar para ser yo y que se me respete, y llevar ese estigma, para mí, es un orgullo. Llevar el nombre de lesbiana. No voy presumiendo, no lo voy pregonando, pero no lo niego.”
Chavela Vargas (1919-2012) Cantante mexicana

LA MUJER MARCADA (The scarlett letter) – 1926

Director Victor Sjöström
Guion Frances Marion
Fotografía Hendrik Sartov
Producción Metro Goldwyn Mayer
Nacionalidad Estados Unidos
Duración 98m. B/N
Reparto Lillian Gish, Lars Hanson, Henry B. Walthall, William H. Tooker, Marcelle Corday, Jules Cowles, James A. Marcus.

«Le he contado mis pensamientos (usted dice que son pecaminosos) pero, ¿por qué? ¿Por qué se nos enseña a avergonzarnos del amor?»

Obra cumbre de Nathaniel Hawthorne, considerada por muchos como la mejor novela norteamericana del siglo XIX, The scarlett letter ha sido objeto de numerosas adaptaciones al teatro, la ópera y el cine, entre ellas, versiones de realizadores como Wim Wenders (1973) o Roland Joffé (1995), pero ninguna ha conseguido equipararse en prestigio y trascendencia a esta libre traslación silente a cargo de Victor Sjöström. Haciendo gala de su luminosa expresividad y una admirable variedad de matices, Lilian Gish, fervorosa impulsora del proyecto, encarnaba con profuso vigor y entusiasmo a una costurera bostoniana cuyo marido ha desaparecido presumiblemente hace siete años, que, tras concebir una hija con otro hombre, será castigada como adúltera y condenada a llevar a una letra A como simbólico estigma de su vergüenza. Una lacerante crítica a la intolerancia y al puritanismo religioso en la Norteamérica del siglo XVII, materializada por el realizador sueco con poderoso énfasis dramático y un exquisito tratamiento formal, beneficiado por la siempre exquisita dirección artística del gran Cedric Gibbons.

Otras películas marcadas por un ESTIGMA

M, el vampiro de Düsseldorf – Fritz Lang (1931)
La profecía – Richard Donner (1976)
Wonder – Stephen Chbosky (2017)

INODORO (El fantasma de la libertad)

Aparato sanitario utilizado para recoger y evacuar los excrementos sólidos y líquidos de los humanos hacia una instalación de saneamiento y que impide, mediante un sistema de sifón de agua limpia, la salida de los olores desagradables de la cloaca o alcantarillado hacia los espacios habitados (…) Generalmente, las tazas de baño se fabrican de porcelana, pero también de acero inoxidable y cualquier otro material impermeable y liso. (Wikipedia)

«El inodoro tuvo que ser inventado por alguien que no sabía nada de hombres» (libro El amor en los tiempos del cólera)
Gabriel García Márquez (1927-2014) Escritor y periodista colombiano

EL FANTASMA DE LA LIBERTAD (Le fantôme de la liberté) – 1974

Director Luis Buñuel
Guion Luis Buñuel y Jean-Claude Carrière
Fotografía Edmond Richard
Producción Eurointer/Greenwich Film Productions
Nacionalidad Francia/ Italia
Duración 104m. Color
Reparto Michel Piccoli, Jean Rochefort, Michael Lonsdale, Monica Vitti, Adriana Asti, Jean-Claude Brialy, Adolfo Celi, Paul Frankeur, Milena Vukotic.
* Johannes Brahms – Rapsodia para piano Op. 79 núm. 2

«¿Cómo será el planeta en veinte años, considerando la explosión demográfica? Te hace pensar. (…) Considere la cantidad de productos tóxicos que vertemos en nuestros ríos: insecticidas, detergentes, todo el residuo industrial…»

Elevando hasta cotas insospechadas el talante subversivo e irracional que singularizó su última etapa francesa, Buñuel compuso este homenaje al desenfreno creativo de clarividente narrativa episódica y bullicioso espíritu surrealista, fragmentado en catorce anécdotas entrelazadas por un personaje a través de tesituras tan azarosas como imprevisibles. Desde un preámbulo de corte histórico, ubicado en la catedral de Toledo en plena invasión napoleónica, proponía una delirante sucesión de estampas cotidianas para flirtear por vía de la sátira con lo políticamente incorrecto (necrofilia, pedofilia, sadomasoquismo, gerontofilia…) y arremeter sin pudor con lo moralmente susceptible (la inutilidad del militarismo, la degeneración del clero, la ridiculez de ciertas convenciones sociales…) hasta conformar una osada denuncia a la prejuiciosa vacuidad e hipocresía de la sociedad bienpensante. Entre sus más recordadas viñetas sobresale el disparatado gag sobre la pareja que denuncia la desaparición de su hija, con la niña presente en comisaría, así como la antológica velada burguesa con anfitriones e invitados sentados a la mesa sobre inodoros.

