NACIONALIDADES

HETEROGENEIDAD (Laurence anyways)

Combinación, mezcla o composición de elementos de diversa naturaleza en un todo o conjunto. Se refiere a la integración de cualquier variedad, teniendo en cuenta que todos forman parte de un solo grupo, pero son diferentes entre sí. (wiktionary.org)

«La civilización es el progreso desde una homogeneidad indefinida e incoherente hacia una definida y coherente heterogeneidad.”
Herbert Spencer (1820-1903) Naturalista, filósofo, psicólogo, antropólogo y sociólogo británico

LAURENCE ANYWAYS (Laurence anyways) – 2012

Director Xavier Dolan
Guion Xavier Dolan
Fotografía Yves Bélanger
Música Varios
Producción Lyla Films/MK2 Productions
Nacionalidad Canadá/ Francia
Duración 168m. Color
Reparto Melvil Poupaud, Suzanne Clément, Nathalie Baye, Monia Chokri, Yves Jacques, Sophie Faucher, Patricia Tulasne, Antoine-Olivier Pilon.
* Moderat – A new era

«¿Alguna vez has comprado una peluca para tu novio? ¿Has pasado miedo por si le pegan en la calle y te lo devuelven destrozado?»

Tercer largometraje del apodado ‘enfant terrible’ del cine contemporáneo y, con casi toda seguridad, el ejemplo más paradigmático de su heterogeneidad estilística, de su apasionado carácter reivindicativo o de su persistente dialéctica entre los lazos familiares y la búsqueda de la identidad personal. A través de una enardecedora y a ratos grandilocuente miscelánea de registros dramáticos, texturas visuales e influencias sonoras, Xavier Dolan ubicaba a lo largo de toda la década de los noventa la imposible relación sentimental que vincula a una pareja de treinteañeros canadienses, dominada por el rechazo, la frustración y la incertidumbre afectiva desde el instante en el que él (profesor de literatura en un instituto privado) confiesa de forma inesperada su decisión de transitar de un sexo a otro. Abanderada por dos intérpretes en auténtico estado de gracia, deviene una tragicomedia posmoderna de intensa estética almodovariana tan audaz, preciosista y transgresora como pretenciosa, autocomplaciente e incluso desmesurada en cuanto a su generoso y poco justificado metraje.

Otras películas que evidencian la HETEROGENEIDAD estilística de su autor

Tirad sobre el pianista – François Truffaut (1960)
Todos nos llamamos Alí – Rainer W. Fassbinder (1975)
El corazón del ángel – Alan Parker (1987)

FONÉTICA (Pigmalión)

Disciplina lingüística que estudia los sonidos del habla humana, es decir, la realización y percepción física de los signos que componen la lengua (…) La fonética consiste, fundamentalmente, en una aproximación al aspecto físico del lenguaje verbal y a los distintos modos en que éste puede articularse, es decir, a la manera específica en que los hablantes de una misma lengua la ponen en práctica. (concepto.de)

«La fonética permanece, pero cambia la semántica. Facha, por ejemplo, era antes un insulto, pero hoy es un elogio. Cuando alguien me lo llama, me digo: Vas bien, Fernando, vas bien…»
Fernando Sánchez Dragó (1936-2023) Escritor y periodista español

PIGMALION (Pygmalion) – 1938

Director Anthony Asquith y Leslie Howard
Guion W.P. Lipscomb, Cecil Lewis, Ian Dalrymple y Anatole de Grunwald.
Fotografía Harry Stradling Sr.
Música William Axt y Arthur Honegger
Producción Pascal Film Productions
Nacionalidad Reino Unido
Duración 95m. B/N
Reparto Leslie Howard, Wendy Hiller, Wilfrid Lawson, Marie Lohr, Jean Cadell, David Tree, Everley Gregg, Esme Percy.

«He logrado que pronuncie correctamente, pero hay que considerar no solo cómo pronuncia sino lo que pronuncia.»

Hijo del político liberal Herbert Henry Asquith, Primer Ministro del Reino Unido entre 1908 y 1916, Anthony Asquith relanzó su carrera como cineasta al co-dirigir junto al actor Leslie Howard esta apreciable adaptación de la ingeniosa pieza teatral homónima de George Bernard Shaw, libremente inspirada en la romántica leyenda de la mitología griega entre el escultor Pigmalión y su estatua Galatea, que acabaría inscrita en los anales del cine gracias a la esplendorosa recreación en clave musical a cargo de George Cukor, MY FAIR LADY. Amparada en el buen quehacer interpretativo de sus protagonistas, planteaba una punzante sátira del sistema de clases británico al describir con un sutil sentido del humor el inesperado cambio vital que experimenta un solterón, vanidoso y avezado profesor de fonética tras apostar, que, en tan solo seis meses, es capaz de transformar a una soez e inculta florista del Covent Garden en una respetable dama de la alta sociedad a través de un plan de aprendizaje consistente en adquirir distinguidos modales, renovar el vocabulario y corregir la pronunciación.