Otras películas que contienen una recordada escena de INODORO

Psicosis – Alfred Hitchcock (1960)
La conversación – Francis Ford Coppola (1974)
Trainspotting – Danny Boyle (1996)

DELFÍN (The Cove)

Cetáceo piscívoro, de dos y medio a tres metros de largo, negro por encima, blanquecino por debajo, de cabeza voluminosa, ojos pequeños y pestañosos, boca muy grande, dientes cónicos en ambas mandíbulas, hocico delgado y agudo, y una sola abertura nasal. Vive en los mares templados y tropicales. (RAE)

«No hay duda de que los delfines son más inteligentes que los humanos ya que juegan más.»
Albert Einstein (1879-1955) Físico alemán de origen judío

THE COVE (The Cove) – 2009

Director Louie Psihoyos
Guion Mark Monroe
Fotografía Brook Aitken
Música J. Ralph
Producción Diamond Docs/Fish Films/Oceanic Preservation Society/Quickfire Films
Nacionalidad Estados Unidos
Duración 92m. Color
Reparto Richard O’Barry, Louie Psihoyos, PauL Watson, Charles Hambleton, Roger Payne, Mandy-Rae Cruikshank, Joji Morishita.
* David Bowie – Heroes

«Como ser humano, cuando veo un delfín mirándome y sus ojos siguiéndome y miro a ese animal, hay una respuesta humana que hace innegable que me estoy conectando con un ser inteligente.»

Ric O’Barry abandonó su fértil carrera como captor y entrenador de delfines para emprender una incansable lucha en defensa de sus derechos tras superar el trauma que le supuso presenciar con absoluta consternación cómo Kathy, una de las cinco hembras mulares que interpretaron a Flipper en la popular serie de televisión homónima (1964-1967), decidía poner fin a su ominoso cautiverio suicidándose (dejando de respirar a propósito) en sus brazos. En 2007, el reconocido activista invitó al exfotógrafo del National Geographic Louis Psihoyos a Taiji (Wakayama), un poblado pesquero japonés cuya principal actividad económica radica en la atroz cacería clandestina de miles de estos singulares cetáceos, bien para comercializar su carne (altamente tóxica por su elevada concentración de mercurio) o venderlos a acuarios y parques marinos. Juntos colaboraron en la gestación de este multigalardonado documental de denuncia medioambiental, filmado con agudeza, entusiasmo y la buena dosis de suspense que suscitaba el arriesgado camuflaje de micrófonos y cámaras de alta definición para atestiguar semejante masacre anual.

Otras películas con protagonismo del DELFÍN

Mi amigo Flipper – James B. Clark (1963)
El gran azul – Luc Besson (1988)
La gran aventura de Winter el delfín – Charles Martin Smith (2011)

OCULTACIÓN (Romeo, Julieta y las tinieblas)

Encubrimiento de alguien o algo con el fin de impedir que sea visto o conocido. (Espasa-Calpe)

«Lo que me interesa es la conquista del miedo, su ocultamiento y la huida de él, enfrentarse con el miedo, exorcizarlo, avergonzarse de él, por último, tener miedo de tener miedo.»
Louise Bourgeois (1911-2010) Artista y escultora francesa nacionalizada estadounidense

ROMEO, JULIETA Y LAS TINIEBLAS (Romeo, Julia a tma) – 1960

Director Jirí Weiss
Guion Jirí Weiss y Jan Otcenásek
Fotografía Václav Hanus
Música Jirí Srnka
Producción CBK/Ceskoslovensky Státní Film/Filmové/Studio Barrandov
Nacionalidad Checoslovaquia
Duración 92m. B/N
Reparto Ivan Mistrik, Daniela Smutna, Jirina Sejbalová, Jirina Sejbalová, Frantisek Smolik, Blanka Bohdanová.