Otras películas que guardan cierta relación con la FONÉTICA

Cantando bajo la lluvia – Stanley Donen y Gene Kelly (1952)
El chacal de Nahueltoro – Miguel Littín (1969)
Ocho apellidos vascos – Emilio Martínez-Lázaro (2014)

METRAJE (L’amour fou)

Material sin editar que ha sido tomado originalmente mediante una cámara de vídeo, y que normalmente es editado para crear la película, el vídeo musical, el programa de televisión, u otros trabajos completos similares. Más vagamente, metraje puede hacer referencia a todas las secuencias usadas en la filmación y en la edición del vídeo. Algunos expertos lo llaman también pietaje o código de tiempo. El metraje cinematográfico se refiere a las medidas tradicionalmente utilizadas en los medios ligados al cine, para medir la longitud de una película. (Wikipedia)

«Ya sea de forma solitaria, en pareja o de forma grupal, el cine ha logrado introducir la poesía en su metraje, buscando pretextos que permitan emitir unos versos hacia el espectador.» (artículo Cine y poesía: 5 formas de recitar un poema en una película)
Rafael Vidal Sanz (1989-) Periodista español

L’AMOUR FOU (L’amour fou) – 1969

Director Jacques Rivette
Guion Jacques Rivette y Marilú Parolini
Fotografía Étienne Becker y Alain Levent
Música Jean-Claude Eloy
Producción Les Films Marceau/Cocinor/Sogexportfilm
Nacionalidad Francia
Duración 255m. B/N
Reparto Bulle Ogier, Jean-Pierre Kalfon, André S. Labarthe, Josée Destoop, Dennis Berry, Michèle Moretti, Yves Beneyton.
* Otis Redding – Fa-Fa-Fa-Fa-Fa (Sad Song)

«Siento que de repente me he despertado. ¿Entiendes? (…) ¿Crees que estoy loca?»

En su tercera película, Jacques Rivette puso en práctica sus principios experimentales al cimentar sobre la improvisación actoral este audaz y vasto discurso sobre el enigma de la creación artística, que irrumpe como una de sus obras más elogiadas y actúa como esencial preámbulo a la mastodóntica OUT 1: NOLI ME TANGERE (1971), de casi trece horas de duración. El ilustre ideólogo fundacional de la nouvelle vague entrelazaba con impecable progresión dramática el desmoronamiento conyugal entre una actriz de teatro (rutilante Bulle Ogier) y su vanguardista director, en plenos preparativos de una versión de la tragedia griega Andrómaca de Jean Racine, filmado con lentes de 35mm, con los propios ensayos de la puesta en escena, registrados cámara en mano de 16mm por un equipo televisivo a cargo de André S. Labarthe. Una apasionada, densa y sinuosa dialéctica entre realidad y ficción, que sería afortunadamente restaurada a partir de materiales de distintas procedencias después de que el negativo original acabara destruido en 1973 a causa de un incendio.

Otras obras cuyo METRAJE CINEMATOGRÁFICO sobrepasa las cuatro horas de duración

Shoah – Claude Lanzmann (1985) / 566m.
Sátántangó – Béla Tarr (1994) / 450m.
La flor – Mariano Llinás (2018) / 808m.

ILUSIONISMO (El truco final [El prestigio])

Popularmente denominado magia, es un arte escénico, subjetivo, narrativo y espectáculo de habilidad e ingenio, que consiste en producir artificialmente efectos en apariencia maravillosos e inexplicables mientras se desconoce la causa que los produce. Estos efectos (desapariciones, transformaciones, uniones, lecturas de la mente, etc), que fingidamente hacen parecer realidad lo imposible, se conocen como efectos, juegos de manos, ilusiones y vulgarmente como trucos de magia. (Wikipedia)

«El arte del ilusionismo es aquel con el que mediante la lógica se ha de conseguir la ilógica y emocionar con ello. Lo mágico es lo inexplicable, la sensación del imposible, pero ha de emocionar.»
Miguel Puga (1968-) Ilusionista español

EL TRUCO FINAL [EL PRESTIGIO] (The prestige) – 2006

Director Christopher Nolan
Guion Christopher Nolan y Jonathan Nolan
Fotografía Wally Pfister
Música David Julyan
Producción Touchstone Pictures/Warner Bros.
Nacionalidad Estados Unidos/ Reino Unido
Duración 130m. Color
Reparto Hugh Jackman, Christian Bale, Michael Caine, Scarlett Johansson, David Bowie, Piper Perabo, Andy Serkis, Rebecca Hall.

«Quiero que estés atento. ¿Ves esto? Nunca se lo digas a nadie. Te suplicarán que les cuentes el secreto, pero en cuanto lo descubras, se acabó todo, ¿entiendes? Te ignorarán. El secreto no impresiona a nadie. El engaño que has empleado, lo es todo.»

En 2006, con poco más de dos meses de diferencia, saltaron a la gran pantalla dos intrigantes dramas de época ambientados en el mundo de la magia: el romántico, elegante y algo previsible EL ILUSIONISTA de Neil Burger, basado en un relato corto de Steven Millhauser, y esta libre adaptación de la novela homónima de Christopher Priest, perceptiblemente superior en cuanto a complejidad estructural, dinamismo descriptivo y poderío visual. Ambientada en el Londres victoriano de finales del siglo XIX, empleaba múltiples giros de guion dentro de una narrativa no lineal para pormenorizar las artimañas, renuncias e imposturas que permutan dos ambiciosos magos de distinta condición social y personalidad artística en su obsesivo proceso de manifiesta e irrenconciliable enemistad. Un intrincado thriller de suspense con pinceladas fantásticas, beneficiado por unas valiosas interpretaciones y un impecable diseño de producción, que actúa como un completo prontuario de las señas de identidad que definen el artificioso pero efectivo estilo como cineasta de Christopher Nolan.

Otras películas sobre ILUSIONISMO

El gran Houdini – George Marshall (1953)
El gran Buck Howard – Sean McGinly (2008)
El gran simulador – Néstor Frenkel (2013)

PIETISMO (Ordet)

Movimiento dentro del cristianismo que intenta centrarse en la santidad individual y en una vida cristiana consistente. Generalmente está dirigido por laicos o pastores locales que se sienten frustrados por la hipocresía o la inconsistencia que se observa en la iglesia en general (…) El movimiento pietista intervino en la formación de la Iglesia luterana y, en la década de 1670, dio origen a un movimiento de reforma dentro de la Iglesia. (gotquestions.org)

«El pietismo socava la verdad ontológica de la Iglesia o la rechaza totalmente, pero sin cuestionar las formulaciones de esa verdad. Simplemente las descarta, tomándolas como formas intelectuales ajenas a la salvación del hombre, y las abandona a la jurisdicción de una teología académica autónoma.»
Christos Yannaras (1935-) Académico griego, profesor de filosofía, teología y escritor

ORDET (Ordet) – 1943

Director Gustaf Molander
Guion Rune Lindström
Fotografía Gösta Roosling
Música Sven Sköld
Producción Svensk Filmindustri
Nacionalidad Suecia
Duración 108m. B/N
Reparto Victor Sjöström, Holger Lowenadler, Rune Lindström, Wanda Rothgardt, Gunn Wållgren, Torsten Hillberg, Inga Landgré, Stig Olin.

«Creo que hay muchos pequeños milagros silenciosos. ¿No podría nuestro Señor ser capaz de realizar un milagro? ¿No es nuestro Señor más poderoso que la duda del hombre?»

Comprensiblemente eclipsada por la inconmensurable magnificencia de la adaptación homónima realizada por Carl Th. Dreyer en 1955, esta primera traslación a la gran pantalla de la obra teatral escrita por el pastor luterano Kaj Munk (detenido y asesinado por la Gestapo a principios de 1944) pervive como una cautivadora mezcla de drama religioso y comedia costumbrista, donde se constata la sobriedad como cineasta del entonces prestigioso Gustav Molander. Asentándose en un compacto guion y en una equilibrada cohesión entre sus patrones visuales y narrativos, describe las consecuencias que comporta la rivalidad espiritual entre la condescendiente doctrina protestante de una familia de granjeros y la fanática devoción pietista del pastor/sastre de la comunidad, avivada por la mutua oposición a aprobar el noviazgo de sus respectivos hijos. Una sustanciosa reflexión sobre el inmenso poder transformador de la fe, no muy comedida en el apartado interpretativo y plenamente alejada de la luminosa quietud y el trascendentalismo escénico ofrendados en la inimitable versión danesa.

Otras películas relacionadas con el PIETISMO

El festín de Babette – Gabriel Axel (1987)
Jerusalén – Bille August (1997)
La cinta blanca – Michael Haneke (2009)