«Tenemos que disfrutar el presente… Quizás mañana no estemos aquí.»

Realizador y guionista praguense de origen judío y ferviente ideología comunista, Jirí Weiss rubricó su mejor largometraje con esta conmovedora adaptación del relato homónimo de Ján Otcenásek (posteriormente transformado en ópera por Kirill Molchanov), que, con casi toda seguridad, pervive como el más cautivador y representativo clásico del cine checoslovaco anterior a la eclosión de la Nueva Ola. Localizado en la Praga de 1942, en plena ocupación nazi, armonizaba sensibilidad dramática, romanticismo literario y crítica del horror belicoso a través de la etérea historia de amor entre un estudiante idealista y la hermosa muchacha judía, que, ante el implacable acoso de las huestes alemanas, decide ocultar en el abandonado ático del edificio en el que reside. Sutilmente interpretada por la joven pareja protagonista, emerge como una fábula humanista sobre el Holocausto de estructura circular y notoria influencia escénica, presta a atenuar su espeluznante trasfondo entre miradas y gestos de complicidad afectiva hasta fraguar una poética alegoría sobre la naturaleza volátil, fugaz e ilusoria de la felicidad.

Otras películas determinadas por el OCULTAMIENTO de uno de sus personajes protagonistas

El diario de Ana Frank – George Stevens (1959)
El último metro – Louis Malle (1980)
La trinchera infinita – Jon Garaño, Aitor Arregi y José Mari Goenaga (2019)

MENSÚ (Prisioneros de la tierra)

Nombre que recibe el trabajador rural de la selva en la zona de Paraguay y las provincias argentinas de Corrientes y Misiones, y en particular el trabajador de las plantaciones de yerba mate. El término, de origen guaraní, proviene de la palabra española ‘mensual’, referida a la frecuencia del pago del salario. Históricamente, el trabajo del mensú ha sido tradicionalmente asimilado (y considerado) a un régimen servil o semi-esclavo. (Wikipedia)

«Selva, noche, luna pena en el yerbal. El silencio vibra en la soledad y el latir del monte quiebra la quietud con el canto triste del pobre mensú.» (canción El mensú)
Ramón Ayala (1945-) Acordeonista, cantante y compositor mexicano

PRISIONEROS DE LA TIERRA (Prisioneros de la tierra) – 1939

Director Mario Soffici
Guion Ulises Petit de Murat y Darío Quiroga
Fotografía Pablo Tabernero
Música Lucio Demare
Producción Pampa Films
Nacionalidad Argentina
Duración 85m. B/N
Reparto Homero Cárpena, Raúl De Lange, Roberto Fugazot, Elisa Galvé, Ángel Magaña, Francisco Petrone, Pepito Petray.

«Sacan el fruto de la tierra y oprimen a los nativos… ¡Dicen que los fantasmas señalan tesoros! Si encontráramos uno, nos iríamos al sur, allá lejos, donde la ley del hombre y la tierra son más humanos.»

Siguiendo la estela de crítica social emprendida con las apreciables VIENTO NORTE (1937) y KILOMETRO 111 (1938), Mario Soffici denunció la desalmada explotación sufrida por los mensúes reclutados para trabajar en las plantaciones de yerba mate del Alto Paraná a través de una miscelánea de elementos, situaciones y personajes procedentes de diversos cuentos de Horacio Quiroga, esencialmente de Un peón, Los destiladores de naranjas, Una bofetada y Los desterrados. Ambientada en la provincia argentina de Misiones, hacia 1915, asumía un sobrio naturalismo dramático de opresiva querencia fatalista con arrebatador poderío visual en aras a describir las dificultades para subsistir en aquel hostil y miserable entorno selvático, haciendo especial hincapié en la inviable historia de amor que florece entre un obrero y la hija de un médico alcohólico. El enorme valor artístico e historiográfico del filme quedó refrendado al ser elegido como el mejor largometraje argentino de todos los tiempos en las dos primeras encuestas (1977 y 1984) llevadas a cabo por el Museo del Cine Pablo Ducrós de Buenos Aires.

Otras películas estructuradas en torno a la figura del MENSÚ

Las aguas bajan turbias – Hugo del Carril (1952)
El trueno entre las hojas – Armando Bo (1958)
Los que vuelven – Laura Casabé (2019)